J'aimerais revenir aujourd'hui sur une anecdote, somme toute banale, mais dont je vais me servir pour élargir un peu mon propos à la nécessaire (et encore réelle) liberté des auteurs.

Il y a quelques semaines, j'ai posté sur la page facebook UMAC une image tirée de The Gutter, la BD dont Sergio Yolfa et moi-même sommes les auteurs. C'était une simple "pub", basée sur l'illustration de quatrième de couverture, montrant divers personnages.
La voici.



Alors, suite à ça, nous avons eu plutôt des réactions positives. Quelques dizaines de likes, et, sur plus de 3500 personnes ayant vu apparaître ce dessin, une seule réaction à la fois hostile et idiote. Mais une réaction si représentative de certaines dérives qu'il est intéressant de la commenter (ce que je n'ai pas pu faire en direct, l'individu ayant été banni aussitôt, ce qui est très bien, c'est une règle que j'ai instaurée moi-même : "si pas d'arguments valides, ça gicle !", mais du coup, je ne suis pas toujours au courant de tout en temps réel).

L'internaute laisse à l'époque (courant juillet) ce message : "Dommage qu'il faille que la seule femme de l'illustration soit nue..."
C'est court comme message, mais ça contient un max de conneries.
On va détailler ça.

1. Ce n'est pas la seule femme.
2. Elle n'est pas nue.
On peut déjà faire une pause à ce stade. Le but implicite du post de cet internaute, c'est bien entendu de faire passer l'idée que ce dessin est misogyne. Pour cela, il se base sur des sophismes et des inventions. Les deux affirmations sont fausses. Il y a une autre femme sur ce dessin, et Wonder Woman n'est pas nue.

3. Wonder Woman n'est pas la seule dans cette tenue.
Spider-Man et Hulk ne sont pas plus habillés qu'elle. Il n'y a donc aucune raison de supposer que sa tenue est basée sur son sexe.

4. La tenue légère est justifiée par un contexte explicite.
Le fait que certains personnages soient légèrement déshabillés (et non nus) se justifie par le fait qu'ils jouent au strip poker, ce qui est immédiatement décelable. Là encore, contrairement à ce qui est avancé, le fait que Wonder Woman soit légèrement vêtue ne vient pas du fait qu'elle serait la seule femme parmi un groupe d'hommes, mais juste du fait qu'elle perd à un jeu, tout comme Peter Parker, à côté d'elle.

5. Une partie d'un travail est implicitement mis en cause pour des raisons qui n'ont rien à voir avec son propos véritable.
Tout le propos de The Gutter, bande dessinée parodique ayant un certain recul sur les pratiques constatées chez les grands éditeurs de comics, vise justement à se moquer (gentiment, et sans leçons de morale) de certains "tics", comme la résurrection systématique des héros ou, justement, les tenues très sexy des héroïnes.
Si l'auteur du commentaire s'était intéressé ne serait-ce que deux minutes à ce qu'il commentait, il aurait suivi le lien accompagnant l'image et aurait pu découvrir les planches (présentes ici) de l'épisode Pretty Women, qui évoque, avec une certaine bienveillance, la propension des éditeurs de comics à représenter leurs héroïnes comme des nanas très bien gaulées dans des tenues moulantes.
D'ailleurs, à l'époque, la coloriste de The Gutter, qui avait posté sur l'un de ses réseaux sociaux son travail (que l'on peut voir sur les planches évoquées ci-dessus, rien à voir avec l'illustration de quatrième de couverture), sans le texte de la BD, avait obtenu quelques commentaires acerbes, du genre "ça te dérange pas ces nanas avec des gros nibards ?", etc.
Et oui, quand on ne prend pas la peine de s'intéresser à ce que l'on condamne, on a de grandes chances de dire des conneries. C'est cependant un biais très connu : les gens ne prennent pas la peine de vérifier ce qu'ils pensent reconnaître comme allant dans le sens de leurs idées préconçues.

6. Malgré tout, si l'internaute avait eu raison, il est important que les auteurs ne soient pas soumis à ce genre de pression liberticide.
Même si tout était vrai... imaginons que Wonder Woman soit la seule femme, qu'elle soit réellement nue, qu'elle soit nue uniquement parce que c'est une femme, qu'elle soit la seule dans ce cas, que rien dans le reste de la BD ne justifie cette situation... et après ?
Cela permettrait, à un parfait inconnu, de venir condamner des auteurs juste parce qu'il n'apprécie pas leur travail et qu'il ne rentre pas dans le carcan de ses critères subjectifs personnels ?
Ben non, tout cela ne semble pas être une bonne raison, lorsque l'on est auteur, pour reculer et frissonner. C'est même une raison suffisante pour résister et distribuer des baffes.
N'oublions pas non plus que tous ces brillants "humanistes" du net ne défendent jamais réellement quelqu'un (ici, il s'agit du dessin d'un personnage imaginaire), ils essaient simplement de contrôler ce que vous faites, ce que vous dites et même ce que vous pensez. Leur but n'est pas la justice mais le contrôle. Et si vous ne rentrez pas dans le rang, la tactique de tout extrémiste, puisqu'il ne peut l'emporter sur le terrain des faits, sera de nier votre existence, votre droit à la parole (en vous accusant de tout et son contraire, suivant les dogmes et modes du moment, si par exemple vous êtes "sexiste", alors, vous n'êtes déjà plus un citoyen comme les autres, mais un "déviant", peu importe que vous soyez réellement misogyne ou pas).

7. Je précise que cette position anti-censure ou anti-bien-pensant n'est en rien contradictoire avec ma condamnation, sans réserve, de l'ouvrage pédopornographique Petit Paul (cf. cet article).
Pourquoi ? Quelle est la différence ?
Eh bien, elle est tout simplement légale. Il est interdit en France de représenter des enfants dans des scènes pornographiques. Et franchement, j'estime que cela relève plus du bon sens que de la censure, mais même sans faire appel à une morale relativement évidente, l'on comprend que la représentation de Wonder Woman, dans The Gutter, n'a rien d'illégal. Si ça choque certains, ben... tant pis, ou tant mieux, je m'en fiche un peu, mais nous ne violons aucune loi. Ce personnage pourrait bien être entièrement à poil que nous serions toujours dans la légalité.

Passons sur cet exemple particulier et tentons d'élargir maintenant le propos.

Un chat nazi, ce n'est pas juste un chat que l'on accuse d'être nazi, il faut apporter comme preuve des  éléments spécifiques au nazisme lui étant liés,  sinon, c'est juste un argument non valide.

Les mots, ça coupe. S'ils sont mal aiguisés et maîtrisés,  ils font encore plus mal et charcutent n'importe qui.

Prenons un exemple aisément compréhensible. Si vous êtes enfermé dans une prison, vous n'êtes pas libre. Si vous êtes en dehors de la prison, sans entraves, vous avez l'impression de l'être, même si en réalité, vous subissez des contraintes évidentes (mais intégrées, donc non perçues comme limitatives). Vous ne pouvez pas décider de ne plus manger, d'aller vivre sur la Lune ou même de vous balader entièrement nu. Ces exemples sont volontairement absurdes mais il existe des tas de "petites" contraintes qui font partie de notre culture, des impératifs sociétaux, et qui ne nous semblent pas bien graves mais qui n'en demeurent pas moins limitatives. Laissons là cette approche philosophique audacieuse et revenons à la seule liberté d'expression.
Tout comme pour la liberté physique, la liberté d'expression ne peut exister réellement dans une unique alternative absolue (en prison/totalement libre). L'on peut être totalement muselé, mais la liberté d'expression s'accompagne toujours de limites, qu'elles soient ou non perçues ou pertinentes.
Il s'agit donc plutôt d'une échelle de liberté, dépendant des époques, pays, croyances, etc.
Et tout ce qui est "intégré" ne sera en général jamais remis en cause, car ce n'est tout simplement pas perçu comme une limite.

La liberté de l'artiste, qui n'est donc jamais totale, est d'autant plus limitée qu'il est, en général, le premier censeur de son discours. Il est des sujets que certains auteurs n'aborderont jamais, ou des dessins que ne s'autoriseront pas certains artistes. La limite, même non imposée, est toujours là. Omniprésente, à la fois odieuse et fascinante.
Lorsque l'on crée, lorsque l'on écrit, l'on est amené, à un moment, à définir cette limite. À justifier les bornes qui marquent le début et la fin de notre univers créatif.
Et ces bornes, j'en suis persuadé, sont pour l'essentiel l'affaire de chacun.

Les lois communes se doivent d'éviter les dérives malsaines, bien entendu, mais pour le reste, il me semble inconcevable de demander à un auteur de rester à l'écart de territoires qu'il n'est pas censé fouler.
Le propre de l'artiste, c'est justement, entre autres, d'explorer tous les chemins qui l'inspirent. Quitte à enjamber quelques barrières.
La voilà peut-être cette véritable liberté. Ne pas tenir compte des bornes des autres. Casser les murs, ramper sous les menaces, et, au final, pouvoir atteindre un endroit supposément interdit. Soit parce que l'on aime cet endroit, soit parce qu'il nous fascine par le fait même qu'il soit interdit et dangereux.
Il ne s'agit pas de faire du mal ou d'imposer un point de vue.
Il s'agit de ne pas céder, ou de ne pas céder trop facilement, devant ceux qui nous expliquent, avec un décret, deux arguments bidons ou un flingue, que l'on n'a rien à faire là.

Un artiste a tout à faire là où il dérange. Et là où il se sent utile.

Cette liberté toute relative, il nous appartient de l'entretenir.
Il ne devrait exister aucun idéal, aucun dogme, aucun bunker à l'abri de nos plumes.
Cela n'exclut aucunement l'acceptation de limites, notamment légales. Ces limites existent déjà et sont nécessaires, mais jamais elles ne pourront être prises comme justification pour imposer un contrôle sur ce qui ne rentre pas dans le cadre de la loi.
Car la liberté, ce n'est pas tout et n'importe quoi, c'est ce que nous jugeons honnête et indispensable. Ce n'est pas ce qui est facile et encouragé, c'est ce qui demande un peu d'effort et laisse parfois des écorchures.

La liberté, ce n'est pas faire avec une limite implicite imposée, surtout par la menace, c'est notre capacité à aller au-delà des barbelés.
S'arrêter avant, c'est déjà être en prison.

Parmi ces criminels s'est caché un effroyable auteur coupable de crimepensée. Sauras-tu le reconnaître pour le dénoncer au NKVD ou au FBI ?

Les débuts du Dark Knight, revisités par Geoff Johns, c'est ce que propose Batman : Terre-Un.

Thomas Wayne est candidat à la mairie de Gotham. Face à lui, le maire sortant, Oswald Cobblepot, qui tient les syndicats, les juges, la police, la pègre... facile alors pour lui d'ordonner l'assassinat de son adversaire.
Un enfant échappe cependant au massacre.
Bruce Wayne va devoir surpasser le traumatisme de la disparition brutale de ses parents. Il va aussi grandir en ruminant l'injustice dont ils ont été victimes.
Et puis, un jour, dans une Gotham rongée par la corruption et le vice, il décide que la peur doit changer de camp.
L'enfant a grandi, l'homme a pris sa décision.
La légende peut naître...

Tout comme Straczynski l'avait fait pour Superman (cf. notre dossier consacré à l'auteur), Geoff Johns signe ici un récit hors continuité, qui reprend les bases du mythe du Dark Knight. Si la modernisation n'est pas flagrante (le concept au cœur de la création de Batman en ayant moins besoin que celui de Supes), la même recette est toutefois appliquée : ambiance réaliste et grande accessibilité. Johns, en habitué de la réécriture des origines (il s'était notamment déjà livré à l'exercice avec Superman : Secret Origin), maîtrise parfaitement son sujet. Malgré certains passages imposés, que l'on sent venir sans véritable surprise, l'auteur parvient à mettre en place une histoire solide et tendue, avec un adversaire plutôt effrayant et un Bruce Wayne découvrant à la dure les aléas inhérents au rôle de justicier masqué.

Les grandes figures liées à Batman sont présentes également. Alfred Pennyworth tient une place importante de mentor et père de substitution, quant à Gordon, en vieux briscard désabusé, il évolue progressivement, tentant avant tout de ne pas mettre sa fille en danger.
Même les seconds couteaux sont plaisants et loin d'être manichéens, ainsi, l'inspecteur Bullock, agaçant petit arriviste égoïste et héros d'une série TV, va peu à peu dévoiler un caractère plus complexe que l'on n'aurait pu le supposer.
Le combat final est épique et la conclusion fourmille d'excellentes pistes pour la suite.
Visuellement, c'est très beau, Gary Frank livrant de superbes planches qui, entre autres, rendent parfaitement l'ambiance oppressante et angoissante de Gotham.

Disponible chez Urban Comics, au format DC Deluxe, pour une quinzaine d'euros.
Idéal pour un premier pas dans l'univers de Batman, mais les lecteurs plus expérimentés devraient apprécier tout autant.

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Les points positifs

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Les points négatifs

Tendu et prenant. Un ton réaliste qui fonctionne très bien. Graphiquement superbe. Des personnages secondaires fouillés et crédibles. Accessible.

De nouveau le traditionnel couplet sur les origines.

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Les points positifs

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Les points négatifs

La magie du duo Stan Lee/Jack Kirby opère encore. Un album dense, avec quatre épisodes "one-shot". Quelques pleines pages impressionnantes. Le Penseur Fou en guest-star. Une histoire rendant un vibrant hommage à la mission Apollo XI. Une équipe plus soudée que jamais, prenant petit à petit ses marques.

Une tendance, souvent agaçante, au soliloque chez les vilains. Une traduction vieillotte. Des ennemis qui manquent d'envergure... ou n'en sont pas. Des conclusions encore faibles.

Avec Black and White, les éditions Akileos proposent à la fois un artbook mais aussi un voyage dans l'intimité artistique d'un des grands du monde des comics.

La réputation de Tim Sale n'est plus à faire. Lui et son compère Jeph Loeb ont marqué durablement les univers de Marvel et DC Comics avec des œuvres comme Spider-Man : Blue ou Batman : The Long Halloween. Sale a même vu sa popularité dépasser le cadre des seuls fans de comics puisqu'il a travaillé sur la série TV Heroes (c'est notamment lui qui signe les peintures de Isaac, l'un des personnages de la série).
Depuis ses premiers pas à l'école Buscema (une sorte d'atelier en fait où Romita Sr officiait également en tant que professeur) dans les années 70 jusqu'à nos jours, l'artiste a largement réalisé de quoi remplir un artbook revenant sur ses travaux les plus connus ou de plus confidentielles illustrations. Pourtant, l'originalité - et une grande partie de l'intérêt - de l'ouvrage ici présent repose sur un entretien, fleuve mais digeste, qui retrace le parcours de Sale. Ce dernier est interrogé par Richards Starkings, lettreur et lui-même auteur.

Le dialogue entre les deux hommes ne manque ni d'intérêt ni d'humour et couvre les grandes étapes de la vie artistique de Sale, voire même de sa vie tout court, les deux étant forcément liées. L'homme parle de ses sources d'inspiration, des aspects techniques de son travail, de ses rencontres... peu à peu, l'on finit par pénétrer dans son univers et comprendre la manière dont il appréhende l'art en général ou certains personnages. Bien entendu, les grandes figures mythiques sont abordées, comme Superman, Batman, Spider-Man, Wolvie ou Conan par exemple. Le point de vue de Sale est bien souvent enthousiasmant, l'auteur privilégiant la charge émotionnelle de ses réalisations plutôt qu'un aspect technique certes valorisant mais manquant parfois d'âme. Et avec ses 272 pages et ses nombreux dessins, ce recueil offre largement à l'artiste de quoi s'exprimer en détails.

Cette édition, mise à jour et augmentée (la publication en VF date de décembre 2008) comprend également un cahier couleur et un carnet de croquis. On a droit à une préface de Starkings mais aussi à une petite intro de Loeb en personne. Le livre est divisé en chapitres suivant une progression chronologique. Le matériel utilisé pour les illustrer est extrêmement divers, cela va des habituels extraits de comics, évidemment, à des posters en passant par des cartes de vœux, des dessins de commande ou effectués pour des fans, des pin-ups, bref, de quoi avoir un large éventail des domaines abordés par Tim Sale.
On peut même découvrir, en bas de l'intro, des croquis spécifiques dessinés par Sale pour servir d'en-têtes de fax à chacun des projets qu'il a réalisés avec Loeb. Anecdotique mais sympa.

Cette rétrospective est autant une œuvre d'art à part entière qu'une clé permettant de mieux comprendre le travail et la volonté d'un artiste talentueux et très attachant. Rien que pour ces quelques pas dans le si précieux domaine réservé de l'auteur, cette lecture est à conseiller à tous. L'on y évoque d'ailleurs parfois des peintres bien connus (et "validés" par les "milieux intellectuels") comme Monet ou Rembrandt. Les fans de comics purs et durs auront également leur dose d'anecdotes et d'incursions dans des séries moins mainstream, comme Grendel ou The Amazon. De plus, quelques encarts viennent parfois renseigner le lecteur sur les artistes que Sale a pu rencontrer ou avec qui il a travaillé. Ces petites digressions, au fort potentiel informatif, conservent d'ailleurs un ton informel qui s'approche plus de la confidence que de la biographie classique et austère.

À la fois passionnant et d'une rare beauté, cet ouvrage est incontournable si l'on apprécie cet artiste. Il faut compter environ 35 euros pour se le procurer, mais le lecteur est loin d'être volé : grand format, couverture en dur, papier glacé, textes denses, traduction de qualité, il sera difficile, à moins d'être allergique à Tim Sale, de trouver un quelconque sujet de mécontentement tant un soin évident à été apporté à la réalisation de ce petit bijou.

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Les points positifs

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Les points négatifs

Très complet, tant sur le plan technique qu'au niveau des anecdotes plus personnelles. Des illustrations variées et souvent magnifiques. Un texte fort intéressant, voire drôle parfois.

RAS.

La collection Marvel Transatlantique part d'un principe très intéressant à la base : confier, le temps d'un récit, les personnages de la Maison des Idées à des auteurs européens. Dans les faits, ce seront surtout des italiens qui s'y colleront (et un duo de frenchies), pour des résultats allant du calamiteux au franchement sympa.
Nous vous présentons aujourd'hui les ouvrages parus dans cette collection.


Spider-Man : Le Secret du Verre

C'est le Tisseur qui inaugure, en 2004, le premier album du label.
Ce premier essai est l'œuvre de Tito Faraci, au scénario, et Giorgio Cavazzano, au dessin.
En ce qui concerne l’aspect graphique, c'est assez réussi. Si l'on a un peu de mal à reconnaître immédiatement Peter Parker, Spidey, lui, conserve son apparence classique. Le style est plutôt cartoony, certains décors sont fort jolis et la colorisation donne à l'ensemble une touche d'élégance.
L'on va voir cependant que, niveau intrigue, c'est déjà beaucoup moins bon.

Parker est envoyé en Italie couvrir le carnaval de Venise, il y rencontre un type qui lui parle de la légende du Comte Alvise Gianus, un alchimiste qui détenait autrefois le secret de la fabrication du verre. Flashback sur son histoire au XVIIe siècle. Plus tard Spidey va se balader nuitamment comme il en a l’habitude et il tombe justement sur le fameux Comte avec qui il se castagne avant d’être expédié à la flotte. Il rumine un peu et le retrouve plus tard pour lui régler son compte.
Le tout en 22 planches.

Forcément, c’est court, très court même. Trop court en tout cas pour développer suffisamment une telle histoire (Venise n’est pas très bien exploitée) et pour présenter un nouveau vilain (le Comte est d’ailleurs particulièrement ridicule et peine à constituer une menace crédible). Il n'y a pas vraiment de montée de tension ou d'enquête, tout s'enchaîne de manière précipitée, sans jamais exploiter réellement le cadre ou la thématique de l'alchimie.

Pour combler ce livre désespérément peu épais, quelques pages bonus, pompeusement intitulées « les dessous de l’histoire », ont été rajoutées. En fait de dessous, c’est surtout la même histoire qui est présentée cette fois avec le scénario d’un côté et des crayonnés de l’autre. Plus quelques croquis et de vagues et courts commentaires. L'intention est louable, mais ces quelques pages supplémentaires auraient pu être utilisées pour étoffer un peu l'histoire.

Voilà donc un "comic" italo-italien, dans un style très franco-belge, et au scénario insipide et mal fichu. C’est si étrange que cela fera un bel ovni sur votre bibliothèque si jamais vous cédez à la curiosité !





Wolverine : Saudade

Le deuxième essai de la collection Marvel Transatlantique, en 2006, est cette fois entre les mains d'une team française. Si logiquement Tito Faraci avait situé les aventures de "son" Spider-Man en Italie, les français, eux, ont envoyé Wolverine... au Brésil !

Jean-David Morvan se charge du scénario alors que Philippe Buchet est aux crayons.
Et ils ne s'en sortent pas si mal dans ce grand format (plus grand que l'album précédent, ne vous attendez pas à une collection homogène) de 46 planches.
Logan, parti prendre quelques vacances au Brésil, va faire la rencontre d'un jeune mutant, d'une bande de gamins des rues, des escadrons de la mort et même d'un guérisseur opérant à main nue, largement inspiré par un célèbre imposteur tout à fait réel.

Graphiquement, bien que les décors soient assez dépouillés sur certaines planches, le résultat est très correct, avec des scènes de combat dynamiques et un rendu de la violence assez gore qui tranche franchement avec l'ambiance enfantine du Secret du Verre. Les auteurs se sont même fait un petit plaisir avec une scène où le Griffu se fait cribler de balles et traîner par une bagnole avant d'être jeté à la flotte. Après tout, quand on dispose d'un héros ayant un facteur auto-guérisseur, autant en profiter pour lui en mettre plein la tronche !

L'histoire tient la route et s'inspire de la dure réalité brésilienne, avec gangs, pauvreté mais aussi quelques éléments plus poétiques, comme le terme portugais "saudade", dont le final de l'album donne une jolie définition, et un moment d'accalmie où Wolvie s'essaiera à la samba.

Plus anecdotique que vraiment indispensable, mais dépaysant et pas désagréable.





Daredevil & Captain America : Deuxième Mort

Après les français, retour de la team italienne en 2007 pour, cette fois, un désastre complet.

Nous retrouvons dans ce "récit" deux têtes d'affiche de la Maison des Idées, à savoir Daredevil et Captain America.
Au scénario, le fameux Tito Faraci (qui s'était si bien illustré sur Le Secret du Verre) et un autre dessinateur puisque Cavazzano est remplacé par Claudio Villa. Malheureusement, dans le duo, ce qui continue à ne pas aller... c'est Faraci.

Ne soyons pas trop dur car, visiblement, il a pigé qu'il ne s'agissait pas de réaliser une histoire pour les 5-7 ans (quelqu'un a dû lui expliquer entre-temps). Du coup, ça se veut plus adulte que sa tentative précédente. Voilà, on a fait le tour des points positifs. Passons à ce qui ne va pas maintenant.

D'une part, on a la nette impression qu'il ne connaît absolument pas (ou très vaguement) les personnages qu'il met en scène. On pourrait aussi bien prendre Moon Knight et Iron Man à la place, rien ne changerait, même pas une scène ou une ligne de dialogue. L'histoire en elle-même ne casse rien et s'avère étonnamment ennuyeuse (Daredevil doit faire face à un ennemi qui revient de l'au-delà pour se venger et le menace de buter des otages s'il ne se sacrifie pas, Cap l'en empêche...).
Ce n'est plus une question de place cette fois, puisque, ici, Faraci disposait de 46 planches (plus du double que pour son précédent ratage).
Enfin, les dialogues sont d'une platitude telle que même un épisode d'Hélène et les Garçons paraît, à côté, le sommet de l'inspiration éclairée. Un exemple ?
— Approche Daredevil. À moins que tu aies peur ?
— Pas du tout.
Wow. Magnifique réplique qui transpire le travail, l'imagination et le talent. Les amateurs de punchlines se régalent.

Tout le reste est du même acabit, c'est lent, poussif, plat, bref, si mauvais que l'on se demande bien quel intérêt Faraci a pu trouver dans ce projet. On se demande d'ailleurs également pourquoi on continue à lui proposer du travail tant il est visible qu'il n'est absolument pas à l'aise dans ce domaine. Rien n'est en place, il n'y a pas d'ambiance, pas d'âme, pas de parti pris, tout est mou, tiède et insipide. Aussi vibrant qu'une notice Ikea. Peut-être même moins.
Voilà donc un format classique, cartonné et sans intérêt, pour 12,80 €.

La cerise sur le gâteau : quand on lit les crédits, on se rend compte que Faraci a bien scénarisé le tout mais d'après une idée (on la cherche encore) de Marco Marcello Lupoi. C'est presque un gag, il n'y a rien dans cette histoire mais Faraci n'est même pas l'auteur réel du "vide". Hallucinant qu'un tel... truc soit jugé publiable alors que ce serait déjà limite dans le cadre d'un fanzine (si l'on excepte les dessins).

Cette tentative de comic (avec un travail très correct du dessinateur et du coloriste, certaines planches sont même vraiment bien foutues voire carrément impressionnantes) s'intitule Deuxième Mort, très sincèrement, pour ce pauvre Faraci, c'est une de trop, on avait déjà compris sur Le Secret du Verre que son statut de scénariste sentait un peu le cadavre pas frais. Infliger à cet homme la réalisation d'un troisième opus serait presque une atteinte à sa dignité.





X-Campus

Il faut attendre 2008 pour enfin voir débarquer un excellent titre dans la collection.
On peut craindre le pire au départ puisque ce X-Campus a également été confié à une équipe italienne, mais heureusement, cette fois, sans Faraci. Et quand il n'est pas là, ben ça va tout de suite mieux.

Le scénario est de Francesco Artibani. L'histoire met en scène des personnages très connus (Malicia, Wolverine, Cyclope, Emma Frost, Xavier, Magneto, etc.) mais dans un contexte totalement différent. Ils sont en fait tous très jeunes (ou professeurs pour Magnus ou Jean Grey) et étudient à l'institut Worthington. Évidemment, tous ces gamins ont des pouvoirs, mais plus de noms de code ou de costumes, tout le folklore habituel étant remisé au placard pour faire place à un cadre scolaire (presque) normal.
Dans l'ombre, des complots déjà se trament et certains professeurs malintentionnés vont tenter de rallier les élèves à leur sinistre cause. L'on va suivre notamment les premiers pas d'Anna Raven, une adolescente qui peut absorber les souvenirs et même l'énergie vitale des personnes qu'elle touche.
Anna pensait trouver un endroit tranquille où étudier, elle va cependant vite se rendre compte qu'au sein de l'école, d'autres élèves possèdent également des pouvoirs étranges. Certains le vivent comme un don, d'autres ont peur de ces bouleversements incroyables qui affectent leur vie quotidienne.
Et il faudra également faire avec les professeurs, qui ne sont pas tous des mentors impartiaux et bienveillants...

Les dessins, eux, sont l'œuvre de Denis Medri, fort bien secondé à la colorisation par Sergio Algozzino. Le graphisme, moderne et très doux, fait un peu penser à celui de NYX, en plus enfantin. On est d'ailleurs, d'un point de vue narratif, à mi-chemin entre cette œuvre et un titre Marvel Age (comme Emma Frost ou Spider-Man loves Mary Jane). Malgré tout, si le public visé semble jeune, ces premiers épisodes sont suffisamment bien réalisés pour intéresser un lecteur avide de changement, quel que soit son âge.
Et si des éléments importants de la mythologie X-Men sont conservés, le ton est, lui, plus léger et s'adapte au jeune âge des héros.

Pour une fois qu'un titre Transatlantique est vraiment innovant et en tous points réussi, on ne va pas s'en priver, surtout pour 10,50 €.


Par contre, pour ceux qui souhaitaient lire l'intégralité de cette mini-série, il a fallu attendre 2011 et la publication du X-Men hors série #2.

Les lecteurs français ont alors pu bénéficier de huit épisodes a un prix deux fois moins élevé que les deux premiers chapitres en Transatlantique. Bon, outre le fait que ceux qui s'étaient procurés la version librairie se sont fait méchamment pigeonner (difficile de le dire autrement, ou alors il faut être plus vulgaire), Panini trouva le moyen d'être encore très limite sur cette édition. En effet, sur la cover de cet hors série, l'on pouvait lire, en rouge bien voyant : "découvrez les origines des super-héros du cinéma".
Ah.
Heu... sauf qu'en fait, X-Campus, c'est tout sauf les origines des X-Men que les gens ont découvert sur grand écran. En plus de l'impéritie chronique, il y a donc mensonge flagrant. Tout ça pour vendre quelques exemplaires de plus en mentant aux pauvres bougres qui auront le malheur de faire confiance aux vendeurs d'autocollants... c'est pas joli-joli, c'est sûr. Mais bon, on sait depuis longtemps que Panini, c'est plus "je pète, je rote, je te fous la main au cul" que "je t'offre un dîner aux chandelles".
Question de style quoi. Et de morale.

En tout cas, avec l'intro de 2008, l'on sentait un certain potentiel. Ici, avec l'histoire complète, l'on est vraiment transporté dans une sorte de what if? intéressant, prenant en compte l'âge des protagonistes et employant des héros reconnaissables mais subtilement adaptés à une situation de départ bien éloignée de ce que l'on connaissait (en comics ou au cinéma).
Jean, Bobby, Hank, Logan, tous sont familiers mais trouvent, dans ce contexte particulier, une manière différente d'exister. À tel point que l'on ne serait pas contre une suite.

À découvrir (si possible en se procurant plutôt le X-Men HS du coup).

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Les points positifs

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Les points négatifs

Un texte qui s'inscrit en droite ligne de la carrière cinématographique de Cronenberg. Un style alerte, dense, bardé d'images et d'allusions, multipliant les détails dans une sorte de jeu pervers avec le lecteur-consommateur. Des images très fortes où l'aspect "enquête policière" est quasiment absent (on est plus proche du médico-légal). Une culture particulièrement étendue qui va du meilleur usage des appareils numériques aux potentialités de l'impression 3D tout en évoquant les dessous du régime nord-coréen et une certaine vision de l'art.

Des personnages atypiques, écrasés par leurs singularités, leurs vices ou leur destin mais manquant cruellement de substance. Une intrigue faussement complexe tendant à embrumer l'esprit sans soutenir le suspense. Une fin désolante (quoique volontairement provocante).

Les pires trous du cul au monde ont eu leur heure de gloire au cinéma, ils sont aussi présents en comics grâce à Jay & Silent Bob : Chasing Dogma.

Jay et Bob squattent un appart depuis six mois. Ils sont sales, fainéants, obsédés et complètement barrés. Quand la nana chez qui ils se sont installés les met dehors, Jay ne trouve pas mieux que d'aller la rejoindre sous la douche pour la convaincre en lui montrant ses élans... affectueux.
Les deux potes vont se faire virer également d'un vidéo-club et même d'un bus. C'est eux contre le monde entier. C'est surtout une manière d'être qui ne fonctionne nulle part. Et un jour, ils ont une révélation. Il faut aller à Shermer dans l'Illinois. Là-bas, les pétasses sont bonnes et les mecs sont de petites natures. L'idéal pour deux ratés qui veulent devenir des Tony Montana version light.
Mais entre le rêve et la réalité, il y a de nombreux écueils. Comme un film porno où il faut servir de boute-en-train, et pas forcément pour une nana...

Si vous connaissez Kevin Smith, vous savez qu'il est capable du meilleur comme du pire, que ce soit au cinéma ou en comics. Dans l'univers Marvel, l'on peut retenir son passage sur Daredevil, plutôt bien fichu. Il a également écrit une mini-série Spider-Man/Black Cat qui, elle, est tout à fait dispensable.
Au cinéma, le bonhomme suit le même parcours en dents de scie. Clerks, Chasing Amy ou Dogma sont plutôt bons, d'autres œuvres comme Mallrats, Jay & Silent Bob strike back ou Clerks II vont se révéler franchement poussives. Pourtant, le type a su construire un univers et, surtout, fidéliser un public qui se reconnaît dans son humour volontairement bas de gamme et ses références "geeks".
Smith est à l'écriture ce que McDonald est à la gastronomie. Pas un truc immense mais un truc qui, parfois, fait du bien par où ça passe. C'est gras, c'est lourd, c'est en dessous de tout et c'est bon !!


Revenons précisément sur Jay & Silent Bob : Chasing Dogma, un comic qui fait référence aux films précités. Dans la version française, nous avons droit à Jay & Motus Bob. Mouais. On a échappé à "Chut Bob", on ne s'en sort pas si mal. Bref, voilà un comic qui, dès les premières planches, a pour but de vous offenser. Parce que c'est n'importe quoi. C'est offensant envers les femmes, les homosexuels, la religion (enfin, la religion chrétienne hein, faut pas déconner), les péquenots et probablement tout ce qu'il est possible d'offenser en 4 x 22 planches. Tout n'est pas forcément drôle mais la surenchère est telle que l'on finit pas avoir le sourire aux lèvres. Tout cela est joyeusement dessiné par Duncan Fegredo. Pas grand-chose à dire de ce côté-là, les personnages ressemblent bien aux acteurs en tout cas.

Pour ceux qui ne le sauraient pas, Silent Bob est incarné, au cinéma, par Kevin Smith lui-même. Il lui ressemble donc aussi comme deux gouttes d'eau dans les comics. Pourquoi est-il silencieux ? Parce que cela permettait au réalisateur de ne pas avoir à s'embarrasser avec du texte à apprendre. Ah ben quand on est auteur, on est débrouillard hein.
Il y a aussi des choix intéressants au niveau de la traduction, chez Semic donc à l'époque, avec notamment un présentateur américain que le traducteur compare, en note de bas de page, à Claude Pierrard. Là, si vous avez moins de quarante ans, ça va être chaud pour piger. Et si vous avez plus... aah... Croque-Vacances !

Une petite curiosité (décidément, rien de banal dans ce truc) : la quatrième de couverture est signée Alanis Morissette (qui joue d'ailleurs Dieu dans Dogma).
On pouvait dénicher cette BD à une époque aux alentours de 3,50 €, et en neuf ! C'est encore trouvable d'occasion pour une douzaine d'euros.
À conseiller si vous avez un brin d'humour trash et une envie de vous faire un bon gros comic qui ne lésine pas sur les ingrédients choquants et la sauce piquante.

+

Les points positifs

-

Les points négatifs

Gras, trash et bien barré. Fidèle à l'esprit des films. Blindé de références.

Peut se révéler rapidement indigeste.

Mise en ligne aujourd'hui de notre nouveau dossier consacré aux nombreuses versions des armures de Tony Stark, alias Iron Man !

Découvrez pour chaque modèle (furtif, aquatique, spatial, basé sur la biotechnologie des symbiotes, etc.) la série et la date de sa première apparition, ainsi que bien évidemment plusieurs illustrations.

Si vous aimez Tête de Fer et ses tenues métalliques, ce dossier est fait pour vous et devrait, avec pas moins de 55 armures différentes, vous permettre d'avoir un large aperçu de ce qui existe.

Pour y accéder, comme d'habitude, vous pouvez vous rendre dans la rubrique Dossiers, histoire de jeter un œil sur d'autres sujets, ou prendre un chemin plus direct en cliquant sur l'image ci-dessous.

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