Par
Tacgnol
" Le monde est étrange, tu sais. Ceux qui croient très bien le connaitre s'y perdent souvent. Et ceux qui pensent tout en ignorer y retrouvent bien des souvenirs" [1]
Je ne remercierais jamais assez le Bibliobus d'avoir laissé des BD en dépôt à la mairie du village dans lequel je vivais enfant. Gaspard de la Nuit, fabuleuse série que j’ai eu un mal fou à rendre, est l’une des meilleures bandes dessinées tout public se déroulant dans un univers merveilleux que j’ai lue.
Alors que le soir tombe, Gervais et son ami envoient par mégarde leur avion miniature dans la propriété d’un apothicaire. Le jeune garçon entre par effraction afin de récupérer son jouet, mais dans le dédale des pièces il pénètre dans une salle dont les murs sont recouverts par des masques diversifiés qui lui parlent ! À sa grande surprise, l'un d'eux lui demande son aide. Il lui explique qu’il a jadis été un adolescent et que Satrape l’a métamorphosé en masque. Comme pour la taxidermie [2], la masquération [3] permet de conserver le visage pourvu de sa conscience. Le masque du jeune garçon souhaite retrouver son corps.
Gervais se saisit du faciès de bois et fuit. Poursuivi par le maitre des lieux, il pénètre dans un passage ensorcelé qui l'amène dans un univers parallèle : Le monde magique de la Nuit, un lieu rempli de féérie exploité par de cruels hommes stricts. Ils produisent toutes sortes de fantasmagories qui sont expédiées dans l'univers des terriens pour adoucir, émerveiller et égayer leurs normes vies. Sa figure désormais dissimulée par celui du masque — le masque ayant adopté en échange ces traits — Gervais endosse son identité. Il se fait appeler Gaspard, un étudiant très turbulent du mutinatoire de Magençais, une école située dans un château où l'on apprend, par ailleurs, la magie et la malice. Mais sa nature humaine est découverte. Il s’enfuit vers la capitale où règne l’Enfant-Roi dont il espère l’aide. De fil en aiguille, Gervais/Gaspard est coincé dans un complot politique autour du jeune souverain. Dans sa quête pour aider son masque à retrouver son corps – s’il existe toujours — ainsi qu’un moyen pour rentrer chez lui, il croisera les rejetons autoritaires du Duc, Kargus et Bali, le Prince des larmes sèches, le masquereur, et de très nombreuses créatures inquiétantes.
Gervais se saisit du faciès de bois et fuit. Poursuivi par le maitre des lieux, il pénètre dans un passage ensorcelé qui l'amène dans un univers parallèle : Le monde magique de la Nuit, un lieu rempli de féérie exploité par de cruels hommes stricts. Ils produisent toutes sortes de fantasmagories qui sont expédiées dans l'univers des terriens pour adoucir, émerveiller et égayer leurs normes vies. Sa figure désormais dissimulée par celui du masque — le masque ayant adopté en échange ces traits — Gervais endosse son identité. Il se fait appeler Gaspard, un étudiant très turbulent du mutinatoire de Magençais, une école située dans un château où l'on apprend, par ailleurs, la magie et la malice. Mais sa nature humaine est découverte. Il s’enfuit vers la capitale où règne l’Enfant-Roi dont il espère l’aide. De fil en aiguille, Gervais/Gaspard est coincé dans un complot politique autour du jeune souverain. Dans sa quête pour aider son masque à retrouver son corps – s’il existe toujours — ainsi qu’un moyen pour rentrer chez lui, il croisera les rejetons autoritaires du Duc, Kargus et Bali, le Prince des larmes sèches, le masquereur, et de très nombreuses créatures inquiétantes.
Édité par Casterman à la fin des années 80, Gaspard de la Nuit a été écrit par Stephen Desberg et mis en images par Johan De Moor, fils du dessinateur Bob de Moor. Johan De Moor entre aux Studios Hergé dans les années 1980 pour travailler sur Tintin et l'Alph-Art puis sur Quick et Flupke ( le dessin anime et les albums). Les premières planches de Gaspard de la Nuit sont encore imprégnées de l'influence pesante d'Hergé. Heureusement, l'auteur s’en affranchit rapidement. Les décors, les personnes, l’encrage se complexifient, deviennent tortueux, douloureux, angoissants. Les cases sont recherchées. Les pages regorgent de vraies réussites visuelles, que ce soit dans les arrière-plans ou dans les scènes avec de la foule. Le dessinateur puise dans diverses sources d’inspirations, dont Bosch (p29, tome 3). Le titre, quant à lui, rappelle immanquablement Gaspard de la nuit — Fantaisies à la manière de Rembrandt et de Callot —, un recueil de poèmes en prose écrit par Aloysius Bertrand, et le triptyque pour piano que Ravel en a tiré.
Les quatre albums qui composent cette série à destination de la jeunesse foisonnent d’idées. L’histoire est tour à tour onirique, troublante, cruelle, noire, cauchemardesque. Le monde dépeint est complexe et merveilleux : parfumeurs, plantes, animaux et jouets animés. L’intrigue ne traine pas : dès le second volume, un coup d’état vient renverser les enjeux. L’atmosphère se fait oppressante et violente. Gervais doit survivre dans un pays dont il ne connait ni la géographie ni les us et coutumes. Malgré ses premières peurs, il est vite subjugué par la beauté qui l’entoure. Au fil des pages, son caractère évolue. Il devient plus courageux, entreprenant, colérique, impatient et se confond avec Gaspard. Le masque, ressemblant au visage de Gervais, voit aussi son tempérament se modifier : jaloux, traitre…
Les personnages qui l’accompagnent n’ont pas des réactions prévisibles. Le Duc, fomenteur du coup d’État, n’hésite pas à tuer devant toute une assemblée son propre fils. Des scènes sont poignantes dans leur cruauté mais jamais gratuites. En ce sens, Gaspard de la Nuit ne prend pas ces lecteurs pour des imbéciles et n’utilise pas de gants pour être clair dans son message.
Gaspard de la Nuit aborde des thèmes sérieux : colonisation, profit, lutte de pouvoirs, faux semblant, manipulation et identités interchangeables en posant un masque sur son visage, ce qui modifie aussi le physique.
L’aventure, passionnante, recèle néanmoins des faiblesses : Gaspard, le jeune homme masquéré, n’est pas développé. De rares informations transparaissent sur sa personnalité d’avant sa métamorphose. On ne sait pas non plus comment il supporte sa condition de masque et ce qui le pousse à la trahison.
La première partie du récit se termine en trois volumes et laisse un goût de précipité. Le quatrième offre une histoire auto-conclusive qui creuse un peu plus l’univers original de La Nuit.
Gaspard de la Nuit demeure une aventure marquante grâce à son pays captivant, pourvu d’un graphisme qui sort du commun. Il ne faut pas se fier à l’aspect désuet des couvertures qui ne font pas honneur au contenu.
Cette trop courte série n’a jamais été rééditée. Elle est encore disponible dans les réserves des bibliothèques, en occasion ou dans les fonds de placards de certaines librairies !
[1] Gaspard de la Nuit, de l'autre côté du masque, p.23.
[2] L’art de préparer, d’empailler les animaux vertébrés morts pour les conserver avec l’apparence de la vie.
[3] L'un des nombreux néologisme créé par le scénariste, Stephen Desberg.
[2] L’art de préparer, d’empailler les animaux vertébrés morts pour les conserver avec l’apparence de la vie.
[3] L'un des nombreux néologisme créé par le scénariste, Stephen Desberg.
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jiji83
En 2014, Elsa Charretier et Pierrick Colinet, tandem ayant déjà œuvré sur AEternum Vale, lancent une campagne de financement sur Ulule afin de permettre la parution de The Infinite Loop en édition limitée, à l'attention seulement des souscripteurs. Le projet fait un tabac et récolte plus de 250% de l'objectif initial. Grâce à la somme atteinte, les auteurs sont en mesure d’offrir une traduction à leur bébé et de partir à la conquête du marché anglophone : IDW le publie outre-Atlantique en avril 2015. Les retours du titre ne manquent pas d'attirer l'attention de l'éditeur français Glénat, qui décide à son tour de le publier ce mois-ci (26 août) dans sa langue d'origine ! It was high time !
The Infinite Loop se passe dans un futur où les extrêmes ont été éradiqués (amour/haine, clarté/obscurité) pour assurer la sécurité de tous et où les voyages temporels se sont développés. Teddy, un agent correcteur d'anomalies, a pour charge de voyager dans le temps et de s'assurer que chaque événement passé se déroule comme de coutume pour éviter des conséquences inconnues sur le futur. C'est donc ça la fameuse boucle infinie. Teddy suit son travail à la lettre sans jamais se questionner sur les anomalies à supprimer dans les différentes timelines, celles-ci étant causées par les "forgeurs", un groupuscule de marginaux. Mais tout change lorsque l'inébranlable Teddy fait la rencontre d'Ano, première anomalie à forme humaine de toute beauté. A cet instant, son libre-arbitre, si longtemps refoulé, resurgit et elle décide d'outrepasser le règlement pour lui sauver la vie.
Tout comme Kelly Thompson (auteur de The Girl Who Would Be King, Womanthology, Captain Marvel and the Carol Corps) qui signe la préface de ce premier tome, les voyages temporels et moi, ça fait deux. Je comprends le concept et tout le potentiel qu'il recèle. Je comprends que c'est un jeu dangereux et qu'il faut s'y frotter avec vigilance. Je comprends qu'on n'est pas en droit de changer les événements passés au risque d'en produire de nouveaux pires encore. Cependant, au vu de toutes les incohérences qu'ils génèrent, je finis par être paumée.
Je pense à des questions d'éthique et de chances loupées ; à une indifférence totale des voyageurs temporels face à des faits tragiques qu'ils pourraient éviter. Je pense à ces films totalement mindfuck comme Predestination où le protagoniste à l'occasion de se tuer dans le passé pour éviter son futur destructeur, et qu'il n'en fait rien. Et ça me désole, ce manque d'initiative, de courage pour permettre au monde d'évoluer, cassant ainsi cette éternelle routine. Car tant qu'on ne fait rien par peur de l'inconnu, on reste prisonnier de cette boucle infinie, et surtout, on s'interdit un monde qui pourrait finalement se révéler meilleur que celui dans lequel on vit.
Mais, la science-fiction n'est ici que secondaire (bien que traitée intelligemment et il est intéressant de voir que le récit s'axe justement sur les anomalies, les incohérences générées par les voyages temporels) et ne sert finalement que de catalyseur à la narration afin d'amener les thèmes qui tiennent à cœur aux auteurs.
The Infinite Loop est d'abord une ode à l'AMOUR. Pierrick Colinet et Elsa Charretier auraient pu choisir un couple hétérosexuel, cela aurait tout autant marché étant donné que n'importe quelle relation est hors-norme dans cette réalité. Mais le symbole est d'autant plus fort avec un couple lesbien puisqu'il s'inscrit dans une question sociale d'actualité pour faire barrage à une homophobie rampante, et plus globalement à mon sens, à la peur de l'autre, de l'étranger.
Mais plus encore, c'est une ode à la LIBERTÉ. The Infinite Loop se concentre sur le libre-arbitre et la force nécessaire pour le reprendre en main, sur la capacité à être soi-même seul détenteur de son destin (je parle ici de destin et non de futur car, bien que la connotation que ce terme entraîne soit -à l'origine du moins- reliée à la fatalité, à l'impossibilité de choisir un parcours autre que celui qui a été dicté pour nous, toutes les Teddy des différentes époques ont connu Ano et se sont battues pour elle… Teddy n'est finalement pas si libre et s'avère être prisonnière de la boucle infinie, le scénario s'étant déjà produit et se produira surement encore), d'aller au-delà des normes imposées par la société pour choisir ce qui est juste.
Ce déclic que Teddy a eu en découvrant Ano, et la remise en question du règlement, ont évidement eu des incidences. L'on découvre donc les réactions qu'ont les individus (au travers de Noël et Léon, personnifications de la Norme par excellence) face à cette anomie et leur profond dégoût en apprenant la relation qu'entretiennent nos héroïnes. Et le fait que cela se passe dans une réalité qui n'est pas la nôtre est plus propice encore à la prise de recul nécessaire face aux positions extrêmes (allant jusqu'à la mise à mort) que peut avoir l'opinion lorsqu'un individu sort des sentiers battus.
En vivant cachées dans une brèche temporelle à l'abri de tous, Teddy espère pouvoir vivre heureuse avec Ano. Mais cette dernière commence à s'ériger en véritable porte-parole des anomalies humaines (et de fait de l'homosexualité) et nous expose, de façon un peu mécanique, des pamphlets sur la nécessité d'être reconnue par la société et de se battre pour ses valeurs.
Toute cette thématique a été traitée par Pierrick Colinet avec brio (mais à mon goût pas assez approfondie), et il en a fait ressortir toute la poésie qui y est assimilée par la simplicité et la pureté des mots employés qui trouvent forcement écho dans l'esprit du lecteur. Et pour une submersion totale, l'aspect poétique de ce titre se retrouve également au travers des dessins d'Elsa Charretier qui semblent couler, suivre le cours de l'histoire par leur fluidité.
Sur certaines pages, les paroles sont absentes parce que d'aucune utilité, laissant la part belle aux images qui dégagent à la fois la force du récit (reprise en main de la liberté qui peut être violente, cf. les références historiques présentes dans le récit) et sa suavité (au travers de l'amour et de la sensualité, aidée par une colorisation pastelle).
Je félicite le travail de la dessinatrice sur la totalité de ses planches, tant son style, hybride entre Tim Sale et Darwin Cooke (deux de mes artistes chouchous, just saying!), est maîtrisé. J'ai particulièrement apprécié la mise en page en "arborescence", très réfléchie et assez déstabilisante au début il est vrai, lorsqu'il est question de poser sur papier les différents scénarios qui s'offrent à Teddy.
Enfin, il est important de s'attarder sur les bonus qu'offrent ce premier tome : les couvertures des différents épisodes (dont celle de la génialissime Stéphanie Hans), le processus créatif d'Elsa Charretier et des commentaires sur sa manière d'opérer, des scripts de Pierrick Colinet et ses indications pour la mise en page, et, last but not least, une postface bien garnie signée Katchoo, grand gourou de l'homosexualité dans les comics, qui nous retrace son historique.
En bref.
The Infinite Loop, c'est le genre de comic que j'aime, où la simplicité et la fluidité sont maîtres, tant dans les mots employés que dans les formes qu'épousent les personnages. La collaboration du duo se fait ressentir jusque dans la qualité de l'ouvrage et, comme si ce n'était pas suffisant, les thématiques abordées ne vous laisseront pas indifférents : c'est en effet un discours engagé que nous servent ici les auteurs afin de soutenir la cause homosexuelle. Mais par extension, ce que j'en ai retenu, c'est surtout une histoire d'empathie, de tolérance de l'autre et d'acceptation de son soi intérieur, et au diable les préjugés !| + | Les points positifs | - | Les points négatifs |
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Nolt
Le film d'animation Les Chevaliers du Zodiaque : La légende du Sanctuaire étant sorti en DVD cet été, on ne pouvait pas passer à côté de cette... chose pour le moins étrange.
Si vous ne connaissez pas Saint Seiya, je vous conseille en préambule cet article revenant sur la version Deluxe du manga. L'histoire est très connue et a fait les beaux jours du Club Dorothée. En gros, quelques adolescents dévoués à Athéna vont devoir affronter des adversaires surpuissants afin de faire triompher le bien. Le pitch est bien maigre mais son développement, très riche, avait valu au manga et au dessin animé du même nom de devenir cultes.
Pourtant, Kurumada n'est pas objectivement un très bon auteur [1], son œuvre phare est truffée d'incohérences et surtout se met rapidement à faire du surplace après la mythique bataille du sanctuaire : les autres affrontements (contre les Marinas de Poséidon, les Spectres d'Hadès ou, dans l'anime, les Guerriers Divins d'Asgard) suivront le même schéma en espérant recréer le côté épique de la terrible et inégale lutte contre les Chevalier d'Or.
Il n'est donc pas étonnant qu'un film se penche sur cette partie qui, pour beaucoup, reste le summum de la série.
Du coup, ce qui étonne quand on commence à s'intéresser au film, c'est sa durée incroyablement courte : 1h30 !
Bon, OK, le dessin animé tirait bien en longueur chaque passage de Maison, mais tout de même, on se dit que même une trilogie serait un peu juste pour exposer l'univers, ses concepts, les personnages et détailler chaque combat avec suffisamment de détails et de profondeur pour en rendre le côté parfois dramatique. Alors un unique film, aussi court, ça part mal.
Pourtant, le début n'est pas si mauvais (même s'il sera certainement plus clair pour les adeptes de Saint Seiya que les novices). La fuite d'Aiolos, la découverte de la réincarnation d'Athéna, les chevaliers de bronze, le sanctuaire, bon, tout cela est relativement bien introduit, même si c'est évidemment très condensé.
Visuellement, ça claque. Belles armures (conçues même de manière plus logique) et jolis effets de lumière.
Niveau scénario, on a un peu d'humour et... c'est tout. Parce qu'en réalité, tout le reste est ou bâclé ou très mal fichu.
Tout d'abord, les personnages sont inexistants et dépourvus de psychologie. Seiya fait bien un peu le pitre, mais Shiryu ou Hyoga par exemple sont totalement transparents. Idem pour la plupart des chevaliers d'or. Le seul qui a le droit a une présentation un peu "originale", c'est Deathmask. Et l'effet est catastrophique. En effet, le mythique chevalier du cancer se lance dans une sorte de... délire chanté, comme s'il était dans une comédie musicale. On a l'impression, dérangeante et ridicule, de voir un Luis Mariano sous LSD.
Les combats (l'un des éléments principaux du récit tout de même) sont également très mal mis en scène. Oh, il y a des explosions, des jets de lumière, des ralentis, des accélérations, mais la plupart du temps, les effets tombent à plat. Pour une raison d'ailleurs très simple tenant au traitement des personnages évoqué plus haut.
En effet, pour qu'un combat soit plus que de l'action ennuyeuse, il ne suffit pas que la chorégraphie martiale soit esthétiquement impressionnante (ce qui est de toute façon discutable ici tant l'action est souvent brouillonne), il faut aussi que l'on s'inquiète pour les personnages, qu'il y ait du sens, des motivations, de l'empathie, bref, de l'épaisseur. Et cette épaisseur n'est possible qu'avec une lente construction des personnages.
Qu'il y ait des libertés prises avec l'histoire originale, très bien, c'est le but d'une telle adaptation de toute façon. Que le design soit revisité, c'est un minimum. Que certains éléments soient absents ou raccourcis, c'est inhérent au support. Que des détails secondaires changent (les pandora box, les masques...), on s'en fout pas mal à moins d'être un puriste fanatique qui confond ornements et propos. Mais que ce qu'il reste ce soit des affrontements sans âme, c'est déplorable. Parce que le propre de Saint Seiya, ce n'est pas la castagne, c'est ce qui la motive.
Il y a dans l'œuvre originale de véritables salauds, des tarés, bref, de "vrais méchants", mais il y a surtout des personnages complexes, parfois tourmentés, coincés par leur sens de l'honneur ou abusés par la situation. Il y a aussi des repentirs ou des illuminations de dernière minute. Et surtout, que d'amères victoires, où le chevalier de bronze est amené à tuer un adversaire qu'il respectait et dont il découvre la noblesse !
C'est pour ça que Saint Seiya fait mal au bide et enflamme l'esprit, parce que ce n'est pas manichéen. Bien sûr, les armures, les concepts (le septième sens, les constellations...), les techniques, les allusions à la mythologie, forment un background fascinant, mais le petit plus, l'étincelle essentielle vient de l'aspect vain et inéluctable de cette saga contant l'affrontement de frères d'armes animés souvent du même sens chevaleresque.
Sans cela, il ne reste pas grand-chose. Juste quelques effets pyrotechniques clinquants mais échouant à combler le vide fondamental des personnages, sans passé, sans pensées, sans failles ni personnalité.
Au final, si vous ne connaissez pas Les Chevaliers du Zodiaque, vous en aurez une bien mauvaise image avec ce film. Pour ceux qui connaissent et suivent Seiya depuis ses débuts, il s'agit au mieux d'une curiosité qui n'apporte rien au mythe et tend même à le dépouiller de ses plus beaux attributs.
Beau mais nul, un peu à l'image d'une godiche de télé-réalité, à la plastique parfaite mais au crâne vide [2].
[1] Il existe de nombreux exemples d'auteurs maladroits ayant donné naissance à des univers cultes, citons seulement Lovecraft, incapable notamment d'insuffler de la vie dans ses personnages, mais qui a contribué à mettre sur pied une mythologie riche et fascinante.
[2] En parlant de crânes vides, c'est amusant parce que Télérama, ce torche-cul de programme télé pour bobos neurasthéniques, a accordé trois étoiles à ce film et pondu une critique plutôt bonne. Et ce sont les mêmes qui ont chié sur Matrix ou Interstellar en prétendant que c'était de la "bouillie intellectuelle". C'est d'ailleurs devenu un très bon baromètre (sur internet hein, n'allez pas acheter ça) : si Télérama aime bien, en général ça n'augure rien de bon. S'ils trouvent ça nul, ce n'est pas forcément un bon film mais il y a souvent de bonnes choses dedans. Comme quoi, même les trous du cul ont leur utilité.
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Nolt
Voilà la noble déclaration qui débute ce tome des Légendes de la Garde et accompagne la carte présentant les territoires du petit peuple des souris. Nous avions déjà eu l'occasion de vous présenter cette saga (cf. cet article) qui continue ici de belle manière avec La Hache Noire.
Petit rappel pour ceux qui auraient raté le début. Les Légendes de la Garde sont écrites et dessinées par David Petersen. Elles mettent en scène quelques héroïques rongeurs dans un univers médiéval et anthropomorphique. Souris, belettes, lapins, renards ou fouines cohabitent, commercent ou se font la guerre, bien loin du regard des hommes.
Les deux premiers volumes se déroulaient pendant l'automne et l'hiver 1152. Bien que certains passages constituent ici une suite directe se déroulant au printemps et à l'été 1153, l'essentiel du récit est centré sur une époque plus lointaine (1115) et la quête de la Hache Noire qui donne son nom à la BD.
Celanawe,
éminent membre de la Garde, se voit confier une mission de la plus haute importance par sa dernière parente, elle-même mandatée par la matriarche à laquelle il a juré obéissance. L'habile épéiste doit en effet retrouver la légendaire Hache Noire, perdue depuis longtemps par-delà l'immense mer du Nord.Le voyage débute par l'acquisition d'un navire à Port Sumac et par une habile manipulation afin de convaincre un capitaine d'accompagner les deux souris. Si la traversée sera longue, les dangers qui guetteront le petit groupe à son arrivée seront bien plus nombreux encore...
L'on retrouve ici l'ambiance épique des chapitres précédents, ainsi que la même attention portée par l'auteur aux décors ainsi qu'à la société des souris et son Histoire. Chaque cité possède ses particularités, ses ressources, ses coutumes, l'ensemble formant un tout cohérent et vraisemblable.
Bien que le côté "petites bestioles poilues" puisse faire penser à une histoire pour enfants, le ton est en réalité mature, parfois dramatique. L'on croise des personnages fort différents et réalistes, que ce soit des canailles alcooliques, de nobles cœurs ou des prédateurs qui se révèlent finalement
bien plus que de pâles "méchants" de circonstance ou de simples faire-valoir. Le terrible renard des ronciers ou le roi des furets ne sont ainsi pas uniquement des ennemis mais apportent du sens au récit et de la profondeur à l'univers des souris, que l'on découvre au final sombre, violent et amer.Graphiquement, même si les souris de Mice Templar se révélaient sans doute plus abouties et charismatiques, les planches se révèlent très agréables et détaillées, avec une mention spéciale pour les villages et les intérieurs.
En plus de la carte déjà évoquée et d'un avant-propos, l'ouvrage contient également des annexes qui comportent de nombreux éléments disparates : arbre généalogique, fragments de tapisserie, cartes maritimes ou du ciel, descriptions d'embarcations, détails sur certaines cités ou lieux importants, éléments sur les métiers et artisans, le tout richement illustré.
L'édition proposée par Gallimard est soignée et dispose d'une traduction de qualité. Seul petit bémol, la police utilisée pour le texte hors dialogues est parfois un peu pénible à déchiffrer (même si le style convient bien au contexte).
Une vingtaine d'euros pour près de 200 pages. Signalons qu'il existe également une version kindle que je déconseille vivement, d'une part parce que les liseuses ne sont pas faites pour la BD (cf. cet article sur le sujet), d'autre part parce que le prix est ridiculement élevé pour un support numérique.
Une belle histoire, peut-être un peu moins riche ou émouvante que les tomes précédents, mais vivement conseillée tout de même.
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Tacgnol
Ce nouveau trimestriel à destination des trentenaires et quadras — mais pas que — est disponible depuis le mois de juillet à la suite d'une campagne de financement participative sur la plateforme Ulule. Les différents rédacteurs ont déjà œuvré au sein de plusieurs revues (Comic Box, Animeland, Dixième Planète…) et avec ce magazine, ils s’appuient sur la fibre nostalgique de la génération Y [1], un esprit ludique et positif [2].
Ce numéro n'est pas vraiment le premier. En septembre 2013 [3], 30 ans et demi était présent dans les kiosques. Entre ces deux livraisons, les responsables ont procédé à un changement de diffuseur et à la création d'une société d'édition afin de s'affranchir de toutes ingérences commerciales.
30 ans et demi traite de plusieurs domaines de l’imaginaire (cinéma, animation, jeux vidéo, bande dessinée…). Il propose même une recette de cuisine à base d’un ingrédient issu d’une marque célèbre (vache qui rit…), un tour du côté de la High Tech jusqu’à une très dispensable rubrique sexy où l'on espère voir aussi des hommes.
Le parti pris — celui de regrouper les cultures Geek, comme le rédacteur en chef Rui Pascoal les qualifie [4] — rappelle que ces médias s’influencent les uns les autres et qu'ils ont toujours été imbriqués et consommés en simultanés par plusieurs générations.
30 ans et demi s’inscrit dans cette logique, mais se veut un poil caricatural, proche du lecteur en évidant un discours trop intellectuel [4]. La nostalgie caractérise l’ensemble des chroniques , cependant les
journalistes restent ouverts sur l’avenir, refusant un passéisme
mortifère.
L'idée de 30 ans et demi se rapproche énormément d'un autre magazine, Geek le mag, une couche de Club Dorothée en plus.
Cette fameuse nostalgie est devenue depuis plus de deux décennies un filon juteux pour une partie de l'industrie culturelle. Sans doute connaissez-vous les compilations musicales Méga 60, Méga 70, le merchandising autour de Salut les copains !, les soirées où l'on chante des génériques TV, les adaptions en films de vieilles séries du petit écran (Chapeau melon et bottes de cuir...), les émissions en prime-time avec moult stars has been…
Le premier numéro de cette nouvelle mouture de 98 pages dispose d'un sommaire impressionnant suivant deux axes forts : un entretien avec Alexandre Astier - avec un retour sur la série qui l'a mis sur le devant de la scène : Kaamelott – et 22 pages consacrées aux studios Ghibli [5].
Le tout est complété par une foultitude de sujets, le plus souvent sur deux pages, d’œuvres récentes ou non [6].
Si les articles sont agréables à lire, quelques-uns souffrent d’un défaut d'analyse et d’une écriture trop consensuelle.
Un lexique aurait été utile pour les néophytes : gashapon, HQS... afin de ne pas interrompre le flux de la lecture pour ouvrir un dictionnaire en ligne. Des précisions sur certains animes qu’on ne suit pas forcément (Battle of god...) n'auraient pas été de trop et de rares coquilles (accent oublié, espace manquant, une lettre de trop à la fin d'un mot...) ont échappé aux yeux des correcteurs. Quelques phrases sonnent étrangement puisqu’elles se rapportent au numéro de 2013 indisponible [7].
Le magazine, très sympathique à picorer, gagnerait à exploiter une thématique fédératrice sur son ensemble. Toutes ces pages consacrées à Ghibli, Nadia et Jules Vernes auraient pu être complétées par des papiers dédiés à la BD City Hall, au film d’animation Laputa et pourquoi pas, au steampunk en général.
Les prochains numéros mériteraient d’être plus étoffés avec des présentations d’œuvres moins connues (Torpedo, Cybersix, Tex, Diabolik…), des topos sur les phénomènes de société (fanart, fandom), un sujet sur les romans autoédités (par exemple Les Mondes d’Amarande de Myriam Morand, résultat de toutes ces influences populaires), des technologies comme le vectrex, la mode de l'électronique, les débuts d'internet grand public… pourquoi pas le prodige transgénérationnel Dr who. Et pour pousser le vice : courrier des lecteurs, concours de belles enveloppes, petites annonces…
Replacer tout ce corpus d’œuvres hétéroclites et cultes dans leurs contextes historiques apporterait un regard neuf sur le passé.
Les cultures évoluent dans le temps et changent de direction au fil des événements. La chute du mur de Berlin, la dislocation du bloc soviétique, la guerre du Vietnam, l'explosion de la bulle économique du Japon ont façonné et remis en question le contenu des médias. La manière de raconter, de dessiner, de développer les icônes et les égéries ont crû dans ce terreau. Il ne s'agit pas d'écrire des pages d’analyses soporifiques, mais des articles se penchant sur ces différents prismes pour apporter un éclairage nouveau sur des produits culturels que les enfants des années 70 à 90 ont absorbés ou rejeté à l’époque de leurs sorties et qu’ils adulent aujourd’hui sans forcément comprendre les raisons souterraines de cette appétence. 30 ans et demi est le genre de magazine dont la ligne éditoriale peut être développée, fructifiée.
Avec 30 ans et demi, nul doute que découverte et redécouverte sont au rendez-vous pour tous. Le magazine peut être lu et apprécié par toute la famille, pour partager souvenirs et anecdotes et s'échapper des points de vue sectaires.
Les numéros suivants ne pourront que bonifier le concept si le succès est au rendez-vous. Pour le moment, il n’est disponible qu’en France dans certains points de vente. Vous pouvez demander la liste directement sur Facebook.
30 ans et demi, 5.95€, par les Neology Productions.
[1] Terme qui regroupe grosso-modo les personnes nées entre les années 1980 et 2000.
[2] Comme décrit dans l'éditorial du premier numéro de 2015.
[3] Le numéro sorti en 2013 proposait sur 82 pages un dossier Les mystérieuses citées d'or, les séries TV X-Or et Walking Dead, la marque Lego, une interview de IAM, un portrait de Stephen King, Goldorak, Picsou... ainsi qu’un billet d'humeur de Corbier : "nostalgie quand tu nous tiens".
[4] Entretien sur France Bleue.
[5] Avec les interviews de Hayao Miyazaki, Isao Takahata, un
compte rendu de l'exposition à la galerie Art ludique, les présentations
des films Le vent se lève, La princesse Kaguya, Souvenirs de Marnie et
du jeu vidéo Ni wo Kuni.
[6] Du côté des livres, Une histoire d'homme de Zep, un topo sur Wolverine et son hypothétique décès, Dragon ball Super (dont le papier me semble un peu confus entre le manga et l’anime), et un entretien avec un dessinateur français : Alexis Tallone. L'animation s'intéresse à Nadia, le secret de l'eau bleue dans un article des plus consensuels (il n'est pas fait mention du pourquoi du comment des épisodes humoristiques mal animés, brisant le rythme du récit …), Les nouveaux héros de Disney, les jeux vidéo avec Mr Hiroshi Yamachi (Nintendo), Battle of Olympus, Mylène Farmer, Vladimir Cosma...
[7] Exemples p.50 :"il dessine à chaque numéro" et p.73 : "voir nos news high-tech du #1 de notre magazine".
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