Retour sur une adaptation fidèle par certains côtés, mais terriblement décevante également.

Le Fléau est un immense et épique roman de Stephen King, qui a connu une première adaptation télévisuelle dans les années 90 (4 téléfilms de 90 mn) mais aussi une déclinaison en comics. King lui-même rallongera son récit de 1978 en publiant une version augmentée (1990). Et il participera activement, en tant que scénariste, à la mini-série en neuf épisodes qui nous intéresse ici.

Nous n'allons pas revenir en détail sur l'intrigue. Il s'agit d'un effondrement mondial dû à une épidémie de "super-grippe". Les rares survivants (99 % de l'humanité est anéantie) se regroupent en deux camps, symbolisant le bien et le mal. Le roman est long et très ambitieux. Outre les conséquences violentes d'une disparition de la civilisation, King montre ensuite un affrontement très symbolique, voire biblique. Le tout avec des personnages profonds, crédibles et très bien développés, qu'ils soient dans le camps des "gentils" ou des "méchants". Tout cela est donc complexe et demande un véritable travail sur les protagonistes. C'est parce qu'ils sont parfaitement présentés, avec leurs failles, leurs doutes, leurs égarements, que les scènes par la suite prennent une dimension dramatique, très chargée émotionnellement.

Ce qui nous amène au premier choix très étrange de la série : tout condenser et aller au plus vite. Sans délayer excessivement, avec autant de personnages et d'événements, on pouvait espérer au moins deux saisons (voire trois). Là, tout est expédié très rapidement, notamment le parcours des différents personnages et les premiers effets de l'épidémie (dont certains comportements horribles, intégrés dans le roman et marquant la fin des tabous et la disparition de toute autorité et de toute morale), mais aussi la construction de la communauté de Boulder ou le fonctionnement de New Vegas (un endroit plus nuancé et intéressant dans le roman, alors qu'on a l'impression qu'il n'est qu'un lieu de débauche peuplé de frappadingues dans la série). Avec 9 épisodes de 45 mn, on se retrouve avec plus ou moins la même durée que les téléfilms de la première adaptation (même moins en réalité, le dernier épisode étant consacré à un épilogue créé spécialement pour la série). Rien n'est creusé, des pans entiers de l'histoire originelle sont laissés dans l'ombre ou à peine évoqués, on ne voit nullement la progression de l'épidémie ou la fondation, petit à petit, d'un nouvel ordre. C'est un manque d'ambition aussi surprenant que décevant.

Deuxième point qui cette fois est plus un ratage qu'un choix scénaristique : l'immense stupidité de certains pans de l'intrigue. Les personnages se conduisent parfois comme de parfaits demeurés, au point qu'il est difficile de ne pas s'énerver ou éclater de rire devant des choix aussi ineptes. Par exemple, alors que la situation est enfin apaisée (c'est là une sorte de "suite" au roman) et que Frannie et Stu peuvent compter sur une communauté solide, bien établie, sécurisée, qu'est-ce que Fran propose ? "Tiens, j'ai une super idée, et si on partait rien que tous les deux, dans le Maine, pour faire un voyage inutile et dangereux de plusieurs milliers de kilomètres, avec en plus un enfant en bas âge ? On verrait l'océan !" Et que répond son imbécile de compagnon ? "Oh mais oui, quelle bonne idée !" Et ce n'est pas fini, que vont se dire les deux crétins, une fois en route ? "Tiens, vu qu'on est deux, pourquoi on ne ferait pas... deux équipes de un ? Comme ça, moi je peux aller faire des courses dans l'épicerie que l'on a vue, sans s'y arrêter, il y a 15 kilomètres, et pendant ce temps-là, tu pourras en profiter pour te reposer ou bien tomber dans un puits et te perforer un poumon !" 

Vraiment la valse des andouilles. Et ce n'est pas tout. Quand Stu se barre, il prend la précaution d'accrocher un flingue, dans son holster, à la taille de sa dame. Et qu'est-ce qu'on constate dans la scène suivante ? Elle enlève la ceinture et pose le flingue n'importe où, bien entendu. Bah oui, je suis dans un monde post-apocalyptique rempli de tarés, je ne vais quand même pas prendre des précautions ! Pfff... 

C'est donc un festival de conneries. Pour King, je veux bien, il n'est plus au mieux de sa forme littéraire (cf. cet article), mais ils sont huit scénaristes à être crédités ! Pas un ne trouve ça débile ? Bien entendu, on pourrait me rétorquer que des abrutis qui font n'importe quoi, ça existe. Je suis bien d'accord, mais là, ce sont des "élus". Ils sont censés rebâtir le monde, montrer la voie, être des exemples, pas sauter de joie à la première idiotie qui leur passe par la tête ! 

D'autres parties sont également très maladroites, comme l'expédition des fameux élus à Vegas, pour ne finalement pas y faire grand-chose, si ce n'est se faire trucider ou murmurer "je ne crains aucun mal". Leur rôle, minime dans l'intervention divine qui précipite la chute de Vegas, rend leur voyage pour le moins étrange, si ce n'est inutile. Enfin, l'on peut également signaler des changements sans intérêt, par pur wokisme (un personnage masculin devient une femme, un Blanc devient un Noir...). Heureusement, ça n'a pas d'impact cataclysmique sur l'intrigue, comme dans la désastreuse adaptation de La Tour Sombre.

Au final, est-ce pour autant une mauvaise série ? Pas du tout ! C'est plutôt sympa à regarder, certaines scènes sont bien fichues, la trame générale du roman est respectée, il y a même par moment un peu d'émotion. Mais c'est déjà ce qu'offrait la première adaptation, avec les moyens de l'époque. On pouvait espérer ici une histoire plus développée, se rapprochant de l'immense fresque du roman, or il n'en est rien. Il s'agit d'une adaptation facile, faite pour être consommée (et oubliée) rapidement, et qui demeure à la surface de la si riche thématique de The Stand. 

Autrement dit, optez pour le roman, il vous hantera longtemps. 

Nouveau spin-off Saint Seiya : Rerise of Poseidon.

Saint Seiya n'en finit plus de se décliner en suites, plus ou moins réussies. Nous en sommes déjà au huitième spin-off (cf. ce dossier) en plus de la série principale, qui est déjà en elle-même une sorte de compilation de redites mettant sans cesse en scène le point culminant de l'histoire, à savoir la Bataille du Sanctuaire (déclinée dans sa version Poseidon et Hadès). Après Dark Wing, ayant ses qualités et défauts (et toujours en cours de publication), voilà donc un nouvel opus centré sur le grand retour du dieu de la mer et de ses Marinas.

Alors que les Chevaliers de Bronze, qui viennent tout juste de fracasser Hadès et ses Spectres, sont indisponibles (ils dérivent dans une dimension sans ciel ni terre suite à l'effondrement du royaume des enfers), Hadès en personne vient libérer Poseidon, l'avertir d'un grand danger qui menace la Terre et lui demander de bien vouloir tenir en échec la déesse Némésis. Cette dernière, outrée par le comportement des humains qui se mettent à buter des Dieux, est bien décidée à leur apporter un châtiment à la hauteur de leurs actes, en déclenchant un cataclysme qui va anéantir toute vie sur Terre. 

Aux commandes, toujours Masami Kurumada au scénario et Tsunakan Suda aux dessins. Commençons par ces derniers. Graphiquement, rien à dire, les personnages sont reconnaissables (pour ceux qui ont des particularités, il y en a quand même beaucoup qui, de base, ont la même trogne), les scènes d'action très lisibles et certaines planches bénéficient d'une belle composition. Là-dessus, c'est propre. Pour le scénario, c'est une autre chanson. Ah ben Kurumada, c'est pas Straczynski ou Hergé, lui, il serait plutôt dans la catégorie des laborieux pas très doués. Et ce depuis toujours. N'oublions pas que ce qui a fait le succès de Saint Seiya à l'international, c'est principalement le dessin animé. Dans l'adaptation en anime, les auteurs ont su insuffler de l'émotion, développer les personnages, mettre magnifiquement en scène les affrontements, le tout avec des musiques d'une qualité extraordinaire, qui ont sublimé bien des combats et sacrifices. En comparaison, le Saint Seiya de Kurumada est un rapide et terne résumé. 

Bref, avec le style Kurumada, on a donc des dialogues indigents (il nous refait le coup des "c'est impossible", ça devient un gag ce truc), des personnages à la personnalité à peine esquissée et des ressorts déjà vus maintes fois (comme le sbire qui, tout à coup, se rend compte qu'il est du mauvais côté). Tout n'est pas nul non plus : l'intervention d'Hadès est notamment relativement bien justifiée ; la rancune envers certains personnages respecte la logique de la saga ; et les Spirits de Némésis sont pour l'instant plutôt originaux (on découvre dans ce premier volume Bellérophon des Ailes et Terpsichore de la Musique, respectivement héros antique et muse de la danse).

Cependant, évidemment, l'auteur emploie encore la même mécanique : une menace rapidement décrite, un objectif simple, des héros motivés et des ennemis cherchant à leur faire barrage, le tout à grands coups de cosmos et de stupéfaction (ils sont toujours étonnés de tout !). Rarement on aura produit autant de planches autour de la même et unique idée. Bien entendu, le principe même du cosmos, des armures et des différents "clans" incite à ça, mais le fait de décliner à l'infini des tonnes de combats, surtout quand on ne parvient pas à les rendre poignants et que le même schéma revient sans cesse, trouve assez vite ses limites. (Si vous souhaitez plus de détails et un avis plus positif sur cette nouvelle série, nous vous conseillons cette excellente vidéo, de notre ami Alex.)

D'un point de vue éditorial, c'est évidemment catastrophique, mais c'est malheureusement le sort de pratiquement tous les manga de nos jours. D'une part, l'éditeur laisse les onomatopées en VO, parce que c'est plus rapide que de les enlever (alors que ça n'apporte strictement rien, à part surcharger les cases), et d'autre part, on a toujours le sens de lecture japonais dans une traduction française, parce que c'est plus simple que de travailler correctement les planches (cf. cet article, on ne revient pas sur cette immonde connerie en détail). 

Enfin, signalons que le tome 2 est déjà prévu pour le 4 décembre 2026. 

Un spin-off "kurumadisé" de plus, pas spécialement mauvais mais clairement pas très bon non plus. Pour fans complétiste acharnés uniquement.  

Gros plan sur cette nouvelle édition du roman mythique, Le Chien des Baskerville.

La lande du Devonshire, brumeuse, immense, froide. Dans cet endroit sinistre, la famille Baskerville semble être frappée d'une terrible malédiction. En effet, une créature démoniaque et féroce s'en prendrait régulièrement à ses membres. Et cela semble se confirmer quand Sir Charles Baskerville succombe à une rencontre avec la bête. Le célèbre détective Sherlock Holmes est alors sollicité pour tirer l'affaire au clair et, accessoirement, protéger le dernier héritier du domaine. Précédé du Docteur Watson, qui effectue les premières et surprenantes constatations, Holmes va délaisser Baker Street pour se frotter à ce mystère, en apparence surnaturel, mais qui pourrait bien cacher de basses aspirations et de sombres complots. 

Le Chien des Baskerville est à la base un roman de Sir Arthur Conan Doyle, prépublié en magazine en 1901/1902 et adapté depuis à de multiples reprises en films, teléfilms, épisodes de séries TV ou pièces de théâtre. Il met bien entendu en scène une enquête de Sherlock Holmes, ce dernier faisant une nouvelle fois équipe avec son compère Watson. L'intrigue, à l'atmosphère effrayante et flirtant avec le paranormal, oppose surnaturel et déductions logiques, tout en étant basée sur des motivations au final très "humaines".

Comme d'habitude avec les Éditions Callidor (cf. cet article), nous avons ici une édition prestigieuse et ultime, où le moindre détail est soigné et pensé. Ainsi, comme pour L'Odyssée ou Dracula, il s'agit clairement d'un objet collector à la beauté évidente. Magnifique couverture en dur, illustrations nombreuses et de qualité, travail poussé sur la typographie et la mise en page, grand format, dos toilé, chaque élément reflète minutie et volonté évidente d'offrir au lecteur un livre à l'esthétique irréprochable. 

L'ouvrage, aux teintes entre vert d'eau et turquoise, affiche une créature impressionnante au-dessus du titre, et un mégalithe du plus bel effet, éclairé par l'éclat de la Lune baignant la lande, en quatrième de couverture. Là encore, il sera difficile de surpasser à l'avenir ce niveau de qualité époustouflant, dû d'ailleurs à Christian Quesnel (illustrations et addendum), Mickaël Popelard (traduction) et Cyril Terrier (conception graphique). Notons également une préface de Nancy Springer. 
De quoi décupler le plaisir de la lecture et permettre à ce roman de figurer en bonne place dans votre bibliothèque. 

Une version magnifique et très aboutie, qui renouvèle le plaisir de se plonger dans ce classique.

Tout comme pour les Schtroumpfs l'année dernière, l'enseigne Leclerc s'est associée aux éditions Dupuis pour éditer ce livre de 744 pages, contenant les 15 premières aventures de Lucky Luke. 

Pour seulement 45 euros, voilà encore une bonne affaire, d'autant que l'ouvrage bénéficie d'un fort élégant dos toilé et qu'il contient bien entendu les couvertures de chaque album.

Un deuxième volume est prévu, probablement l'année prochaine, avec le restant des albums parus à l'époque chez Dupuis, donc jusqu'au tome 31 inclus (Tortillas pour les Dalton). 

Contenu de la première partie :

Une bonne occasion de (re)découvrir ces anciens titres, par Morris et Goscinny, et de constater l'évolution graphique, très marquée les premières années, du célèbre cow-boy qui tire plus vite que son ombre !

Plongée dans une trilogie très spéciale avec Toxic, La Ruche et Calavera.

Charles Burns est un auteur (dessinateur et scénariste) américain, s'étant fait connaître notamment avec Black Hole, un long et sinistre récit, en noir et blanc, sur le mal-être adolescent. C'est à sa trilogie "Nitnit" (surnommée ainsi à cause des multiples références visuelles à l'univers de Tintin) que nous allons nous intéresser aujourd'hui. 

Tout commence avec un jeune homme allongé sur un canapé-lit, dans une pièce dépouillée et glauque. Une fois réveillé, le type suit son chat mort à travers un énorme trou dans l'un des murs. Là, il découvre un monde effrayant, totalement en ruine. Après avoir suivi une rivière verdâtre et lugubre, il parvient à un bâtiment qui contient... de gros œufs blancs à taches rouges.

Parallèlement, Doug, un jeune poète un peu gauche, fait la connaissance de Sarah, une jolie photographe qui semble cacher bien des secrets.

Même le pitch est compliqué à élaborer tant ce récit part dans tous les sens et s'avère, au moins dans les premières planches, pour le moins déroutant. Burns utilise ici un procédé qui peut agacer : il prend une histoire d'une banalité à vomir et la tord tellement dans tous les sens en y insufflant ses obsessions personnelles qu'il obtient quelque chose d'informe et très dérangeant (ce qui fera que d'aucuns crieront immédiatement au génie). Or on est, sur le fond, sur de l'esbrouffe totale. Par contre, sur la forme, on flirte avec l'expérimental. Et un expérimental plutôt maîtrisé, il faut bien le reconnaître, et inspiré d'une part par Hergé, pour la ligne claire, et Williams S. Burroughs, pour sa technique du "cut-up" [1] (même si Burns ne l'emploie pas réellement telle quelle, heureusement). 

Nous nous garderons bien de révéler ce que ces trois tomes racontent vraiment tant la sortie du brouillard des deux premiers opus et les révélations finales, éclairant enfin toute la symbolique étrange ingurgitée au cours des planches, constituent une part importante du plaisir liée à cette lecture. Car c'est en effet loin d'être juste tordu ou simplement snob. Si vous aimez les récits classiques, avec une intrigue travaillée, Toxic et ses suites ne sont pas faits pour vous. Par contre, si vous avez envie de tenter une expérience de lecture hors du commun et très impactante (un peu à la manière du Lone Sloane de Druillet, même si le registre est très différent), cette trilogie cauchemardesque pourrait vous réserver de bonnes surprises.

Burns fait ici preuve d'une minutie dans le délire assez exceptionnelle. Rien n'est choisi au hasard, du découpage à la colorisation, jusqu'aux détails d'arrière-plan, tout est soigné et travaillé. L'atmosphère, oppressante et malsaine, est présente dans chaque ligne temporelle, les albums mélangeant passé, présent et monde onirique. Certaines cases fascinantes et troublantes attirent le regard pendant de longs moments, plongeant le lecteur dans son propre univers intérieur, bousculé par ces stimuli inhabituels. D'autres, rebutantes, provoquent rejet et malaise. Quoi qu'il en soit, on ne reste pas insensible à ces chocs continus, qui vont finir par faire sens et révéler une trame simpliste mais présentée d'une manière aussi folle qu'hypnotique. 

Burns est un bien meilleur illustrateur que scénariste, il suffit pour s'en convaincre de jeter un œil à quelques-uns de ses travaux, dont Sweet Dreams, un recueil d'illustrations brutes, en noir et blanc, sans aucun texte, qui pastichent les covers de romance comics et génèrent, par la puissance des expressions et le côté incongru de certains éléments, des émotions diverses et intenses. Dans la trilogie Nitnit, c'est cette même puissance évocatrice qui est à l'œuvre et vient secouer le lecteur, en prise avec une technique narrative fragmentée aussi habile qu'éprouvante. C'est donc avant tout à une expérience graphique viscérale qu'est convié le curieux, parfois amené à cette découverte par les références visuelles à Tintin, qui ne sont finalement qu'accessoires dans ce long parcours halluciné.

Une expérience BD à part, à réserver aux adultes désirant explorer une autre facette de l'art séquentiel.
Les trois tomes sont disponibles aux éditions Cornélius.

[1] Le cut-up est une technique littéraire purement formelle, consistant à prendre des fragments d'un ou plusieurs textes pour les réarranger au hasard ou selon l'inspiration de l'auteur. Le procédé est censé créer des sensations plus qu'une intrigue réelle, évidemment, ce qui le limite très fortement.