Il est de retour le mois prochain en BD et c'est probablement l'une des sorties les plus attendues de l'année, on décortique tout de suite les nouvelles aventures de... Goldorak !

J'ai 6 ans quand, en 1978, je découvre un nouveau dessin animé à la télévision. L'on y voit un robot géant défaire les assauts de forces extraterrestres déterminées à envahir la Terre. Très vite, comme des milliers d'enfants de l'époque, je me passionne pour l'œuvre de Go Nagai. Goldorak va vite devenir un véritable phénomène, engendrant la sortie de diverses adaptations BD, de 45 tours, de jouets... plus récemment, nous avons eu droit à la réédition du manga original (cf. cet article). Et, plus de 40 ans plus tard, c'est une suite, une création française qui plus est, que nous avons la chance de découvrir !

Il s'agit d'un bel album cartonné, grand format, de 168 pages, édité par Kana (sortie le 15 octobre). 

Le scénario est signé Xavier Dorison et Denis Bajram, les dessins sont l'œuvre de Bajram, Brice Cossu et Alexis Sentenac. Enfin, c'est Yoann Guillo qui se charge de la couleur.

Inutile de vous dire que depuis l'annonce de la sortie de cet album (cf. cette news), j'étais on ne peut plus fébrile et impatient. D'où ma joie lorsque je pus enfin caresser le précieux objet au doux parfum d'encre fraîche. J'en avais rêvé, au sens propre, il y a quelques années, bien avant d'avoir vent de ce projet francophone. Je me trouvais dans un bureau de presse où j'avais découvert un nouveau magazine BD, intitulé Goldoraks. Pourquoi au pluriel ? Aucune idée. Mais je fus bien déçu au réveil de constater que cette sortie était purement onirique. C'est donc avec une certaine incrédulité que j'en vins à tourner les premières pages de cet album bien réel, le cœur battant et un sourire de gamin aux lèvres. Cette introduction est très longue, hein ? Mais bon, c'est Goldorak quand même, les souvenirs d'enfance, c'est trop précieux pour les présenter à la va-vite, comme s'il s'agissait du dernier torche-cul de Christine Angot. 

Allez, le petit tacle à l'autre dinde, c'est fait, l'on peut maintenant rentrer dans le vif du sujet ! (Ceci dit, si vous voulez découvrir les "pré-origines" de Goldorak, n'hésitez pas à consulter la Parenthèse de Virgul #30 !)

Voyons tout d'abord un peu le synopsis. 

Alors que les habitants de la Terre pensaient que la guerre contre les forces de Véga n'était plus qu'un lointain et désagréable souvenir, voilà que les rescapés de Stykadès débarquent, accompagnés d'un Golgoth surpuissant, pour demander qu'on leur remette... le Japon. Rien que ça ! Le coup des demandes de rançon, c'est connu, mais exiger tout un pays, c'est quand même rare. Évidemment, le gouvernement japonais et son armée n'entendent pas se plier à de telles exigences sans réagir. Et certains vétérans sont prêts à reprendre le combat. Malheureusement, Goldorak n'est plus là. Actarus est bien loin. Et si pourtant, encore une fois, c'était de lui que dépendait le destin de la planète bleue ?

Nous sommes donc face à une suite directe de la série, et non un reboot ou une relecture des anciennes aventures. Tout cela est d'ailleurs bien amené même si l'album n'est pas sans quelques défauts. Et c'est d'ailleurs par ça que nous allons commencer, histoire d'être débarrassé. 

Tout d'abord, le texte est parfois quelque peu... maladroit dirons-nous. Ça accroche, ça manque de savoir-faire et de fluidité. Par exemple "il n'y a rien d'assez gros pour faire des chocs pareils" ("pour générer" serait plus correct) ; ou encore "mets-lui des tranquillisants" (on dit plutôt "administrer", pas "mettre") ; "vouloir me retrouver est la dernière chose que tu veux" (outre la répétition, l'emploi de l'indicatif semble ici peu... indiqué). Je passe sur les "que quand" ou des constructions désagréables du même genre qui, si elles ne sont pas fautives, manquent clairement d'habileté. Pourtant ils sont quatre à bosser sur le truc, plus une relectrice, sans compter l'éditeur... or, l'on a la fâcheuse impression que les dialogues ont parfois été quelque peu bâclés. Pas tout le temps, heureusement, mais suffisamment pour que ce soit agaçant et que ça laisse un arrière-goût d'amateurisme coupable. 

Dans les demi-couacs, l'on peut citer le grand moment dramatique, bien trop vite expédié pour être complètement efficace et atteindre son plein potentiel émotionnel. Un peu dommage vu le nombre de planches. Les personnages, quant à eux, même s'ils sont modernisés, demeurent à peine esquissés et très monolithiques dans leur manière de fonctionner. Enfin, la philosophie qui se dégage du récit est d'une naïveté confondante, bien que, sur ce point, il ne s'agisse pas d'un défaut mais de la volonté de respecter l'atmosphère et les valeurs, belles mais simplistes, de la série originelle. 

Voilà, on a fait le tour de ce qui pique. On peut se plonger avec délectation dans les nombreuses qualités de l'œuvre maintenant. 

Intéressons-nous en premier lieu à l'aspect graphique, parfaitement réussi. Les planches sont soignées et servies par une colorisation nuancée et efficace. Les scènes les plus emblématiques et attendues sont présentées sur de magnifiques pleines pages, quant au découpage, il permet de conserver une parfaite clarté de l'action.

Autant dire qu'on s'en prend plein la vue. 

Niveau "fan service", l'on a un beau package, avec la présence de tous les personnages secondaires, une photo "rétro", le 45 tours du générique, bref, des clins d'œil appuyés mais bien employés (on est loin de la pluie de références stupides et incongrues de Nicky Larson). 

Il convient également de noter le respect des personnages et du matériel original. L'on reconnaîtra sans peine la bienveillance de Procyon, le côté plus léger d'un Alcor ou même l'extravagance d'un Rigel (dont le rôle aura cependant une certaine importance). 

Enfin, l'intrigue respecte parfaitement les codes de la série, avec notamment une volonté de s'écarter du manichéisme pur (ce qui était rare à l'époque, moins de nos jours). 

Si c'était une bande dessinée de plus, avec des personnages non-ancrés dans notre passé, l'on aurait là une œuvre a priori banale, honnête mais sans plus. Seulement, voilà, ce n'est pas une bande dessinée comme les autres. Tout comme Le Club de Pagel naguère, ce Goldorak s'adresse tout d'abord aux survivants d'une époque révolue, aux adultes qui, sans pour autant devenir ces "adulescents" immatures dont se repaissent des médias fainéants, ont réussi à conserver au fond d'eux cette capacité d'émerveillement qui donne ce parfum capiteux et envoûtant aux choses à la fois familières et disparues. Si Pagel, dans un exercice risqué, profanait pour transcender, Dorison, Bajram, Cossu et Sentenac ont choisi une autre forme d'hommage, plus en rondeurs mais pour autant pas moins couillue. Car il fallait la réussir cette aventure présentant des héros à la fois vieillissants mais toujours reconnaissables. Il ne faudrait pas minimiser le défi qu'a pu représenter ce travail "à la manière de", basé en plus sur ce qu'il y a de plus sacré pour le lecteur compulsif et le spectateur assidu : ces premiers émois fictionnels qui marquent suffisamment pour générer encore frissons et humidité du regard, même une fois adulte.   

Ce Goldorak n'est pas un chef-d'œuvre, j'ignore même s'il pourra intéresser un lectorat autre que les quarantenaires et plus, mais il fait le taf et génère pincements au cœur et excitation presque à chaque scène, qu'elle rappelle une arme improbable dont le déclenchement était hurlé avec enthousiasme ou au contraire un moment d'intense mélancolie comme savait en réserver la série. 

La magie de la fiction est un peu spéciale. Elle peut briller de mille feux, envoûter des millions de personnes, puis s'éteindre peu à peu, les personnages qu'elle avait engendrés retombant dans les limbes de l'Imaginaire. Mais il suffit d'une étincelle, de quelques sorciers bien intentionnés, armés d'encre et de papier, pour faire renaître le passé de ses cendres et réenchanter des lieux et héros anciens. 

C'est ce que nous offre cet album et ses auteurs. Un beau et émouvant voyage dans nos souvenirs, en compagnie d'un vieil ami. Un tendre retour en arrière, dans cette époque où tout était plus coloré et baigné de l'insouciante gravité de l'enfance. Et rien que pour ça, putain, ça vaut le coup.

Commençons par le premier contact avec l'objet : une couverture bleu nuit, un héros charismatique à la peau bleue et aux cheveux blancs nous rappelant un peu le Noumaïos de Ulysse 31, armé d'une épée laser, dos tourné, cape rouge au vent, face à l'espace infini... ça claque déjà des culs de grands-mères. 
Mais en plus, la maquette nous offre des enluminures dorées symétriques (oui, ce n'est pas jaune comme sur l'image, c'est doré, ça brille !)... et ça, mon petit Jean-Kevin, ça met des paillettes dans nos vies et sur nos étagères !

Mais parlons du contenu, histoire de vérifier s'il est à l'aulne du contenant...

En l'an 3525 du calendrier impérial, deux hommes atterrissent auprès d'une entité colossale pour l'informer que l'or sacré a été localisé. Il est actuellement entre les mains d'une flotte spatiale appartenant à un petit duché de la constellation du loup. Ledit duché fait partie de la rébellion des baronnies et est donc un ennemi de l'ordre impérial. L'entité leur ordonne de récupérer cet or car elle en a besoin pour restaurer son intégrité. Mais la situation est plus compliquée encore car l'or risque bien de tomber sous peu entre les mains de l'empire, ce qui est une perspective absolument inacceptable pour l'entité.

Vous n'y pigez pas grand-chose ? C'est que j'ai bien fait mon travail. Le début d'Astra Saga nous largue en effet sans ménagement au beau milieu d'une intrigue dans un univers totalement inconnu... mais voyons ce qui se passe ensuite.

Le convoi incluant le vaisseau transportant la fameuse cargaison tant convoitée est pris pour cible par l'empire mais le chef de la police secrète de l'empereur, un homme du nom de Unn Folken, force le commandant impérial à cesser l'assaut au profit d'un abordage du transporteur : ils sont là pour l'or, à n'en pas douter, et peu leur importe le reste de la flotte. Ils envoient donc l'élite de l'élite des impériaux : une escouade de soldats dragons qui s'introduit aisément dans le cargo. Mais l'opération prend du temps et les dragons se retrouvent confrontés à d'improbables gardiens avant d'accéder à l'or sacré : des golems, sortes de machines composées de matière primordiale issue de l'Inframonde (Jötunheim) dont l'existence était tant soumise à caution qu'on avait fini par croire qu'elles n'étaient que des légendes. Le transporteur s'apprête alors à emprunter une écluse galactique, une sorte de voie rapide unissant les baronnies et les principautés. C'est alors que l'ordre est donné par Folken, malgré les protestations du commandant, de détruire l'écluse spatiale par laquelle le transporteur tente de fuir avec son chargement. Ce serait là, selon le commandant un véritable holocauste pour les mondes avoisinants... mais Folken affirme préférer cela à l'Apocalypse qui les attend si l'or sacré leur échappe.

Qui des impériaux, des rebelles ou de l'étrange entité parviendra à mettre la main sur ce convoi qui semble être l'objet de toutes les convoitises ?

La mythologie de l'univers de cette BD place ses événements bien après le Ragnarök, une Grande Guerre Galactique ayant opposé les Ases et les Jötuns.
Les Ases sont d'anciens dieux vivant dans un plan de réalité supérieure de la galaxie nommé Valhalla, ou l'hypermonde. Ils savent voyager plus vite que la lumière sur l'Aegir, une rivière d'énergie qui parcourt la galaxie. Leur plan est une sorte de réseau sanguin de la galaxie où ils peuvent naviguer.

Les Jötuns, eux, habitent Jötunheim (l'inframonde) et sont des géants remontant à des temps immémoriaux. Ils ont appris à maîtriser la matière primordiale de leur plan et à la modeler, à modeler l'existence et à se modeler eux-mêmes. Leur plan est comme le squelette de la galaxie et ils bâtissent leur créations à partir des cellules souches de l'univers.

Entre science-fiction et mythologie nordique, Astra Saga est un ouvrage thématiquement ambitieux qui compte s'étaler sur 7 tomes, selon ce que l'on peut en lire de-ci de-là. Mais son propos est-il à la hauteur du défi ? Nombre de sites spécialisés s'empressent déjà d'encenser son dessin et sa mise en couleurs avant de le descendre pour sa complexité soi-disant inutile ou pour une prétendue vacuité de ce premier tome qui ne servirait que d'introduction.

Eh bien, je vais décidément une fois de plus aller à contre-courant.

Commençons par cette critique imbécile sur la complexité de l'univers en question. Avec un minimum de culture, les concepts de "galaxie perceptible en grande partie dirigée par un empire galactique", "Valhallah" et "Jötunheim" sont assimilables en deux minutes.
On explique très bien qu'un Ragnarök a fait s'affronter dans notre galaxie l'Inframonde et l'Hypermonde et on nous expose, dans la deuxième partie de la BD, le passé des principaux protagonistes : un des soldats dragons faisant face à cette entité mystérieuse dont on nous dévoilera même l'identité (les mystères tiennent juste sur la longueur d'un album, ne venez pas me dire que comprendre, ce serait trop demander à un lecteur moyen !) et la très jeune et surdouée fille du baron d'une planète avoisinant les lieux de l'action spatiale mettant en jeu l'obtention du fameux or sacré (on imagine sans peine que la gamine aura son importance dans les tomes suivants mais elle sert, actuellement, de témoin des manigances politiques afin que le lecteur comprenne mieux l'univers et les forces en présence).

La narration est intelligente et fluide, malgré la quantité importante d'informations à faire passer et l'action alterne avec l'exposition à un rythme qui empêche toute forme d'ennui.

Les dernières cases annoncent même les enjeux à venir dans les tomes suivants !

Alors, messieurs-dames les auteurs de critiques négatives à ce sujet : apprenez donc à lire avant de vous mêler d'écrire ; ici, la partie narrative est très maîtrisée.
Quant à ceux qui ne peuvent s'empêcher de parler de Star Wars parce qu'ils ont vu une lame lumineuse qu'ils associent à un sabre-laser, qu'il me soit permis ici de leur répondre ce que je leur dirais en face si je les croisais : "Mais, vous, je vous jure ; allez bien vous faire... shampouiner par des Ewoks !"

Philippe Ogaki (La rose écarlate, La Rose écarlate - Missions, Terra Prime, Azur, Meteors, Les guerriers du silence) nous livre ici une copie certes riche et encore enrichie par l'application de réalité augmentée "Delcourt Soleil +" (qui nous permet d'admirer quantité de croquis et modèles 3D rien qu'en scannant la page avec l'application, comme illustré ci-contre) mais parfaitement digeste.

Même avec un "cerveau lent", de ceux prompts à être dans les nuages, tout reste très accessible et intéressant dans cette relecture façon SF de cette mythologie venue du froid.

Restent le dessin et la colorisation. Là, tout le monde acclame le travail accompli par Ogaki et ses pas moins de cinq (oui, cinq !) coloristes : Sanoe (Contes des cœurs perdus, Maléfices, La Grande Ourse), Arturo Perez Orts, Soryanna Lansac, Fleur D. et Agnès Loup. Je m'allie volontiers au concert de louanges car l'ensemble est très beau mais j'aurais néanmoins quelques reproches à faire...

Le dessin de Ogaki semble séduire les foules. Pour ma part, si je ne le trouve pas désagréable, il me semble hésiter parfois entre pseudo-réalisme et manga occidentalisé... c'est un style. Je vais être subjectif mais c'est un style qui, dans le dessin des visages, ne me convainc pas vraiment... même si je me rends compte des qualités techniques : pas d'inconstance dans le tracé, les personnages sont reconnaissables...   

Globalement, la colorisation des scènes spatiales (et ça se conçoit) est assez sombre. Cela a tendance à noyer dans les ombres pas mal de détails, et c'est dommage. Mais ça permet de jouer sur des effets lumineux vraisemblablement numériques qui sont plutôt jolis.

Les décors extérieurs et les vaisseaux spatiaux sont réellement très réussis. La colorisation des paysages m'a énormément plu.

La technologie, étrangement, me rappelait souvent le design des armes, armures et vaisseaux de l'Imperium dans Warhammer 40K (l'univers de Games Workshop). Les armures de soldats dragons, par exemple, ont nombre de similitudes avec les Custodes, les fameuses élites de l'Empereur, elles aussi, dans WH40K. La ressemblance va jusqu'au cri de guerre "Pour l'Empereur !" hurlé par ces troupes. Mais c'est à mon sens un clin d'œil sympathique aux connaisseurs, nullement un défaut !

Parfois, visuellement, c'est un rien fouillis. Surtout pendant les combats. Mais quoi de plus naturel, au fond, que de représenter une passe d'armes entre plusieurs super-soldats de taille humaine et un golem gigantesque, par exemple, en une image chaotique difficile à décrypter du premier coup d'œil. Ce genre de combat serait chaotique et difficile à décrypter !

Au final, je me retrouve donc à recommander cet album malgré un character design qui ne me parle qu'à moitié... Eh bien : bien joué ! Que dire de plus ? C'est sans doute aucun que je trouve le reste particulièrement réussi. Bienvenue dans ma bédéthèque, album ; on attend avec une certaine impatience tes successeurs, pour tout dire !  

Orépia, c'est le nom d'un royaume aux mains des humains. Et comme souvent, dans la fantasy moderne, les humains sont de bons gros bourrins bien intolérants juste comme il faut. Je situe le début de cette tendance aux environs de la sortie de la très recommandable trilogie Orcs de Stan Nicholls, selon mes lectures personnelles, mais c'est peut-être bien plus ancien que cela... je n'ai pas lu toute la fantasy mondiale, loin s'en faut !

Toujours est-il que ces humains ont un réflexe de rejet bête et méchant envers tout ce qui ne leur ressemble pas, un peu comme les belles gosses de la cour de récré qui préfèreraient de loin avaler toute leur panoplie de make up hors de prix plutôt que d'être vues en compagnie d'un gars au physique banal qui ne collectionnerait pas les abdominaux comme moi je collectionne les figurines de jeux de rôles. Pardon ? Ça sent l'aigreur ? Oui, je suis un gros aigri frustré de la vie. Évidemment ! Je chronique des bandes dessinées de fantasy, les gars, regardez les choses en face : dans un monde de fantasy comme celui d'Orépia, je serais un gnome unijambiste, aveugle et bossu, de 38 centimètres avec des soucis d'élocution et un ongle incarné à chaque orteil de son seul pied valide ! 

Donc voilà : Orépia, royaume humain. Les autres races du bestiaire de la fantasy (relookées, renommées, personnalisées par l'auteur mais grosso modo les races habituelles) et les humains peu appréciés par leur propre race font, pour certains, le choix de devenir des mercenaires.
Et c'est bien de mercenaires qu'il s'agira ici. Nous rencontrons donc Adhémar (sorte de fringant paladin qui, clairement, cache quelque chose), Réginald (un limier... une sorte de rôdeur de Donjons & Dragons), Savaric (un petit machin sans doute apparenté aux gobelins ou aux gnomes s'ils avaient copulé avec Yoda), Hermine (une pixie psychopathe... une pixiechopathe ?), Frameric (un sylvan, race apparemment peu respectée) et Bérard (un noble chevalier humain banni par son roi).

Au moment où commence l'histoire, cet assemblage hétéroclite (qu'est-ce que cette expression pue le cliché !) digne d'un JdR où le maître de jeu aurait exigé de la diversité dans la création des personnages défend l'inexpugnable forteresse du Duc Warin contre un attaquant ayant réussi à les surprendre par une attaque inattendue. Mais l'inexpugnable s'avère bien vite carrément expugnable (oui, la construction de cette phrase est aussi lourde que les murs de ladite forteresse mais je tenais à faire réaliser à tout le monde que le mot "expugnable" existe... qui le savait, ça ?).

Dans sa fuite, la compagnie de mercenaires, pourtant très compétente mais objectivement défaite, accepte d'embarquer un jeune rescapé et le duc qui leur promet de les rétribuer doublement s'il parvient à rejoindre la cité du Comte Do'Buhl où se trouve sa promise (qu'il n'a jamais vue) et une possibilité de débloquer sa fortune.

Ils comprendront vite qu'ils ont une mission, un devoir, d'une toute autre ampleur à réaliser : annoncer à tout Orépia qu'une armée gigantesque la menace. Une armée menée par un magnifique être magique d'une puissance effroyable et d'une cruauté que n'égale que son ambition... et qui semble se taper sa sœur Lannister style, soit dit en passant...

Commençons par parler du ton de l'ouvrage : c'est à la fois sérieux et léger. Les enjeux sont colossaux mais la décontraction des héros rend le tout agréable à lire. Attention, ici, c'est plutôt bien dosé. On n'est pas face à une narration façon "Marvel Cinematic Universe" qui s'empresse tant à mettre des gags et des punchlines (souvent pathétiques) partout qu'on en perd de vue le sérieux de la situation. Ici, on a une menace gravissime mais vécue par des parangons de coolitude, des rigolos et des canailles au langage de charretier. Le propos est grave malgré le ton léger.

On croit en la menace de high fantasy mais elle est portée par la légèreté de la light fantasy, en somme.

Ça se marre mais ça tue du personnage central aussi : en gros, on rigole même si ça ne rigole pas !

Moi, l'histoire m'a embarqué. Et j'ai ri à deux reprises... Rire devant une BD ne m'arrive pas souvent mais cet humour à contrepied m'a bien plu.

Pour les inspirations, elles viennent de toute évidence de tous les horizons de ce que la geekerie a pu enfanter comme univers médiévaux fantastiques. C'est un joyeux cocktail qui fonctionne bien.

Pourtant, initialement, en recevant l'album, j'ai frémi : cette couverture se prend terriblement au sérieux. On a une espèce de Chevalier d'Or que ne renierait pas Masami Kurumada, dessiné (très bien dessiné !) dans un style mixant le trait oriental et le trait occidental. L'air sévère, il semble terminer un saut ou une chute devant un enfant apeuré. En position de défense, cape et cheveux bleus au vent, il se montre prêt à protéger le gosse contre un ennemi que l'on devine dangereux... pfouah ! Notre Adhémar le fait au quart de tour.

Mais dès la première case, c'est désamorcé par un peu d'humour dans les dialogues alors que le dessin expose ostensiblement un massacre. Le plus souvent, d'ailleurs, les cases dépeindront des drames et les phylactères prêteront à sourire.

Fabien Dalmasso (Reflets d'acide) ne fait aucun mystère, sur sa chaîne Youtube, de ses influences en se filmant devant une étagère de figurines de Chevaliers du Zodiaque. C'est un amateur de geekeries et qui serions-nous pour l'en blâmer ? Il voulait apparemment, initialement, faire de ses héros des animaux anthropomorphiques. L'idée était sympa mais les traits humains qu'ils ont ici rendent sans doute les situations un peu plus intenses et permettent vraisemblablement de faire d'une potentielle BD pour ados une BD qui pourra être appréciée par un public jeune et moins jeune. On lui reproche de-ci de-là de plonger tête baissée dans tous les travers de la fantasy, comme ce sempiternel groupe d'aventuriers si différents qui a tant de mal à s'entendre... Oui. Mais non. Déjà parce que ces gens sont en effet différents et se comprennent difficilement mais surtout parce qu'il faut être très hermétique pour ne pas ressentir la complicité et la fraternité martiale entre eux... Et même si j'étais trop indulgent et que c'était un énième groupe de ce genre... si c'est bien écrit, peu importe ! Je continue à regarder des buddy movies, même si la formule est usée jusqu'au trognon, parce que certains restent d'excellents films. Le good cop / bad cop  fonctionne encore. Les films de super héros sont tous calqués les uns sur les autres... alors, pourquoi fermerions-nous spécifiquement la porte aux histoires d'aventuriers peu compatibles entre eux ?

Jae Hwan Kim (Kinf of Hell, Egregor) offre à cette histoire un habillage très soigné et d'une finesse appréciable. Le trait rappelle certaines habitudes de ce dessinateur coréen rompu à la façon de faire dans le monde du manwha... mais nombre de concessions sont faites au style européen pour un résultat final bien plus concluant que ce que j'aurais imaginé de prime abord. Pourtant, on lui reproche un dessin parfois statique... Bah oui. C'est fréquent, les postures, chez ce genre de dessinateur. On peut ne pas être client mais les siennes sont efficaces !

La mise en couleurs de Cyril Vincent, quant à elle, apporte l'identité "Éditions Soleil" à l'ensemble (et vous savez que je n'y suis pas insensible, lecteurs fidèles... hum... ouais, je me la pète un rien, là !). Et là, j'ai même lu une critique arguant que cet album ne méritait pas les couleurs trop "à la Lanfeust". Pardon ? Ah bah, vas-y, vieux ! Reproche à un coloriste de faire du bon boulot sous prétexte qu'il le fait dans un album que tu n'apprécies pas des masses ! C'est quoi, cet avis débile ?

En réalité, c'est une série que je n'attendais pas le moins du monde mais dont je vais attendre le tome 2 comme un petit gâteau qui arrive quand on n'a pas une faim de loup mais encore la place pour se faire plaisir. On n'est pas devant un chef-d'œuvre absolu mais c'est sans conteste un album sympathique qui joue avec des tas de références qui me bottent... 

Tomorrow nous narre des événements se situant pendant les jours qui suivent un effondrement accéléré de notre société suite à la propagation rapide d'un virus d'un nouveau genre. Imaginez un virus informatique conçu par des agents russes dans un but clairement hostile. Imaginez que ledit virus, non content d'être une de ces saloperies qui se répandent sur les réseaux à la vitesse d'un cyber Barry Allen sous stéroïdes, se paie en plus le luxe de "sauter la barrière des espèces de l'ordinateur à l'homme" en affectant les neurotransmetteurs des adultes, provoquant une grande confusion, parfois une ataxie et, au final, la mort endéans les vingt minutes. Ah oui, c'est rapide. C'est une sorte d'Ebola avec internet comme moyen de propagation. Sympa, non ? Oui, le Covid fait carrément petit bras, à côté de ce machin !

Les seules personnes protégées contre cette infection sont les plus jeunes, leur cerveau n'étant sans doute pas encore sensibles à cela en raison de leur immaturité biologique ou tout simplement plus apte à y résister en raison d'une mutation due à leur exposition excessive à l'informatique sous toutes ses formes...

Quoi qu'il en soit, Tomorrow va nous présenter la vie post-apocalyptique de ces jeunes dans un monde où seuls survivent quelques rares adultes, généralement très proches des milieux informatiques ou, au contraire, totalement isolés de ces appareils. Cela tend d'ailleurs à appuyer l'hypothèse voulant qu'un usage intensif des ordinateurs "blinderait" les sujets contre le virus... le cerveau se construirait, en somme, des défenses immunitaires à force d'exposition. 

Mais soit, peu importe. Car ici, le virus gagne... et l'on découvre nos deux principaux héros : Oscar et Cira Juentes, jumeaux hétérozygotes, tellement proches qu'ils croient à l'existence entre eux d'un lien télépathique ; le scénario nous confirmera d'ailleurs que ce lien existe bel et bien, ouvrant la porte au fantastique dans ce récit qui n'avait peut-être pas besoin de cet élément.

En effet, si j'ai consenti de bonne grâce à chercher une explication plausible à mes yeux à ce virus qui passe de la machine à l'homme, il m'est autrement plus difficile d'encaisser par la suite, dans un univers réaliste, l'existence de pouvoirs psychiques propres aux jumeaux. À dire vrai, si j'ai peu ou prou accepté cette fantaisie, c'est en raison de la personnalité d'Oscar qu'il va donc me falloir aborder de ce pas.

Oscar est neuroatypique... oui, je sais, c'est un terme moderne bien à la mode et bien trop de gamins prétendent l'être pour se la jouer "J'suis trop quelqu'un de différent, t'as vu ?". Mais Oscar l'est vraiment. Il collectionne nombre d'atypies neuro-fonctionnelles allant d'un positionnement relativement clair sur le spectre de l'autisme, à quelques caractéristiques des hauts potentiels. 

"Ben tiens, le héros, c'est un génie, comme par hasard." Oui. Et non, ce n'est pas un hasard. C'est bien vu, au contraire. Ici, cette particularité va expliquer ses motivations, les raisons de sa survie et une partie importante de son comportement. Il n'est pas ainsi parce qu'il est le héros ; il est le héros parce que seul quelqu'un comme lui peut l'être.

Oscar aime la solitude. Il fuit donc les foules et leurs dangers. Oscar a besoin de se concentrer. Il cherche donc le silence et fuit les gens en général. Oscar est monomaniaque : une fois son objectif fixé, rien ne l'en détourne. Or, il aura dès le début un objectif très clair et impossible à oublier : retrouver Cira.

En effet, le jour où la société s'effondra, Oscar devait participer à une très importante audition pour le prestigieux West Side College of Music de New York. Cira, bien qu'adorant son frère, lui avait menti en feignant un état grippal pour pouvoir, pour une fois, être seule à la maison et profiter d'une journée de relâchement. Tout concentré qu'il était sur le monstre de technicité qu'est le concerto numéro 2 pour violoncelle d'Alfred Schnittke, Oscar n'a même pas remarqué que le jury de son audition et le monde autour de lui s'effondraient. Comme dans son concerto, le sublime et le lyrisme avaient, en un court instant, laissé place au chaos et à la confusion (cherchez donc cet extrait sur le net, vous comprendrez que ce parallèle est terriblement pertinent).

Oscar enjambe le jury effondré au sol, sort de la salle, arrive dans le couloir, reste de longues minutes à contempler le cadavre de sa mère qui l'avait accompagné et, inapte à comprendre et exprimer des émotions, se réfugie mentalement dans son Schnittke avant de sortir du College of Music et rejoindre la rue où règne un chaos de fin du Monde.

Dès lors, il fera à pied, en plusieurs semaines, la distance qui le sépare de sa sœur, porté qu'il est par ce lien télépathique qui le lie à elle mais qui, étrangement, s'estompe parfois... 

C'est que Cira, elle aussi, vit des heures sombres. Seule et affamée chez ses parents, elle ose à peine s'éloigner pour chercher à manger. Dans les rues, des bandes de gamins ne répondant plus qu'à la loi du plus fort s'en prennent à elle dès qu'elle tente une sortie. Et même les personnes lui tendant la main et semblant vouloir la protéger s'avèrent être de vrais dangers pour elle.

Le frère et la sœur seront nos candides, dans cette histoire. C'est par leurs yeux que nous feront connaissance de ce que la société est devenue, de ces personnages qui subsistent après la fin de tout, de ces groupes de vauriens, de ces sectes étranges, de ces rares adultes obsédés par l'espoir d'un retour à cette normalité d'avant.

Mais peut-on reconstruire à l'identique sur les ruines de ce qui fut ou ces tentatives sont-elles désespérées ? Le retour plus loin encore en arrière de la plupart des jeunes qui s'organisent en sociétés tribales très agressives est-il la seule voie possible ?
 

Les amis, après nous être tournés vers le fonctionnement d’une webradio (cf. cet article), nous allons aujourd’hui tenter d’en savoir plus sur un domaine fascinant, très technique, nécessaire dans bien des domaines, mais au final peu connu, à savoir un studio de production audio, et spécifiquement aujourd’hui l’excellent DEFstudio Productions de Sergio.

UMAC : Sergio, bienvenue sur UMAC, merci de prendre le temps de répondre à nos questions. Alors, attention, c’est en parfaits novices qu’on vient te voir, on a tout à découvrir, donc on va commencer par le début, quelle est ta formation, à la base, et comment en es-tu venu à t’orienter vers un tel métier ?
Sergio : Vaste question... On commence vraiment par le début alors.
Je suis né le 3 janvier 1969, à Valenciennes, de parents italiens, dernier d'une fratrie de trois sœurs et un frère... Rien de plus normal, voir basique, si l'on n'avait pas juste oublié un petit détail : de m'allumer la lumière... En gros, je suis aveugle de naissance. Du coup, instinctivement, je me suis plus facilement intéressé au son de la vie, plutôt qu'à la vision des choses qui m'entouraient. Dès l'âge de 5 ans, on m'a mis devant un piano et depuis, je n'ai plus bougé. Mes professeurs successifs se sont rendus à l'évidence, j'avais l'oreille absolue (c'est-à-dire que je reconnais une note à peine jouée), ils disaient que j'avais un "don" pour ça. Et, de fil en aiguille, je suis allé à L'Institut Nationale des Jeunes Aveugles de Paris, j'ai continué la musique au milieu des autres cours, j'ai eu mon bac option Musique avec mention, des prix de conservatoire en piano, j'ai même obtenu une licence d'accordeur-réparateur de piano, tout cela, de 1979 à 1990. En 1981, François Mitterrand, fraîchement élu, autorisa les radios libres à émettre sur la bande FM. Et là, ce fut pour moi la révélation... J'avais de la chance d'être sur Paris, à l'époque, là où elles naissaient toutes... Plutôt que d'aller jouer au foot avec mes potes, moi, j'écoutais les radios et je leur disais : "Un jour, je serai dans le poste". Ce qui n'a pas manqué de tous les faire rire... Ils ont moins rigolé quand ils m'ont entendu, dans le poste... J'ai donc roulé ma bosse dans les radios, j'ai aussi fait le DJ dans les discothèques de France, de Belgique et de Suisse, et c'est dans l'une d'entre elles que j'ai croisé, au tout début des années 90, le chemin d'un Belge qui avait un studio d'enregistrement de spots publicitaires. Je ne connaissais rien à ce milieu, bien que je passais sans cesse des pubs à la radio. J'ai travaillé en tant que Voix Off pour lui et il m'a tout appris. Et le 2 janvier 1997, j'ai décidé de voler de mes propres ailes publicitaires, et j'ai créé DEFSTUDIO PRODUCTIONS, il est vrai, sans aucun diplôme correspondant aux enregistrements sonores.

— Tu as travaillé notamment avec énormément de radios, en quoi consiste un habillage d’antenne ? Combien ça peut coûter pour quelque chose de "complet" selon toi ?
— Vous êtes les rois des vastes questions sur UMAC ! Je pense, déjà, que la première question concerne l'habillage d'antenne, qu'est-ce que c'est précisément ? Eh bien, c'est ce qui fait que lorsqu'on tombe sur la radio, on sait de quelle radio il s'agit. Un peu simple comme explication, mais c'est ça la vérité. Un habillage d'antenne, ce sont des voix qui, entre les disques, les pubs, en début de chaque heure, avant et après les flash d'informations, vous disent le nom de la radio, sa ou ses fréquences, son slogan, etc. Alors, un bon habillage d'antenne, c'est déjà le bon choix de la ou des voix selon la couleur de la radio, les bons mots pour les textes, les bons bruitages et les bonnes musiques pour mettre sous les voix. Il faut que tout cela corresponde vraiment à l'identité musicale et directionnelle de la radio. Avec, je pense, une bonne trentaine de Jingles parlés, pour commencer, c'est déjà pas mal. Ensuite, pour encore plus professionnaliser le tout, il faut chanter le nom de la radio, la ou les fréquences, le slogan... Ce que l'on appelle plus communément dans le jargon, des Jingles chantés. Je pense qu'avec une bonne dizaine de Jingles chantés, tous bien différents, avec toutes leurs déclinaisons (version plus courte, version a capella...), plus les 30 jingles parlés avec aussi toutes leurs déclinaisons cités ci-dessus, là, on est vraiment bien. Mon studio propose ce pack d'habillage d'antenne d'environ 200 jingles pour 3 000 € HT.

— Comment se passe, concrètement, une séance de travail pour un jingle chanté, parlé, pour une pub, etc. ? J’imagine qu’il y a une pré-sélection d’acteurs ou chanteurs par rapport aux demandes du client, puis une direction artistique dont tu te charges ? Quelles sont les difficultés les plus fréquentes ?
— La toute première difficulté, c'est la bonne voix, la bonne diction. Ce n'est pas toujours évident. C'est au studio de production de savoir, avec l'habitude, quelle voix va correspondre au texte de la publicité qu'il doit enregistrer, pareil pour le jingle parlé. Pour le jingle chanté c'est différent. Tout le monde ne sait pas chanter, du coup, la sélection est plus rapide. Il faut connaître la musique, je ne dois pas avoir besoin d'expliquer à la chanteuse ou au chanteur ce que c'est que de chanter en tierce, en quinte, etc.

— Les studios son, dans l’imaginaire collectif, c’est un peu comme des postes de pilotage d’Airbus, il y a des boutons partout, ça fait vachement sérieux, mais est-ce que tout est utile au final, ou bien c’est juste pour effrayer les amateurs ? Est-il nécessaire d’avoir par exemple une formation pointue ou les logiciels actuels peuvent-ils pallier certaines tares ?
— Comme je dis à chaque fois, même à ma fille à l'école, c'est le résultat qui compte... J'ai entendu des jingles et des spots extraordinaires montés par des types juste devant un ordinateur dans leur chambre, et j'ai entendu des grosses merdes livrées par de gros studios avec plein de boutons partout, comme tu dis. Moi, j'ai des boutons partout parce que c'est plus facile pour un miro d'utiliser des boutons que je peux toucher et par conséquent régler, que de bosser avec un logiciel sur ordi que je ne vois pas.

— Tu collabores parfois avec des acteurs français doublant de grandes stars et dont les voix sont connues, as-tu des anecdotes à ce sujet ?
— La seule vraie grande chose à dire à propos de cela, et je ne vais pas encore me faire des amis, c'est que tous ces gens sont loin d'être tous sympas... Vraiment, ils se prennent la tête comme pas possible. Un manque de reconnaissance, peut-être. Heureusement, il y en a des bien. Ah, et aussi, ils sont très chers...

— Sergio, ton studio propose également des produits audio "clés en main" pour les magasins, ou même des voice tracks, avec ou sans playlists, est-ce que tu peux nous expliquer en quoi cela consiste ?
— Mon véritable premier souhait est de facilité à tout le monde, la production audio. Alors, je mets en place des packs de voix déjà préenregistrées, comme ça, le client entend déjà le résultat et on n'a plus qu'à greffer son nom à l'intérieur. Pour les radios de magasin, c'est le même principe. Le client choisit la musique et les promotions qu'il souhaite diffuser au sein de son établissement. Grâce à cela, le client se démarque du concurrent d'en face... Plus sympa, non ?

— As-tu déjà créé des effets pour le cinéma ou certains jeux vidéo ? Et sont-ce des domaines qui t’inspirent ?
— J'ai juste fait quelques voix pour les jeux vidéo, quelques voix également pour des diffusions Youtube et autres réseaux sociaux mais pas le cinéma... C'est sympa, je reste ouvert.

— Peux-tu nous citer des slogans ou mélodies connus que tu as créés ?
— J'en ai vraiment créé beaucoup... Pour Peugeot, entre autres, dans les années 2000, et beaucoup de gens chantent machinalement des mélodies de jingles de radio qui sortent de mon cerveau... Ça me fait bien rire.

— Je sais que tu es également animateur radio, où officies-tu aujourd’hui, et quel conseils donnerais-tu à quelqu’un qui veut se lancer dans l’animation ou le domaine du son ?
— Outre les webradios qui utilisent ma voix dans des packages d'animations préproduits à l'avance, je suis actuellement, depuis début 2021, sur RFM sur l'île de la Réunion, du lundi au vendredi, de 6 heures à 10 heures, j'anime le meilleur des réveils... Le tout depuis Lille, vive la technique ! Je pense que le meilleur conseil que je puisse donner à ce jour est l'entraînement, le travail, le travail et aussi... le travail... Il n'y a que ça qui paie.

La première chose qu'il me faut en dire est difficilement contestable : "La vache ! C'est classe !"

Comme vous pouvez le constater ci-contre, les deux couvertures sont faites pour se répondre : les silhouettes de Holmes et Wu-Jing, mansardes évidées, se font face et se toisent, les volutes de leurs pipes offrent un fond à la titraille, et les couleurs inversées tant dans le dessin que le titre rendent la confrontation plus évidente encore. Seule la silhouette de Wu-Jing sur la couverture du tome 1 donne un peu l'impression que celle du tome 2 ne fut pas planifiée au moment d'imaginer celle du 1.

Je vis à mon grand soulagement dans une zone rurale trop reculée pour le constater par moi-même mais je présume que nombre de libraires auront pris plaisir à poser côte à côte les deux albums dans leur étalage tant l'assemblage semble évident.

Autant ne pas faire traîner cette chronique en longueur pour rien : toutes les qualités (et elles sont nombreuses) mentionnées lors de la chronique du premier restent d'actualité. Relisez-la donc ici avant de poursuivre, s'il vous plaît. Non, bande de faquins, ce n'est pas de la paresse, c'est de l'optimisation de temps d'écriture et de lecture.

Passons dès lors aux commentaires supplémentaires au sujet du tome 2. Tout d'abord, je tiens à maudire Benoît Dahan, si vous le permettez. Parce que c'est bien joli, ces mises en page inhabituelles, alambiquées, symbolistes, abracadadrantes, signifiantes et/ou décoratives, mon petit Benoît... mais avez-vous songé ne serait-ce qu'une seconde au pauvre chroniqueur que je suis qui aimerait tant les montrer mais qui se rend compte que, pour nombre d'entre elles, vous les étalez désormais sur toute la largeur des deux pages qui s'offrent à nous. 

Ah, c'est superbe, mon petit Benoît. C'est ludique, inventif, beau et sympathique en diable mais, par les saintes burnes de tous les papes, comment voulez-vous que je scanne ça avec mon scanner A4, moi ? Du coup, vous l'aurez voulu : je vous gratifie d'une mauvaise photographie d'une de ces "fresques" que vous offrez à nos yeux ravis pour que nos lecteurs réalisent à quel point tout, dans votre BD, déborde de détails enthousiasmants.

Vous m'avez énervé, Benoît. Mais c'est pour la bonne cause : c'est très soigné, très joli, très efficace... rien à redire !

D'ailleurs, mon cher Ben. Je peux vous appeler Ben ? Non ? Tant pis, c'est fait. Cher Ben, disais-je, vous avez le chic pour me surprendre par la rapidité de votre évolution. D'un album à l'autre, votre trait est de plus en plus beau et personnel. Il en était déjà de même avec Psycho-investigateur et ça continue ici : ça reste cohérent mais on sent un "level up" (comme disent les gens dont l'âge avoisine le tiers du mien) à chaque album.

On retrouve ici les trouvailles graphiques et les mises en page originales (parfois moins signifiantes que dans le tome 1, me semble-t-il) qui font l'impact visuel de la série mais aussi la colorisation atypique qui m'avait tant plu et qui, ici, semble se permettre de-ci de-là une palette un rien plus étendue.

Passons maintenant à l'écriture car, au final, on tient entre les mains un Sherlock Holmes ! Alors, quid de cette nouvelle enquête pour le détective de Baker Street ?

Sera-ce à la hauteur de la qualité et de l'inventivité du dessin ?

Cyril Lieron sait écrire, bien entendu. Et son enquête est divertissante même si, je le regrette, elle ne m'a guère surpris. Pour qui a lu quelques romans de Conan Doyle, le cheminement des pensées de Holmes dans sa mansarde crânienne est on ne peut plus classique. Mais saurait-ce être un reproche ? Bien sûr que non : révolutionner cela dès la première enquête eut été une trahison. C'était un bon choix et l'histoire est amusante.
Là où j'accroche beaucoup moins, c'est lors de la révélation du plan de l'adversaire que l'ami Cyril (oui, égalité de traitement dans le ton adopté avec son dessinateur, c'est plus équitable) a choisi d'offrir à Holmes. Je ne supporte plus les méchants qui se décident (peu importe la raison) à se raconter sans fard lorsque le récit les y invite. C'est une facilité qui n'en finit plus de me fatiguer. Je comprends son utilité et je comprends que le classicisme de cette formule fait elle aussi écho à ces écrits policiers d'antan mais c'est une pratique tellement artificielle que je rêve du jour improbable où il me serait permis de constater qu'elle a été abandonnée aux limbes de l'oubli. 

Et c'est d'autant plus dommage que l'histoire, ces disparitions d'individus ayant tous des yeux et des cheveux clairs, tout comme les motivations de ce méchant sont une belle trouvaille ; je ne me souviens pas avoir lu nulle part ailleurs un tel background ni de tels mobiles pour un criminel de fiction. Son histoire apporte à l'aventure un intérêt historique et une moralité inattendue dans ce tome qui se concentre davantage sur l'action, en dehors de cela.

Et parlons-en, tiens, de cette morale. Les deux hommes à l'initiative de cette exploration du cerveau du plus grand détective de tous les temps ont très visiblement eu envie de braquer la loupe grossissante de Holmes sur certains agissement passés, particulièrement discutables, des Occidentaux. Mais, intelligents, ils ne versent pas dans la moraline, la repentance et la mièvrerie. Le récit se veut adulte. Il accuse le coup, regarde la vérité en face et assume les torts et leurs conséquences. Le récit se clôt certes sur une critique de Holmes à l'égard de certaines pratiques impérialistes mais ne s'autorise pas à porter un jugement moralisateur et définitif : tout au plus appelle-t-il de ses vœux un avenir plus éthique... mais si les auteurs accordent à Holmes une once d'espoir, ils ont eu l'intelligence de ne pas en faire un naïf. Merci pour ça. 

S'il fallait encore souligner une chose que ces deux hommes ont en commun, ce serait sans doute un certain amour du détail, de la précision. Les dessins foisonnants se marient aisément aux exigences de fidélité aux romans et à l'époque historique. Dans le très élégant dossier de presse accompagnant le livre (et présenté sous la forme d'un journal de l'époque), Cyril Lieron insiste sur le soin apporté au choix des idéogrammes chinois les plus adaptés pour l'époque, des plans de Londres les plus proches de l'année du récit, des techniques de combat les plus crédibles pour Sherlock, du lexique le plus adapté à chaque classe sociale... Rien ne semble laissé au hasard, à tel point qu'on se prend très vite à faire confiance à ces bandes dessinées et à leur confier notre imaginaire pour qu'elles le remplissent de nouvelles images mentales nourrissant notre mythe personnel de Sherlock Holmes.

Dans ce même dossier de presse, il est sous-entendu qu'un troisième tome plus épais que ses prédécesseurs serait déjà sur le feu. Ce sera avec plaisir que j'en parlerai à nouveau ici ; cette seule phrase devant vous faire comprendre si, oui ou non, cette approche de l'univers de Doyle continue à me convaincre.