Une Rose pour l'Ecclésiaste
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Pour qui connaît déjà Roger Zelazny par ses romans plusieurs fois primés (que ce soit sa saga des Princes d'Ambre ou l'énorme Seigneur de Lumière - cf. cet article), il semble nécessaire de découvrir également ses nouvelles : l'auteur américain, mythologue acharné et brillant universitaire, s'est en effet révélé au monde SF par le biais de ces courts récits très prisés des revues populaires, décrochant précocement de nombreux prix grâce à sa prose ambitieuse et ses visions exaltées.

Toutefois, aborder ses nouvelles a posteriori apparaît déconcertant : on y retrouve certes les principales préoccupations de l'écrivain entré en littérature au début des années 1960 (les panthéons mythologiques, les destins tragiques, une forme d'humanisme lettré abondant en citations) mais sans la trame luxuriante de ses grands récits eschatologiques, sans l'épopée et les décors scintillants d'une fantasy décomplexée. Une lecture déroutante donc, mais qui mérite le détour, tant le talent de l'écrivain est patent.
Une rose pour l'Ecclésiaste, petite compilation de quatre textes traduits en 1980 par Michel Deutsch, est un excellent choix sur le papier : d'une part par sa préface enthousiaste d'un Theodore Sturgeon complètement sous le charme de la plume envoûtante et cultivée d'un auteur déjà fascinant mais encore à l'aube d'une brillante carrière ; d'autre part car elle regroupe plusieurs nouvelles récompensées par un Hugo, un Nebula ou d'autres prix littéraires spécialisés. Nous voilà prévenus : ce sera du lourd. Mais de quoi parlent-elles ?

1. Tout d'abord Les Furies : dans une galaxie conquise par l'Homme, trois individus en marge de la société mais disposant de dons surhumains font cause commune pour traquer et capturer un renégat, ancien soldat désormais voué à la destruction d'un gouvernement qu'il a naguère servi. Le glissement progressif du point de vue, nous amenant sans qu'on s'en aperçoive à comprendre les agissements du rebelle, n'est qu'un des points nodaux d'une histoire qui, dans sa conclusion, devient archétypale. La farouche épopée de Victor Corgo, "l'homme qui n'avait pas de cœur", nous rappelle parfois le récit désabusé et mélancolique du Consul dans l'Hypérion de Dan Simmons (cf. cet article).

2. Le Cœur funéraire nous ramène sur Terre dans une ambiance fin de siècle qui fera écho de manière stupéfiante à la saga The Wicked + The Divine de Gillen & McKelvie (cf. cet article): ici, un jeune homme fera tout pour entrer dans le cercle très fermé d'une communauté décidée à braver l'éternité. Ses membres, triés sur le volet, se font régulièrement cryogéniser pour ne sortir qu'à l'occasion de grandes fêtes célébrant la vie et la beauté : ils semblent ainsi ne pas vieillir tandis que le monde défile devant leurs yeux blasés, que les technologies changent même si les désirs et les pulsions demeurent les mêmes. D'abord par amour, puis par défi, le jeune homme parviendra à ses fins mais n'en tirera pas les profits qu'il espérait.

3. Les Portes de son visage, les lampes de sa bouche... commence d'une manière plus classique, le témoignage à la première personne d'un "homme-appât" travaillant sur les océans de Vénus. Imaginez Matt Hooper dans sa cage de métal face au grand requin blanc des Dents de la Mer et vous aurez une idée de son job dont personne ne veut et pour lequel il lui arrive d'être grassement payé. Il décide de rempiler pour satisfaire la demande pressante d'une star médiatique qui veut à tout prix mettre la main sur une créature géante hantant les eaux vénusiennes. Et ce qui apparaît au départ comme le récit d'une quête perdue d'avance va petit à petit se transfigurer en une romance paradoxale entre deux êtres que tout oppose, un jeu de séduction à rebours où les non-dits pèsent lourds.

4. Enfin Une Rose pour l'Ecclésiaste nous entraîne sur Mars où les dernières tenantes d'une civilisation moribonde invitent un poète de renom pour tenter de traduire (et ainsi de partager) les textes fondateurs de leur culture presque disparue. Cela pourrait constituer un plaidoyer pour la défense et la valorisation d'une société dont on devine la splendeur (rappelant certaines allusions des Chroniques martiennes - cf. cet article) mais cela glisse insensiblement vers une histoire d'amour tragique, où le sens du devoir le dispute à la passion.




Hormis Les Furies, qui sort du lot, les nouvelles de cette anthologie sont fondées sur des histoires relativement simples, mais emberlificotées dans une écriture empesée, généreuse, mouvante et abondamment parsemée de fulgurances littéraires, de références culturelles pointues, d'une psychologie sinueuse et de personnages malaisés à définir. Par ses allusions, ses périphrases, ses ellipses et ses digressions exubérantes, Zelazny nous fait systématiquement perdre l'objectif du récit pour nous emporter sur des réflexions parfois pertinentes, parfois absconses, variant les points de vue et occultant la trame de l'histoire. Ce qui fait que la conclusion apparaît mécaniquement surprenante, nous dévoilant un aspect de la nouvelle qui était jusque lors masqué sans qu'on détermine avec précision si c'était volontaire (comme dans Les Furies, qui s'avère plus proche du conte des origines que de la nouvelle d'anticipation qu'elle semble être) ou un effet indésirable.

On se noie un peu dans les phrases très denses de Zelazny, et on y perd pied très souvent, d'autant que
les personnages manquent de caractérisation, parfois archétypaux, parfois désagréables, parfois encore simplement transparents, vecteurs d'un message obscur. La prose séduit, illumine l'esprit, mais l'intrigue ne passionne guère et l'émotion se dilue, même quand on découvre une histoire d'amour désespérée (Une Rose pour l'Ecclésiaste, le Cœur funéraire) ou une romance qui s'ignore (Les Portes de son visage, les lampes de sa bouche...). Les flamboiements de ces récits ressemblent souvent aux derniers sursauts d'un foyer qui a consumé toutes ses réserves, aux soubresauts d'une étoile mourante. 

Quatre textes néanmoins élégants, au style étourdissant, d'une rare densité, qui préfigurent le Zelazny moins fougueux mais plus méthodique des grandes œuvres qui suivront (Seigneur de lumière, Le Maître des rêves, Les 9 Princes d'Ambre).



+ Les points positifs - Les points négatifs
  • Une sélection pertinente pour qui veut découvrir le talent de l'auteur.
  • Des textes qui ont été régulièrement primés dans les conventions spécialisées.
  • Un style ample, plein de promesses et d'allant, aux tournures brillantes, polymorphe et riche en références.
  • Une lecture enrichissante.

  • Des personnages rarement séduisants, dotés de complexes et pervertis par des souffrances personnelles.
  • Des tournures qui déroutent le lecteur et questionnent parfois la pertinence de la traduction.
  • Des citations dont on ne parviendra pas toujours à capter les références.
  • Des ellipses narratives déconcertantes.
Vivarium
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Dans cette curieuse année tronquée qu'est 2020, certains des films prévus étaient attendus avec impatience, d’autres suscitaient une certaine curiosité. Vivarium était de ces derniers.

La crise sanitaire ayant eu les effets que l’on sait, beaucoup de films ont donc été annulés ou reportés. Voilà que The Jokers, fascinant éditeur hexagonal (il a à son catalogue des titres comme Brimstone, Bone Tomahawk, le très beau Mademoiselle, Green Room et surtout Parasite), met à disposition du public, sur la plupart des supports physiques (Blu-ray et DVD), cette production européenne, écrite et réalisée par Lorcan Finnegan. Ce cinéaste irlandais ne dira pas grand-chose aux profanes, ni même aux cinéphiles en dehors de ceux qui fréquentent les festivals et guettent les pépites en court-métrage, annonciatrices des futurs grands metteurs en scène : or le bonhomme a pourtant déjà glané une tripotée de récompenses pour des réalisations comme Foxes ou Defaced, dans lesquelles il traitait déjà d’un thème qui semble le préoccuper, le turlupiner même : le consumérisme de masse et notamment la frénésie de l’accès à l’immobilier. Son angle d’approche est néanmoins différent de métrages tels 99 Homes en ce sens qu’il s’attaque moins aux fondements du capitalisme qu’à son impact sur la psyché des consommateurs et leur vie sociale.

Droit dans ses bottes, Finnegan continue à explorer ses obsessions dans un long-métrage, son second après Without name. Le moins que l’on puisse dire, c’est qu’il a su captiver son audience et, sinon convaincre, du moins intriguer au point d’être encore récompensé, à Cannes cette fois (avec le Prix de la Fondation Gan). Il a su surtout trouver les partenaires financiers pour monter son projet avec des sociétés tant irlandaises (Fantastic Films) que belges (Frakas Productions), américaines (XYZ Films) ou danoises (Pingpong Films) ; le long défilé des logos animés introduisant le film en dit long sur le parcours du combattant qu’a dû traverser le cinéaste. Ce n’est pourtant pas cela qui aura fait venir les spectateurs au cinéma, ou qui feront acheter le disque : l’affiche (ou la jaquette) fortement teintée de surréalisme, et surtout le nom de l’acteur vedette, Jesse Eisenberg (hypnotique dans The Social Network, et que vous pouvez retrouver aussi dans The Art of Self-Defense) devraient convaincre ceux qui n’ont pas été séduits par la bande-annonce.
Le film est à l’image du projet : court, dense, sincère et curieux. Nanti d’un budget honnête plombé par certaines exigences artistiques et le cachet des acteurs principaux, Finnegan ne fait guère dans l’esbroufe et s’oriente très vite vers ce genre de productions qui plaît davantage par sa portée, son écriture, son excentricité ou son originalité que par ses effets, ses décors ou son casting, ces "petits films" pour lesquels on a souvent beaucoup d’indulgence à partir du moment où ils tiennent leurs promesses. Rappelez-vous le cas de Moon, qui n’avait pas eu l’heur d’une sortie en salles et avait tellement épaté les vidéastes qu’il a finalement pu être projeté par la suite. Les confidences de l’acteur principal et le buzz autour de sa sortie laissait présager un destin similaire, mais laissaient craindre aussi un scénario qui peinerait à aboutir, des enjeux confus ou mal gérés ou des effets spéciaux à la ramasse. 


Or, Vivarium s’avère finalement assez réussi et parvient à ne jamais dévier de son sujet de départ (même s'il choisit une narration volontairement ambiguë et donc frustrante) : après un singulier prologue animalier (qui peut donner une orientation aux interprétations qu’engendreront le script), le couple de personnages central prend vie à l’écran. Gemma est une maîtresse d’école britannique, elle est en quête d’un logement pour elle et son conjoint Tom (une sorte d’architecte paysager – ou simple élagueur ?). On comprend tout de suite que leur situation financière n’est pas au beau fixe et que ce ne sera pas une partie de plaisir. 
Les voilà dans une agence, en train de regarder les petits pavillons d’un lotissement nommé Yonder. Guère convaincus, ils acceptent toutefois, vraisemblablement par jeu, de suivre l’agent immobilier au teint blafard jusqu’à la maison n°9, sise dans une rue où toutes les habitations arborent ces nuances de vert. Ce dernier leur fait le tour du propriétaire puis disparaît sans crier gare, les laissant seuls. C’est au moment de quitter le lotissement que Gemma et Tom vont s’apercevoir qu’ils sont tout bonnement prisonniers : impossible de trouver la moindre voie de sortie de ce labyrinthe de maisons toutes identiques (et toutes inhabitées) ! Contraints de passer la nuit sur place, ils recevront d’abord de la nourriture (livrée sans qu’ils puissent en déterminer la provenance) puis… un bébé. Les instructions sont simples : il leur est demandé de l’élever en échange de leur libération. Mais le bébé, l’environnement, les aliments, tout est trop étrange pour que la santé mentale de nos héros ne soit pas affectée. Ainsi que la solidité de leur couple…


Dans ce décor restreint (quelques pièces de la maison, un jardinet, une rue), la caméra ne lâche pas les trois comédiens de cette famille artificielle avec un enfant qui communique par mimétisme et des parents qui refusent le rôle qu’on les oblige à endosser. La mise en scène est parfois ludique mais sobre, concentrée sur son histoire et ne s’attarde pas outre-mesure sur les surprises et happenings ; le ton est amer, désabusé, à l’image de cette palette de verts qui semblait si pimpante et devient petit à petit nauséeuse. Car tout dans cet univers respire l’artifice, l’irréel singeant la réalité (l’œil averti des spectateurs remarquera très vite le ciel et son étrangeté). Un monde comme issu des affiches publicitaires scandant les bienfaits d’un produit, les avantages d’un appareil, les merveilles d’un lieu de villégiature… On n’est pas très loin de l’appartement recréé de la fin de 2001, l’Odyssée de l’espace : c’est presque normal, mais trop beau, propre, net pour être vrai. Ou, du moins, c’est réel (la nourriture est mangeable, les appareils électriques fonctionnent) mais faussé, gauchi. Le choix est d’y vivre, ou d’y survivre. Et cette dernière proposition implique d’entrer en rébellion. Oui, mais contre quoi ? Ou qui ? Et surtout, comment ?
En ce sens, Vivarium fonctionne comme un épisode d’une série comme La Quatrième Dimension : le tempo est certes lent mais les péripéties sont nombreuses et ajoutent du piment à une ambiance délétère qui sape le moral des protagonistes, car si des révélations surviennent parfois, les mystères sont légion et permettent au cerveau du spectateur exigeant d’alterner les interprétations et les références. Pas révolutionnaire mais prenant et surtout cohérent, avec des interprètes convaincants, bien qu’on ait déjà vu Eisenberg plus inspiré ; heureusement, Imogen Poots, très expressive, campe une Gemma hésitant constamment sur la conduite à tenir, forte et fragile à la fois.


Le blu-ray est remarquable, proposant une image très précise et une palette de couleurs bien plus étendue que le DVD, mettant bien en valeur le travail de la direction artistique et du chef-opérateur qui ont choisi des éclairages spécifiques et une tonalité adéquate avec des tons pastel faussement rassurants pour un résultat oppressant ; l’influence des toiles de Magritte est patente. 
La VO comme la VF sont encodés en DTS-HD Master Audio avec une piste plutôt frontale, assez chiche en effets surround (surtout des entrées-sorties de champ), mais en revanche bien pourvue en basses fréquences qui retranscriront encore mieux l’impression d’étrangeté hantant cette maison qui semblait pourtant idéale. Les bonus sont suffisamment divers et riches pour continuer à intéresser l’acheteur, avec deux interviews (Jesse Eisenberg, lui-même producteur exécutif du film donc particulièrement impliqué dans sa genèse, et le réalisateur), une vidéo sur la remise du prix de la Fondation Gan et le story-board du métrage, ce qui ravira les cinéphiles qui pourront y trouver quelques divergences intéressantes avec le résultat final.
Un bon petit film, qui tient en haleine, déconcerte souvent (en ce sens qu'il se refuse à exploiter des trames explicatives, ce que certains trouveront forcément frustrant) et suscite interrogations et malaise.



+ Les points positifs - Les points négatifs
  • Un film intéressant, donnant à réfléchir.
  • Une production européenne loin des standards des super-productions estivales - donc moins formatée. 
  • Une durée relativement courte donnant plus de densité au métrage.
  • Une forme de huis-clos abolissant la notion de temps, limitant les décors et les personnages et augmentant la sensation d'oppression.
  • Quelques rebondissements bien sentis, et des développements imprévus.
  • Des parti-pris esthétiques cohérents.
  • Des interprètes convaincants.

  • Un tempo un peu lent, quoique correspondant à l'ambiance singulière du lieu d'habitation.
  • Un refus presque borné d'entrer dans des trames explicatives, qui peut dépiter les esprits rationnels.
  • Une seconde moitié moins forte que la première, scandée par des ellipses temporelles et une forme de désespoir.
Black Kaiser : du webcomic au film Netflix
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On aborde aujoud'hui Polar, une adaptation très particulière d'un comic plutôt âpre et violent.

Au départ, Polar est un webcomic (muet et essentiellement en noir & blanc, avec quelques aplats de rouge orangé) créé par Victor Santos, qui diffuse alors son récit sur son blog. Il ajoutera par la suite des dialogues à la demande de son éditeur, Dark Horse. L'histoire sera publiée ensuite en VF par Glénat. À cette occasion, l'éditeur comparera l'auteur à Frank Miller et Mike Mignola, deux énormes artistes passés maîtres dans l'utilisation des ombres, des contrastes et des ellipses visuelles. Et clairement, même si la volonté de s'inscrire dans cette mouvance est palpable, Santos est loin, très loin, d'approcher la maîtrise des deux légendes précitées.

Mais revenons-en au film, sorti l'année dernière sur Netflix et mis en scène par le réalisateur suédois Jonas Akerlund.
Sur le fond, l'histoire reste bien entendu identique à la BD. En gros, un ancien tueur professionnel, surnommé Black Kaiser, prend sa retraite et s'ennuie dans un trou paumé. Seulement, son ancien employeur tente de le buter afin de récupérer les 8 millions qu'il lui doit. Cela donne lieu à des scènes bien violentes, entrecoupées par une espèce de love story très tendre et discrète. Rien de très original donc.
Par contre, l'ambiance du film va très clairement s'éloigner du côté minimaliste du comic. Au point de flirter parfois, au moins en partie, avec la parodie.

Une partie du côté déjanté et presque burlesque d'un film qui s'en serait bien passé.

C'est peut-être ce qui déroute le plus dans cette adaptation : elle est beaucoup trop déjantée pour être prise au sérieux, et pourtant trop dramatique et touchante (par moments) pour n'être qu'un pur film d'action décérébrée.
Le patron de Damoclès (la société qui employait Kaiser) et les autres tueurs sont des caricatures improbables. Exubérants, survoltés, affublés d'accoutrements aux couleurs vives, on les croirait sortis tout droit de Dick Tracy (le pulp-navet de 1990, avec Madonna). Par contre, Black Kaiser, interprété par un magistral Mads Mikkelsen, est lui bien plus "réel", tout en retenu, en couleurs froides et en longs moments silencieux. Bien entendu, le fait de caractériser ainsi les protagonistes est totalement voulu et permet de séparer les personnages froids et sombres, malmenés par la vie (Kaiser et Camille), des salauds "virevoltants" et déshumanisés (ben... tous les autres). Le problème, c'est que ça se marie assez mal, un peu comme si on prenait le Clint Eastwood de Créance de Sang pour le plonger dans l'univers du Batman & Robin de Schumacher. Ça ne peut pas fonctionner parce que le registre n'est pas le même. Et c'est ce genre de dichotomie que crée ici Akerlund.

Du coup, on a l'impression de voir le résultat de deux films très différents qui auraient fusionnés maladroitement. Le côté "acidulé" est parfois amusant mais clairement aussi très superficiel, alors que le côté "sombre" est bien plus intéressant et profond mais souffre de cette cohabitation étrange.
Les scènes gore et ultra-violentes montrant les membres de Damoclès supprimer divers témoins font clairement dans la surenchère gratuite et frôlent parfois le ridicule (quand elles ne lui rentrent pas dedans de plein fouet), alors que les moments intimistes entre Kaiser et Camille sont subtiles et parfaitement dosés.
Ce fameux Black Kaiser notamment aurait pu n'être qu'un assassin froid et taciturne, alors que le réalisateur, ainsi que Jayson Rothwell au scénario, en font un type complexe, parfois maladroit, mais très humain et éloigné du stéréotype habituel. Lorsqu'il essaie d'adopter un chien, ou lorsqu'il achète un cadeau très "spécial" à Camille, c'est à la fois drôle mais tragique, et ça en dit long sur la solitude du personnage et son manque de pertinence et d'habileté dans les situations "normales", ce qui en fait quelqu'un de "fragile" (toute proportion gardée, ce n'est clairement pas le genre à pleurnicher s'il se coupe en se rasant) et émouvant. Même chose pour Camille, interprétée par Vanessa Hudgens, qui va s'affadir physiquement (tout en restant incroyablement séduisante) pour les besoins du rôle et livrer une composition étonnante et très "juste".

Alors au final, est-ce un chef-d'œuvre ou une grosse bouse ? Eh bien, ni l'un ni l'autre. Le film est déroutant mais agréable à regarder, porté par le charisme de Mikkelsen et quelques scènes sanglantes servant d'exutoire. Il traîne cependant son côté partiellement esthétique et "fun" comme une lourdeur anachronique et dérangeante qui nuit au lyrisme que l'on sent poindre ponctuellement et à la légende qu'aurait pu devenir le Black Kaiser.

On vous le conseille tout de même.




+ Les points positifs - Les points négatifs
  • Le duo Mikkelsen/Hudgens.
  • Le personnage de Black Kaiser, loin d'être aussi caricatural qu'on aurait pu le penser.
  • Les scènes intimistes et réalistes.

  • La vaste galerie de personnages improbables et surexcités.
  • Le mélange, pas très réussi, de deux genres fort différents.
  • Une certaine complaisance au niveau de la violence gratuite.
Caliban : Alien façon Garth Ennis
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Caliban est un peu la réponse maugréante et désabusée de Garth Ennis à la catastrophe que constituent les suites de la saga Alien (Prometheus et Covenant). L'auteur britannique n'est pas seulement un flingueur de mythes, c'est aussi un fan, presque transi, et il a saisi l'opportunité qui s'offrait à lui pour ressortir des cartons sa manière à lui d'envisager ce qu'aurait pu (dû !) être le cinquième volet de la franchise initiée par Ridley Scott.

Donc, cette fois, pas de super-héros, et Ennis semble même avoir mis de côté sa morgue habituelle, bien qu'elle transparaisse par moments dans certains dialogues toujours aussi percutants. La violence brute, oppressante et nauséeuse de Crossed (son ajout personnel à la mythologie zombie) ressort ici, mais sans constituer le vecteur principal : il y est certes question de survie, mais elle est supplantée par l'ambiance horrifique, glauque, liée à cette peur d'un inconnu aussi terrifiant qu'impalpable, indicible. Le mot est justement choisi pour qualifier la tendance à s'approcher, par le biais de la SF, des horreurs lovecraftiennes. L'illustration de couverture, si elle est tendancieuse et s'avère presque mensongère, reprend bien l'un des éléments récurrents de la dark fantasy, avec ces monstres tentaculaires surgissant de l'au-delà. Mais l'ennemi dont il est véritablement question est autrement moins descriptible, et bien plus retors.
Par bien des côtés, Caliban rappelle davantage Event Horizon qu'Alien, et la paradoxal huis-clos que constitue un vaisseau en perdition dans l'immensité cosmique dévoile ici un potentiel inexploité.

L'histoire débute par un accident, mais pas un banal carambolage sur une autoroute : alors que le vaisseau Caliban sillonne l'espace pour emplir ses soutes de minerai extraterrestre, un autre vaisseau surgit du néant pour, non pas entrer en collision, mais littéralement se fondre dans le Caliban. Le choc est moins spectaculaire, mais les conséquences sont terribles : avant même de comprendre ce qui est arrivé (comment deux objets aussi massifs peuvent-ils occuper le même espace ?), il faut d'abord relever les dégâts, colmater les brèches, s'occuper des survivants et se préparer au pire. Évidemment, une fois passés l'incompréhension et les réflexes désordonnés liés à une catastrophe imprévue, les membres d'équipage tentent de s'organiser, en utilisant au mieux les capacités de chacun. C'est là que l'écriture de Garth Ennis, même si elle n'atteint pas les sommets de The Boys ou Preacher, s'avère largement supérieure en terme de pertinence aux infâmes scénarios de Prometheus ou Covenant, dont les scientifiques étaient incapables d'agir autrement qu'en choisissant systématiquement la conduite à ne pas tenir en cas de danger. Garth Ennis met un point d'honneur à développer autant que faire se peut la psychologie de ses protagonistes et les rapports que chacun entretient avec autrui au sein d'une équipe disparate. C'est l'un des éléments de base d'une histoire tentant de passionner les lecteurs en les faisant trembler pour leurs héros.

Du reste, et assez vite, on s'aperçoit qu'on est en terrain connu : si la peur est engendrée par une situation inhabituelle dans des contrées hostiles ("Dans l'espace, on ne t'entendra pas crier...", vous voyez ce que je veux dire) et par une menace tapie dans l'ombre et impossible à détecter - sinon par les traces qu'elle laisse de ses forfaits - la survie est aussi provoquée par l'ennemi intérieur, le mouton noir, celui qui, pour une raison ou une autre ne réagira pas comme il faut et mettra ses propres intérêts en avant plutôt que ceux du groupe. C'est Ash dans Alien, Burke dans Aliens, le retour : mus par l'appât du gain ou des ordres contradictoires, ils sapent le peu d'organisation que met en place l'équipage. Même dans l'espace, l'homme est un loup pour l'homme, et pour peu qu'il n'y mettent pas un terme très vite, les survivants finiront par s’entre-tuer avant même de tomber sous les griffes de l'alien (si alien il y a !).
Cette menace sourde mêlée à un danger interne dont les personnages ne prennent pas conscience est régulièrement la base des meilleurs récits horrifiques : c'est sur ce point que Caliban se rapproche davantage d'Event Horizon, voire même de The Thing dont il reprend une partie de la structure.



Cela dit, l'aspect SF n'est pas qu'un décor et Ennis cherchera tout de même à proposer des pistes de lecture assez intéressantes, en dévoilant un univers futur assez sombre, où les Terriens ont essaimé mais n'ont jamais rencontré de civilisations extraterrestres, se contentant d'exploiter les filons des planètes extérieures pour alimenter leur berceau terrestre devenu presque irrespirable.

119 planètes et lunes, et pas une seule d'habitable. [...] La vie extraterrestre ? Oubliez. Un lichen orange trouvé sur un astéroïde, ou bien une sorte de mollusque pataugeant dans ses propres excréments sur une lune. Stations, vaisseaux et air recyclé pour tous. La lumière ? Artificielle.

Cette rencontre fortuite va bien sûr mettre à bas toutes leurs croyances, tout en menaçant la survie même de l'espèce entière. Toutefois le point fort du récit est plutôt la mise en avant de ses personnages, et notamment Sanchita et Nomi, deux jeunes femmes bien différentes, aussi modernes que le reste de l'équipage est classique.
Sur ce script bien calibré, presque sans surprise (c'est le principal défaut de ce comic référentiel, reprenant des bases déjà souvent développées par ailleurs), Facundo Percio construit une bande dessinée agréable, au montage dynamique et à l'encrage alimentant davantage l'ambiance oppressante des corridors obscurs, évoquant ainsi une menace invisible et meurtrière. Moins survolté que dans Anna Mercury, moins tourné vers l'action pure, il livre une prestation honnête et parvient souvent à satisfaire les exigences gore d'Ennis, (il y a quelques machins bien crades quand même) mais il manque aussi souvent de précision dans l'action, qui s'avère parfois confuse, et les visages ne sont pas toujours reconnaissables.

Komics Initiative a réussi son coup avec une belle édition (sortie en février 2020), nantie de suppléments intéressants (une préface par le Commis des Comics, une interview, des planches de travail), une traduction honnête du texte original (paru chez Avatar Press), une impression de qualité et un volume conséquent pour 18 € : d'autre éditeurs ayant pignon sur rue pourraient en prendre de la graine.




+ Les points positifs - Les points négatifs
  • L'horreur dans l'espace profond, ça marche toujours.
  • Garth Ennis, même sans surprise, ça reste une valeur sûre.
  • Des personnages féminins bien mis en valeur.
  • Une belle édition à un prix honnête.

  • Des situations déjà vues.
  • On a du mal à se démarquer d'Alien, tout en lorgnant sur d'autres récits d'horreur en huis-clos.
  • Des dessins perfectibles, parfois imprécis.
Free Guy
Par


Et si un simple PNJ se transformait en héros ?

Free Guy est un film basé sur un concept a priori original et au fort potentiel : un employé de banque, après un énième braquage, se rend compte un jour qu'il n'est qu'un simple figurant dans un jeu vidéo ! À partir de là, un tas de possibilités s'offrent à lui dans un monde complètement délirant.

Le pitch de ce long métrage, réalisé par Shawn Levy (Real Steel), avec Ryan Reynolds dans le rôle principal, donne plutôt envie... sauf que, lorsqu'on voit la bande annonce (ci-dessous), tout cela a l'air d'une comédie certes bourrée d'action, avec un gros paquet d'effets spéciaux, mais finalement assez prévisible.
On aurait aimé un traitement un peu plus consistant (lorgnant du côté d'un Truman Show par exemple).

M'enfin, on peut se tromper, peut-être qu'après tout Free Guy sera, au moins, un bon divertissement.

À découvrir en décembre.




Soutien à Astronogeek
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Cet article va être relativement court vu que, ce que j’ai à dire sur les dérives actuelles consistant à limiter la liberté des auteurs, condamner des ouvrages ou propos sans les remettre dans leur contexte ou se transformer en petit bourreau haineux au nom d’une "bonne cause", je l’ai déjà suffisamment développé dans les articles concernant la police de l'écriture, les œuvres anciennes qualifiées de sexistes ou le racisme 2.0.

Je voudrais simplement mais très fermement apporter mon soutien à Astronogeek, un type qui fait de la vulgarisation sur youtube et est devenu la cible de tarés sous prétexte qu’il a avoué (parfois de manière un peu maladroite) d’anciennes bêtises de gamin et une habitude sexuelle qui ne regarde que lui et sa compagne.
Je ne connais pas Arnaud, je ne l’ai jamais rencontré, je ne l’ai jamais sollicité pour un entretien sur UMAC. Il fait partie des gens que je suis occasionnellement, parce que l’astronomie est l’un des domaines qui m’intéressent.
Arnaud a la particularité d’avoir un ton très… spécial. Son attitude, sa façon de s’exprimer font que, en général, il a l’air d’être un peu condescendant lorsqu’il explique quelque chose. En plus, il est vulgaire. Il dit des gros mots, quoi. Ouh, le méchant ! Bon, honnêtement, étant moi-même habitué à entrecouper mon propos de divers jurons et expressions fleuries, j’avoue que ça ne me choque pas.
Arnaud a, de ce que j’en vois au travers de ses vidéos, deux autres particularités : il a des neurones qui fonctionnent bien et des couilles qu’il utilise à bon escient. Alors, pour prévenir toute éructation stupide de la part de certains demeurés, je précise "qu’avoir des couilles" est une métaphore, et que bien des femmes "ont des couilles" au sens où elles font preuve de courage.
Bref.

Il y a quelques jours, pour préparer un sujet sur la cancel culture (j’avoue qu’avant cela, je ne savais même pas que cette pratique de merde avait un nom), le fondateur de la chaîne Astronogeek a avoué sur Twitter (ouch, pas une bonne idée) des conneries de jeunesse et un truc complètement banal qui lui a valu un déchaînement de haine assez ahurissant, certains allant jusqu’à le dénoncer à ses partenaires publicitaires, écrire à son ancienne université ou menacer les vidéastes ayant déjà travaillé avec lui pour qu’ils prennent position et le condamnent. De jolis moyens de voyous, oui.
Tout ça parce que le gars a dit qu’il lui arrivait de réveiller sa compagne en lui faisant l’amour (pratique qui marche dans les deux sens, puisque, elle aussi, se met à le caresser parfois pendant qu’il dort). Et ce truc totalement normal entre deux adultes consentants formant un couple complice depuis des années a été qualifié de… viol (sic). 

J’avoue que là, je suis outré, scandalisé et… terrifié du niveau de connerie ambiante. Comment peut-on comparer une habitude sereine, acceptée et complice avec un "viol conjugal" ?
Pour être honnête, précisons qu’Arnaud termine son post par "certains pensent que c’est un viol, et je m’en bats les couilles". Ce qui ne veut pas dire "je m’en fiche des viols", mais bien "je me fiche de ce que vous pensez des pratiques consenties qui ne regardent que ma compagne et moi-même".
Mais ça, on ne peut le comprendre que si on est à peu près équilibré, sensé et honnête.

Ce que subit ce youtubeur, à la base vulgarisateur scientifique, depuis quelques jours est incroyable.
Et c’est nauséabond pour au moins six raisons :
– il n’a rien commis de répréhensible ou indigne
– des gens qu’il ne connaît même pas cherchent pourtant à lui nuire au niveau professionnel et privé
– il ne peut se défendre et ne bénéficie même pas du doute, il est étiqueté "salaud" directement, si ce n’est pire
– il est réduit à un comportement unique (qui ne peut définir un individu dans sa complexité)
– ce comportement est extrait de tout contexte de manière volontaire et fallacieuse
– certains en viennent même à mentir en déformant ses propos

Alors, dans le lot des grands courageux qui hurlent avec les hyènes et sont attirés par l’odeur du sang, il y a certainement des gens qu’Arnaud a vexé ou qui sont animés par un sentiment de jalousie, mais le pire, c’est que la grande majorité, sans doute, pensent sincèrement que ce type est une ordure.

Je suis également surpris de la réaction de certains de ses collègues, qui soit l’enfoncent (car ne "rien dire" est apparemment prendre son parti), soit le soutiennent du bout de lèvres tremblantes et glacées par les menaces des fachos fragiles, prompts à s’offusquer pour tout mais capables d’employer des moyens abjects contre ceux qui seraient simplement en contact avec les victimes de leur ignoble vindicte. Étonnante pratique de la part de gens qui s'affirment à la pointe de la justice et du progrès social. Et étonnant principe de "contagion" également, puisque être en contact avec une personne victime du sordide jugement de cette foule décérébrée fait d'un individu non un "complice" mais un exact clone de la personne "condamnée". Ah, ouais, c'est spécial.  

Je ne suis rien ni personne, mon "soutien" ne changera donc rien, mais je tenais à publiquement prendre parti pour un innocent, qui se prend des tonnes de bouses dans la gueule, de la part de merdeux qui n’ont rien à envier au "fascisme" et à l’oppression qu’ils pensent combattre.
Je vous conseille d’ailleurs le visionnage de cette vidéo, puis de celle-ci, qui expliquent la position (et contiennent les excuses, un comble) d’Arnaud.

Je suis en tant qu’auteur du côté de celui que l’on tente de museler. 
Je suis en tant que citoyen du côté de la justice et des droits qu'elle est censée garantir. 
Je suis en tant qu’être humain du côté de celui que l’on maltraite. 
Je suis du côté d’Astronogeek.


Plus les moyens de diffusion se font merveilleux, plus barbare, atterrant et choquant est leur contenu.
Arthur C. Clarke

De la technique dans l'Écriture #4 : La Peur
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Cet article est une suite directe aux trois parties rassemblées dans ce dossier.
L’on va s’intéresser ici à un sujet très précis qui concerne la manière de susciter la peur lorsque l’on écrit. Et pour être honnête, il faut même carrément se poser la question de la possibilité de susciter un tel sentiment, car, comme on va le voir, il n’est pas aisé d’effrayer un lecteur.

Le roman est certainement le medium, ou support, le moins approprié lorsque l’on décide de terroriser son auditoire. Autant au cinéma, il est très facile de faire peur, autant dans un roman, c’est une mission très compliquée. Essentiellement pour des raisons techniques. Prenons le "jump scare" par exemple, procédé dont bien des réalisateurs abusent dans les films d’épouvante. Il s’agit juste, en réalité, d’un effet de surprise, basé sur un changement de rythme, une irruption soudaine, chose qui est impossible dans un roman, où rien ne peut "surgir" brusquement et dans lequel, de toute façon, le lecteur contrôle le rythme. Il en est de même de certains artifices, comme l’ambiance musicale. Alors qu’un réalisateur possède plusieurs outils efficaces pour effrayer ses spectateurs, le romancier, lui, se trouve en réalité un peu dépourvu de moyens.

Pourtant, il existe une vaste littérature d’épouvante. De Lovecraft à King, en passant par Peter Straub, James Herbert ou Clive Barker, pour ne citer que quelques plumes "horrifiques". Cependant, posons-nous la question, ces livres suscitent-ils en nous un sentiment réellement proche de la peur ?
Mais avant tout, pour que l’on parle bien de la même chose, il est nécessaire dans un premier temps de se demander ce qu’est la peur.

Techniquement, il s’agit d’une réaction physiologique involontaire (inconsciente en tout cas) face à une situation perçue comme dangereuse. Elle a pour fonction de préparer l’individu à la fuite ou au combat. La peur est donc une réaction universelle, incontrôlable et très utile. L’on ne peut pas, par exemple, supprimer la peur que l’on éprouve simplement en le décidant. Heureusement d’ailleurs, car c’est un mécanisme de survie très efficace. Par contre, on peut éviter, grâce à diverses techniques, la terreur, la tétanie, la panique, etc., qui sont des "désordres" de la peur (celle-ci n’ayant plus alors d’effets bénéfiques).
Lorsque l’on a peur de manière "raisonnable", l’on éprouve différents effets physiques, notamment dus à la décharge d’adrénaline : le rythme cardiaque s’accélère, tout comme le débit ventilatoire (le corps se prépare à courir vite ou à frapper fort), le flux sanguin est modifié, les yeux s’écarquillent (les pupilles se dilatent), l’on peut même, histoire de s’alléger, voir notre corps décider de lui-même d’évacuer urine et excrément ("se faire dessus" a donc un réel sens pratique, étant donné que l’on se débarrasse alors d’un "excédent de bagage", et donc de poids).  

— Quel est ton roman d'épouvante préféré, Sidney ? 
— Heu... je sais pas, je ne lis pas trop, moi. C'est pour un jeu, c'est ça ? Donnez-moi un indice, je l'ai peut-être vu en DVD.


Bien, maintenant que l’on a compris ce qu’était la peur, avez-vous la sensation d’avoir déjà éprouvé ça au cinéma ? Sans doute que oui, au moins fugitivement. Le fameux "sursaut" du jump scare va, au moins pendant quelques secondes, augmenter votre rythme cardiaque, vous arracher un cri, etc.
Avez-vous déjà éprouvé ça en lisant un livre ? A priori, non, jamais.
Et pourtant, bien des gens vont avouer avoir "eu peur" en lisant tel ou tel ouvrage. Parce qu’en réalité, les auteurs (les bons en tout cas) sont des petits futés, des sortes de prestidigitateurs des mots, qui vont vous donner l’illusion d’avoir éprouvé de la peur, alors qu’en réalité, ils ont recours à d’autres émotions.

L’un des problèmes, lorsque l’on souhaite effrayer le lecteur dans un roman, c’est l’impossibilité de contrôler le contexte et le rythme. Au cinéma, les spectateurs sont idéalement concentrés, dans le noir, et ils sont passifs. Un livre, lui, peut être lu n’importe où (sur une plage par une belle après-midi d’été, alors que des enfants jouent non loin) et son rythme dépend uniquement du lecteur (l’auteur ne peut rien accélérer, il n’a de contrôle en réalité que sur la structure du récit).
Mais si l’auteur ne peut pas faire peur directement, il peut tenter de susciter des sentiments qui sont souvent associés à la peur, ou un ensemble de sensations qui va donner l’illusion de sa présence.
Voilà par exemple trois éléments très efficaces lorsqu’ils sont combinés :
– l’empathie, l’identification : si l’on ne peut pas vraiment effrayer en littérature, il est très simple d’émouvoir et de créer peine et tristesse.
– le suspense, l’attente, la tension : c’est l’art qui consiste à évoquer quelque chose qui n’a pas encore eu lieu ou n’est pas encore bien identifié. L’inconnu est toujours générateur de stress.
– le malaise, la rupture, la réponse non appropriée : ici il s’agit, alors que le lecteur s’attend à un enchaînement logique, de s’écarter de ce qui est attendu pour créer un sentiment de gêne.

C’est ce mélange étonnant qui produit une fausse "sensation" de peur. Imaginez une recette de cuisine, nécessitant des ingrédients précis pour reconstituer le goût d’un aliment pourtant absent, ou un mélange de peintures, pour s’approcher d’une couleur spécifique.
L’identification (si elle est bien employée) permet de générer un sentiment violent. Or, une situation émouvante va être perçue, dans un roman, pratiquement exactement comme dans la vie réelle, au contraire d’une situation de danger. Vous n’avez pas peur si un vampire poursuit un personnage (vous n’êtes pas en danger) mais vous êtes réellement triste (toujours si c’est bien amené) quand Capuchon, le petit chat du personnage, se fait écraser par un 38 tonnes.
Cette émotion, c’est la glaise façonnable dont l’auteur va se servir. La "base", neutre, qui va permettre de construire autre chose.
Le stress va, quant à lui, permettre de conserver l’émotion dans la durée. En générant une attente, une tension, l’auteur va diluer l’émotion primaire (la tristesse par exemple) et lui donner par la suite un "autre goût". Imaginons que, cette fois, Capuchon soit entre la vie et la mort, le camion ne l’a pas encore écrasé, mais on le voit venir, se rapprocher, accélérer.
Enfin, la gêne, la rupture, va permettre d’épicer la scène et, en utilisant une réponse inattendue à une situation donnée, cela va donner, après coup, l’illusion de la peur.

Le masque ? Ben, c'est pour cette histoire de Covid, là... les gestes barrière, tout ça.
La machette ? Ben approche, je vais t'expliquer.

Imaginons que Capuchon soit sauvé in extremis par une petite fille, qui a vu le camion approcher et s’est ruée sur le chaton. Elle le prend dans ses bras, lui fait un gros câlin, quelques bisous, et elle le ramène chez elle. Elle demande à ses parents si elle peut le garder, ils ronchonnent un peu mais finissent par accepter. Elle a même le droit de dormir avec. Pendant la nuit, la petite fille se réveille et, prise d’une pulsion incontrôlable, elle met ses mains autour de la gorge de Capuchon et serre. Elle serre encore plus fort quand le chaton agite ses pattes et écarquille les yeux. Elle continue de serrer, le chat la griffe et s’échappe, affolé. Il tente de trouver un refuge, mais la chambre est petite, les issues fermées. Un méchant sourire aux lèvres, la petite fille se précipite, elle n’a qu’une envie : sentir le corps fragile et frêle se débattre entre ses mains. Capuchon fait un bond et file en dessous du lit, bientôt délogé par une Barbie lancée violemment. Il tente de grimper sur une armoire, rate son coup, se réfugie derrière un gros coffre à jouets, tremblant, apeuré. Son cœur bat vite et fort, il ne comprend pas, il pensait être en sécurité avec sa nouvelle amie. La fillette apparaît brusquement au-dessus du coffre, Capuchon n’a que le temps de bondir de nouveau, terrifié. Il aimerait tant que sa maman soit là pour le protéger, lui indiquer quoi faire. Mais il est seul, dans un lieu inconnu, en compagnie d’un monstre. Un monstre terrible. Implacable. Avide de sang.
Enfin, après une dernière course-poursuite, la fillette s’empare de la boule de poils en riant, elle pousse un cri rauque, mélange de soulagement et de jouissance…
Ahlàlà, heureusement que c'est fini tout ça. J'ai plus l'âge de hurler et courir comme une hystérique.
Bon, c'est pas tout mais, qu'est-ce que je vais bien pouvoir faire à bouffer ce soir ? 
Quand l’aube se lève, alors que le corps du chaton est raide et froid, la petite fille est toujours agrippée à lui. Un éternel sourire figée sur ses lèvres fines et humides.

Si l’on demande aux lecteurs ce qu’ils ont ressenti après une scène de ce genre (c’est ici à peine esquissé et bien trop rapide, cela demanderait, pour être efficace, une réelle préparation en amont et une réelle immersion dans un récit construit), beaucoup diront qu’ils ont eu peur pour le chat.
Alors qu’en réalité, ils n’ont jamais éprouvé un sentiment se rapprochant de la peur.
Mais un sentiment négatif violent, ajouté à une tension et une rupture dans la logique de ce que l’on s’attend à voir… ça donne quelque chose qui, après coup, dans les souvenirs, se différencie difficilement de la peur. Alors que, quand on le "vit", ça n’a rien à voir.

Il reste cependant à préciser quelque chose d’important. S’il est pratiquement impossible pour un auteur de générer une peur réelle (alors qu’il peut donner l’illusion de la peur sans aucun problème, cf. par exemple Le Horla, Maupassant jouant dans cette nouvelle sur de nombreux registres très efficaces), cela ne veut pas dire que vous, en tant que lecteur, n’avez jamais peur en lisant un livre.
Par exemple, étant gamin, j’avais l’habitude de lire des bouquins ayant pour thèmes les maisons hantées, le triangle des Bermudes, les vies antérieures, etc. Bref, des "histoires vraies" sur le thème du paranormal en général. Et je peux vous assurer que je flippais ma race, mais sévère (je devais avoir 12 ans ou à peine plus). Sauf que, c’est moi qui générais cette peur, pas une quelconque technique d’écriture.
Il convient donc de faire la différence entre ce qui relève de l’auteur et ce qui est propre à votre état d’esprit. Si vous ressentez réellement de la peur en lisant un livre (rythme cardiaque accéléré, débit ventilatoire important, sens surexcités, bref, tout ce que l’on a vu précédemment), il y a de grandes chances pour que cela vienne de vous. Et, en général, vous verrez que lorsque vous avez peur, ces trois conditions sont remplies :
– vous êtes seul
– il fait nuit ou au moins sombre
– vous êtes sorti de l’histoire (vous ne lisez plus, vous pensez à ce que vous avez lu)



Le troisième point (vous êtes sorti de l’histoire) est très important. Car, en réalité, même si vous êtes seul, en train de lire un roman d’épouvante, la nuit, "sous la couette", tant que vous lisez, vous n’avez pas peur. Vous éprouvez même en réalité du plaisir. Par contre, vu que le récit vous a conditionné, dès que vous en sortez, vous risquez de vous effrayer pour des choses a priori banales. Par exemple, en traversant un couloir sombre pour aller aux toilettes. Pourtant, là, ce n’est pas lié à une technique d’écriture. Vous étiez bien tant que vous lisiez, c’est le fait de sortir du récit qui vous fait flipper à l’idée d’accomplir un acte simple et banal. Même chose si vous entendez un bruit non identifié. Des bruits de ce genre, vous en percevez des dizaines tous les jours. Et surtout toutes les nuits. Mais votre cerveau ne vous met pas en état d’alerte, au contraire, il les ignore, car ils font partie des bruits de fond quotidiens (vent, craquement du bois qui travaille, robinetterie, animaux, circulation, voisin qui ferme ses volets…). Si à chaque fois qu’on entend un truc que l’on ne peut pas parfaitement identifier on devait l’analyser, d’une part on perdrait un temps fou à ne faire que ça, d’autre part, on deviendrait fou. Par contre, quand vous lisez un roman d’épouvante, si vous entendez un bruit, vous aurez plus tendance à vous "arrêter" dessus et à l’identifier comme "bizarre" (pourquoi ? parce que votre état d’esprit a été artificiellement modifié, vous êtes stressé, même légèrement). Mais là encore, il ne s’agit pas d’une technique d’écriture. Vous êtes juste en train de vous autosuggestionner. Vous éprouvez de la peur en dehors du récit, pas parce que le récit vous fait peur directement. Cette peur réelle, ressentie parfois dans la "vraie vie", va renforcer, par la suite, votre impression de récit "effrayant".
C’est exactement la même peur que l’on éprouve, gamin, lors des récits d’Halloween, au coin du feu, quand on est parti camper. Vous n’êtes pas effrayé par la qualité de la légende que votre pote raconte, mais parce que vous êtes au milieu de nulle part, en pleine nuit, et que vous vous projetez en dehors du récit.

Bien entendu, pour en revenir à la technique d’écriture, nous sommes loin d’avoir fait le tour des moyens techniques à la disposition des auteurs pour générer une impression de peur.
En plus des trois éléments déjà évoqués, l’on peut renforcer le malaise et le stress grâce à diverses astuces. Par exemple en employant des phrases plus courtes, voire même des mots sans phrases construites, avec peu de verbes, pour donner un effet saccadé qui s’associera inconsciemment avec le "souffle court" généré par la peur : "Mais il est seul, dans un lieu inconnu, en compagnie d’un monstre. Un monstre terrible. Implacable. Avide de sang."
Le choix du vocabulaire est lui aussi important, tous les termes négatifs auront sans doute un certain effet, mais des termes recherchés, rares, peuvent renforcer aussi le côté "malaisant".
L’on n’utilise donc pas la même construction grammaticale selon que l’on souhaite décrire une scène romantique, un moment drôle ou un acte odieux. En général du moins, car l’on peut aussi violer les règles habituelles pour donner un supplément de sens à une scène. Il ne s’agit donc pas dans ce cas d’ignorer la technique, mais de la contourner, ou de s’en servir différemment, dans un but précis.

C’est aussi, dans ce genre particulier des romans d’épouvante, ou plus généralement appartenant au genre fantastique (qui regroupe aussi bien la science-fiction que l’heroic fantasy), que l’on se rend compte que les mots ont un sens, précis, et un effet, réel. Leur choix est donc crucial. Quand Lovecraft décrit des lieux particuliers, liés aux Grands Anciens, il va ainsi parler d’abominations, de géométrie répugnante, d’alignements cyclopéens, de choses tordues, croulantes, poussiéreuses mais néanmoins vivantes et habitées. Quand, plus récemment, Adam Nevill décrit la forêt suédoise dans Le Rituel, elle n’a rien d’agréable ou de folklorique : elle est froide, boueuse, hostile, moche, sinistre, humide, et au final devient un lieu où l’être humain n’a rien à faire. Mais là encore, on est bien dans le malaise, pas la peur. Si vous comparez Cthulhu et le gros con qui vous emmerdait dans la cour, au CM1 ou en sixième, vous verrez qu’en réalité, un enfant, pas bien menaçant et plutôt stupide, vous a effrayé bien plus que la pire des entités lovecraftiennes.

Chaque art a ses contraintes, ses avantages uniques et ses limites réelles. On ne peut pas faire passer forcément la même chose, en tout cas pas de la même manière, en peinture, dans une nouvelle, en musique ou en bande dessinée. Le roman, s’il est réputé permettre une très grande liberté, a lui aussi ces impossibilités. En tout cas, en apparence. Car, c’est bien là toute la magie de l’écriture, le romancier peut inventer de nouveaux sorts qui permettront de combler les lacunes supposées de son domaine.
La peur des livres est une escroquerie. Mais pour une fois, les escrocs ne vous veulent pas de mal.


Keanu Reeves, comics & guerrier légendaire
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Keanu Reeves va incarner le personnage d'un nouveau comic, qu'il coécrira également.

C'est chez Boom! Studios que l'acteur américain va faire ses débuts en tant que scénariste sur une mini-série intitulée BRZRKR (Berzerker mais sans les "e", parce que comme ça, c'est plus facile à prononcer).
Reeves prêtera également ses traits au protagoniste principal.

Niveau intrigue, il s'agit de l'histoire d'un guerrier, pas tout à fait humain et né il y a 80 000 ans. Pour apprendre la vérité sur son existence (et accessoirement y mettre un terme), ce Berzerker a passé un marché avec le gouvernement américain, pour le compte duquel il accomplit diverses missions.

On nous promet quelque chose de sombre et bourré d'action (attention, c'est parfois sanglant et bien gore !), avec une thématique tournant autour de l'éthique et de la véritable nature de la violence. Grosso modo, du bottage de culs agrémenté d'un soupçon de spiritualité, voilà qui pourrait fort bien être jubilatoire si l'écriture est à la hauteur.

Cette mini-série, coécrite par Matt Kindt et dessinée par Alessandro Vitti, comportera 12 épisodes et débutera en octobre.


La Parenthèse de Virgul #30
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Hello les matous !
On revient aujourd'hui sur la toute première version d'Actarus et Goldorak. Souvenez-vous, en 2018, dans ma Parenthèse #4, j'avais un peu plaisanté sur ce dessin animé légendaire. Mais saviez-vous qu'il découlait d'un pilote, et que le robot destiné à devenir une star avait alors un look bien différent ?
Allez, cap sur les années 70 !

Gattaiger, le premier "puissant robot de l'espace"
En 1975, après Mazinger Z, grand ancêtre des séries de mechas, la Toei, géant de l'animation au Japon, décide de surfer sur la mode SF et le phénomène OVNI en créant un nouveau dessin animé mélangeant robots géants et méchants extraterrestres (Mazinger et Alcor se battaient, eux, contre un savant fou bien de chez nous). Cela donnera plus tard le célèbre Goldorak (ou Grendizer). Mais, dans un premier temps, un épisode pilote est produit sous le nom de Uchu Enban Daisenso, ce qui sera traduit par Gattaiger - Battlefield of the Space Saucers

Ce relativement court métrage raconte l'histoire de Duke Fleed, dernier survivant de la planète... Fleed. Tiens, le mec s'appelle comme sa planète ? C'est un coup à choper le melon, ça. Bref, le gars aboutit sur Terre après avoir volé un robot/vaisseau de combat : le Gattaiger. Mais le gaillard a trouvé le moyen de rameuter derrière lui les salopards d'extraterrestres qui avaient ravagé son monde natal. Ces derniers lancent une vaste offensive contre la Terre à l'aide de soucoupes pouvant se transformer en... tanks ou en dragons. Duke, forcément, file un coup de main pour les repousser (c'est la moindre des choses vu que c'est lui qui les a ramenés).

Il y a donc, dans ce "pilote", les grandes lignes de ce qui deviendra l'histoire d'Actarus, prince d'Euphor. Normal puisque Go Nagai est de la partie. D'ailleurs, si l'on met de côté les couleurs, le look d'Actarus (notamment sa tenue de combat) est très proche du modèle final. Le concept de robot géant et de soucoupe porteuse est déjà là, lui aussi. Par contre, l'aspect visuel du robot est très différent de l'ancien Mazinger ou de ce qui deviendra le futur Grendizer. On peut carrément aller jusqu'à dire que la filiation n'est pas évidente au premier regard. Mais bon, on ne va pas non plus lui faire passer un test de paternité au machin, hein ?
Le mieux, c'est que vous jetiez un œil sur les images qui suivent.
Miaw !

Ah oui, il y a aussi une love story dans Battlefield of the Space Saucers. Pour caser les origines de Fleed, l'exposition de la menace, l'histoire d'amour
et les inévitables combats en 30 minutes, vous imaginez bien qu'il a fallu y aller au chausse-pied, pas le temps de faire dans la subtilité. 

Fleed a déjà tout, ou presque, du look d'Actarus.

Le concept de robot géant et de soucoupe porteuse est déjà défini également.

Gattaiger, l'un des rares robots en net surpoids. Un anime "inclusif" avant l'heure.

À droite Mazinger Z, l'ancêtre. À gauche, Grendizer/Goldorak, le rejeton. Au milieu, celui qui est censé faire le lien entre les deux.
Un petit test de paternité s'impose peut-être finalement...


Entretien avec Neo035 (reconstitution & airsoft)
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Bienvenue Rémi, merci de nous accorder un peu de ton temps. Tu es passionné par la Seconde Guerre mondiale, tu pratiques l’airsoft, tu fais également de la reconstitution (assez pointue), tu participes à diverses commémorations, et tu as une chaîne YouTube te permettant de partager ta passion. Nous allons essayer d’aborder tous ces sujets et de les faire découvrir, par l’entremise de ton expertise, à nos lecteurs.

— Tout d’abord, pourquoi t’être spécialisé dans cette période historique en particulier ? 
— J’ai grandi dans le sillage de mon père, passionné d’histoire du XXe siècle principalement. J’étais toujours super heureux de retrouver la maison de ses parents dans laquelle étaient gardés des centaines de maquettes, chars et avions. Après, la culture cinématographique m’a un peu aiguillé avec des vieux films comme Quand les Aigles attaquent ou Le Pont de Remagen.
Et à l’âge de 7 ans, mon père m’a offert ma première boîte de figurines au 1/72ème. Des parachutistes US, ça ne s’invente pas ! C’était donc en 1996. Puis je me suis acheté, avec mon argent de poche, d’autres boîtes pour aller avec. Et pendant toute mon enfance, je peignais ces figurines au lieu d’aller jouer dehors ! Je suis ensuite passé à l’échelle de figurines 1/35ème et j’ai ensuite vu que des reproductions existaient en vrai ! Et qu’il n’y avait même pas besoin de les peindre !

— Commençons par l’airsoft, si tu le veux bien. Quel serait ta définition de la discipline ?
— Question très personnelle mine de rien, chaque joueur a sa propre définition, et sa propre manière de pratiquer. Pour ma part, je dirais que c’est un jeu collectif, à pratiquer d’abord avec ses amis, avant de vouloir absolument faire du challenge. Je préfère avoir une bonne tranche de rigolade que des engueulades parce que untel n’a pas senti une bille car il joue pour la gagne.

— L’airsoft continue je crois d’être dominé par les répliques modernes, les répliques WWII sont plus rares, certaines étant très chères… est-ce que, à ton avis, le milieu va évoluer ou l’airsoft "historique" est-il condamné à rester le domaine de quelques passionnés ?
— Je crois que le milieu sera toujours marginalisé, les répliques sont assez rares comparées aux M4 et AK et toutes les versions disponibles, et la fiabilité n’est pas tellement la première des qualités quand on pense airsoft WW2. Ceci dit, cela fait un "écrémage" naturel, l’airsoft WW2 étant parfois aussi poussé que le Milsim. Tout dépend des associations bien sûr. Mais un joueur d’airsoft WW2 pourra aussi passer dans le côté reconstitution, ce qui n’est pas possible pour un airsofteur « moderne ».

— Ton meilleur et ton pire souvenir en partie d’airsoft ?
— Le meilleur : une partie à Toulouse avec 150 joueurs et véhicules. Comme je n’avais pas de réplique avec une bonne portée, je me suis mis infirmier, donc c’était vraiment sympa de courir partout !
Le pire : une autre partie à Toulouse avec 50 joueurs et un véhicule. J’avais une Thompson, ma toute première, et je lui ai mis un canon de précision JUSTE AVANT d’aller jouer. Manque de bol, j’avais des billes cheap. Donc je n’ai quasiment rien pu tirer pour cause de bourrages. Et s’en est suivi des problèmes de batteries. Que du bonheur...

— Un tas d’idées préconçues sont véhiculées par les médias et les ignorants (je ne sais pas pourquoi je fais une distinction entre les deux…) sur l’airsoft, surtout pratiqué en uniforme. Tu as dû déjà recevoir un paquet de réflexions stupides, quelle est la pire chose que tu aies entendue ? 
— Il y a plein de choses négatives qui sont dites par les "non sachant", à plusieurs niveaux. Le pote qui ne connaît pas dira « vous jouez à la guerre », lorsque l’antifa primaire dira "vous êtes tous des nazis". Le média qui s’intéressera à l’airsoft aura une chance sur deux de vouloir le descendre, alors qu’on a les mêmes enjeux qu’un simple match de foot finalement. Seul l’outil sera différent. On n’utilise pas nos pieds mais des lanceurs. Et la réflexion la plus stupide est venue de collectionneurs eux-mêmes, qui m’ont traité de FARB (Fast And Researchless Buyer) alors que j’arborais un uniforme historiquement correct, mais dont ils ignoraient tout simplement l’existence.

— Justement, sur ta chaîne, tu fais des présentations de répliques mais aussi d’uniformes. Et contrairement à ce que l’on pourrait penser, se lancer dans la confection d’une tenue complète, c’est toute une aventure. Combien de temps cela prend-il en moyenne pour avoir une tenue, non réellement "finie" (car j’ai cru comprendre que ce n’était jamais le cas), mais au moins "portable" ? Par quelles étapes faut-il passer ?
— Tout d’abord, il faut de la doc. Qu’elle soit numérique, papier, orale (connaisseurs) et surtout des photos d’époque. Sans ça, vous pourrez acheter tout et n’importe quoi, il y aura peu de chances que ce soit bon. Une fois que vous savez ce que vous voulez (mes vidéos aident aussi), vous pouvez vous lancer dans l’estimation du budget, où acheter, etc. Et prioriser. J’ai moi-même un tableau Excel avec les pièces qu’il me manque pour commander au fur et à mesure pour tel ou tel uniforme. L’idée c’est de ne se plonger que dans un seul uniforme à la fois, pour ne pas se perdre. Évidemment, je ne peux plus faire ça depuis des années ! Je dois tout gérer à la fois si je veux faire tourner ma chaîne YouTube...
Et après, il faut oser porter l’uniforme pendant une sortie et demander des conseils aux autres. Ne pas hésiter à vouloir s’améliorer. Il vaut mieux être curieux que de rester dans son coin en se pensant correct.

— À propos des uniformes, pourrais-tu nous donner des exemples de détails "qui changent tout", de petites trouvailles auxquelles on ne pense pas forcément et qui t’ont rendu particulièrement fier ? Ça peut être aussi bien un accessoire rare qu’une astuce pour l’améliorer.
— Tout bête : la patine. Un uniforme neuf sera globalement moche. Mais comment faire pour le patiner si on ne peut pas le porter puisqu’il est trop neuf ? Cercle vicieux... Il faut donc patiner artificiellement votre uniforme. Il existe tout un tas de méthodes, en fonction de la matière, mais il sera primordial de s’intéresser à ce point dès le début. Après je ne dirais pas qu’il y a quelque chose qui me rend particulièrement fier, la fierté doit être, à mon sens, laissée de côté pour correctement pratiquer l’Histoire. Sinon ça se transforme en batailles d’ego et on oublie la raison pour laquelle on est là. (true story...)

— Combien de temps mets-tu pour réaliser une vidéo ? À quel point YouTube a pris de la place dans ta vie ?
— Très bonne question, je n’aurais pas mieux demandé ! Une vidéo unboxing me prendra une heure, à tout casser. Une vidéo d’uniforme me prend entre 2 et 6 semaines. Mais bien sûr, c’est en admettant que j’ai déjà tout le matériel et que je n’ai rien besoin d'acheter, sinon on rallonge les délais...
YouTube est devenu ma passion principale, avant même de faire des parties d’airsoft ou des reconstitutions. Je ne fais pas parti d’un groupe ou d’une association, et je me sens plus utile derrière une caméra que sur un terrain. Donc je préfère me dire que je suis d’abord un collectionneur qui aime partager avant d’être un reconstitueur ou un airsofteur. Résultat, je consacre entre 1 et 6 heures par jour à YouTube, quand j’ai du temps entre mon vrai travail et ma vie de famille, sociale, etc.

— Tu participes aussi à des reconstitutions, lors d’événements particuliers (commémoration du débarquement en Normandie, de la libération de Paris…), ça n’a évidemment plus rien à voir avec l’airsoft. Qu’est-ce que cela représente exactement pour toi ? 
— J’ai toujours commencé l’airsoft en me disant "quand je serai prêt, je ferai de la reconstitution". Ainsi, j’ai fait ma première sortie à 19 ans, en 2008, en Normandie. Les deux pratiques vont de pair je trouve, l’une permettant de montrer du matériel au public, l’autre permettant de réellement s’en servir. Seuls ceux qui ont eu à manipuler des chargeurs savent comment les ranger dans les porte-chargeurs, comment gérer l’équipement sur le brelage de manière pratique (pas la pelle sur le devant par exemple !). Ceci dit, le public est souvent présent en reconstitution, ce qui n’est pas le cas en partie d’airsoft, donc l’approche à adopter sera différente. Certains n’arrivent pas à faire la passerelle quand d’autres y arrivent très bien. Tout dépend de son niveau d’exigence, qui sera forcément différent si on ne fait que de l’airsoft, ou aussi de la reconstitution, qui sera beaucoup plus poussée.

— Toujours sur les reconstitutions, je sais par exemple que tu as déjà défilé, dans un véhicule militaire sur les Champs Elysées, en chantant la Marseillaise. Est-ce que tu as un autre souvenir, particulièrement émouvant, lié à un événement du même ordre ou une commémoration ?  
— Quand j’ai rencontré Spielberg et qu’il m’a proposé un rôle dans son prochain film.
Non, je déconne !! [part en pleurant]
Effectivement, remonter les champs en hurlant la Marseillaise était une grande expérience. Le refaire en 2019 également, surtout que je n’étais pas officiellement dans le dispositif (plus de place disponible).
Faire la marche des paras en 2010 a également été émouvant, je la referais bien un de ces jours ! Mais en vrai, je suis ému à chaque fois qu’un jeune me reconnaît, me demande une photo/un autographe, car je suis toujours étonné qu'on puisse regarder mes vidéos sur YouTube... !

— Voir des gens porter des uniformes militaires (allemands ou non d’ailleurs) peut très vite, chez certains béotiens, s’amalgamer à du "fascisme". Notre société est de moins en moins permissive et tente de contrôler la fiction, le jeu, les auteurs (cf. cet article ou encore celui-ci). Est-ce que tu as peur pour l’avenir de l’airsoft ou celui du domaine de la reconstitution historique ? 
— Oui, nous avons tous peur. Les réglementations sont de plus en plus restrictives, parce que c’est mal de se souvenir du passé, en atteste l’actualité tous les jours. Les cours d’histoire à l’école perdent de plus en plus de sujets, la pensée unique se met petit à petit en place, et la reconstitution historique vient à contre-courant de tout ça. Donc nous regardons tous d’un œil inquiet les interdictions des armes, les neutralisations qui massacrent les armes historiques (soi-disant pour notre "sécurité"... mais les lois créées suite aux attentats du Bataclan n’ont pas empêché un autre terroriste de prendre un poids lourd à Nice. A-t-on interdit les poids lourds, les couteaux, les voitures depuis ?).
Évidemment, je fais du gros raccourci, mais alors que nous ne faisons pas de mal en pratiquant notre passion, les lois viennent nous taper dessus. L’étape d’après sera sans doute l’interdiction pure et simple de l’uniforme allemand. Sous quel prétexte, on l’attend encore, mais ça va bien tomber un jour...

— Nous terminons en général nos entretiens avec une question bien particulière : si tu pouvais avoir un super-pouvoir, ce serait lequel et pourquoi ?
— Ce n’est pas tellement un super-pouvoir mais une super-envie : pouvoir vivre de ma passion ! Mais je sais que ça n’arrivera jamais, YouTube et Facebook me rappelant au quotidien que je ne suis qu’un marginal, et qu’il vaudrait mieux faire des vidéos "prank" ou de chats mignons.
Sinon... pouvoir remonter le temps, et ramener plein de casques de paras allemands du passé pour les mettre sur mon étagère dans le présent !


Un grand merci à Rémi/Neo035 pour nous avoir permis d'en apprendre un peu plus sur ces passionnants sujets. Nous vous conseillons vivement ses nombreuses vidéos de présentation d'uniformes, de répliques ou de personnalités. Vous trouverez également sur sa chaîne des tutoriels très utiles ou encore des courts-métrages. Bref, il y a de quoi faire si le sujet vous intéresse, le tout avec la petite touche d'humour spécifique au sieur Neo. Et si son travail vous plaît et vous semble digne d'intérêt, n'hésitez pas à l'aider en participant, même un peu, sur son Tipeee ou MyTip.


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