Par
Nolt
Le label Marvel Knights nous a pourtant habitués à des titres de qualité par le passé. Citons, parmi ceux-ci, Inhumans, Angel ou encore Fantastic Four : 4.
Le point commun de ces séries tenait dans un ton adulte, voire sombre, et un style graphique léché, s'écartant parfois des sentiers battus. C'est un peu ce que l'on retrouve avec 99 problems, sorti aux États-Unis en 2013/2014 puis publié en France par Panini. Malheureusement, un gros souci condamne cette publication au domaine de l'anecdotique.
Voyons cela en détail.
Le scénario est écrit par Matt Kindt (co-auteur de BRZRKR), les dessins sont de Marco Rudy.
Le point de départ du récit est plutôt alléchant : Parker répond à une annonce pour une séance photo. Se faisant, il tombe dans un piège. Le Tisseur va en effet devoir affronter un nombre hallucinant d'ennemis, tous rassemblés pour enfin précipiter sa perte.
Pourquoi pas ?
Sauf qu'en réalité, l'intrigue se résume au même schéma répétitif et ennuyeux : Spidey affronte un ennemi puis passe au suivant. Et encore, en fait d'affrontement, il s'agit surtout à chaque fois d'une rencontre rapide et brumeuse.
Mack se servait de cette forme expérimentale et ingénieuse pour appuyer son propos et notamment nous faire ressentir la gêne et le handicap de Maya, en utilisant le plein potentiel du medium BD. Rudy, lui, multiplie les expériences dans le vide, sans réel scénario pour les soutenir.
Là où Mack bouleversait nos repères et nous forçait à rompre avec l'habitude pour rentrer en empathie avec son personnage principal, Rudy ne parvient qu'à rendre les péripéties du Tisseur brouillonnes et nauséeuses. L'on peut même s'interroger sur la pertinence de certains "gadgets", comme le texte inversé qu'il faut lire dans un miroir.
Si l'on ressortait du formidable Echo heureux et fébrile (et en ayant tout compris, car si Mack innovait, il n'en devenait pas pour autant abscons), ce n'est pas vraiment le cas ici.
Les cinq épisodes, incroyablement répétitifs, se limitent à des changements de lieux (une maison hantée, un avion, une île...) et à quelques monologues intérieurs. Entre deux apparitions de vilains (Arcade, Venom, Carnage, le Hibou, le Rhino, Electro, l'Homme-Sable, Kraven, Mysterio, Nitro...), Peter se remémore quelques souvenirs sans intérêt et cherche à savoir s'il rêve ou s'il est sous l'effet d'une drogue.
Ce qui aurait pu convenir pour un épisode devient rapidement problématique lorsque la même recette bancale est longuement appliquée à toute la mini-série. Quant à la conclusion, elle n'est guère plus convaincante : révélation plate et morale minable viennent terminer de plomber le tout.
Au final, difficile de ne pas être déçu. Le potentiel technique était là mais l'ambition de l'aspect graphique aurait mérité une histoire solide pour éviter de tourner à la démonstration vaine et vide de sens.
| + | Les points positifs | - | Les points négatifs |
|
 |
|
Par
Nolt
 |
| Peu importe les fausses notes ou les cordes cassées, c'est le travail qui conduit au "talent". |
Lorsque je parle de métiers associés au livre, je vise spécifiquement les auteurs, traducteurs, relecteurs et éditeurs en devenir. Ce que je vais développer concerne déjà moins les graphistes, lettreurs, coloristes, dessinateurs et cetera (encore que, ça ne fera pas de mal, évidemment, mieux vaut avoir plusieurs cordes bien tendues à son arc plutôt qu'une seule).
Il m'arrive régulièrement, dans un cadre professionnel, d'évaluer le niveau en français de candidats à divers postes (traducteurs, adaptateurs, lettreurs, relecteurs...). Globalement, pas de surprise, c'est une catastrophe, même quand ces candidats ont suivi un parcours littéraire et ont obtenu des diplômes pourtant censés valider leur niveau.
Il y a toutefois, fort heureusement, régulièrement des exceptions [1]. Et ces exceptions sont toujours liées à un fait et un seul : ce sont des gens qui lisent. Et qui lisent beaucoup.
Il n'y a pas de secret, vous ne pouvez pas bien écrire (au sens littéraire mais même au sens scolaire) si vous ne lisez pas. C'est la lecture, notamment de romans (car les BD ne sont pas suffisantes), qui vous permet d'acquérir des automatismes, d'intégrer un savoir-faire, une aisance, de pouvoir reformuler une phrase bancale, de déceler les "accrocs", de faire passer des nuances subtiles ou de reconnaître un effet qui ne doit surtout pas être modifié.
Normalement, si vous avez une attirance réelle pour ce genre de métiers, vous aimez lire. Ce n'est donc pas une corvée de dévorer des romans. J'avais l'habitude de dire qu'un auteur, un traducteur ou un relecteur devrait lire au moins 50 romans par an. Ce qui est assez peu dans l'absolu, puisque ça fait moins d'un roman par semaine (or, un roman de taille moyenne se lit en deux ou trois soirées).
Mais, évidemment, cette moyenne s'adresse à des jeunes gens. Une fois les bases acquises (et alors que l'on a probablement moins de temps, car plus de responsabilités), il n'est pas forcément nécessaire de maintenir un tel rythme. Pour en avoir discuté avec mon boss et néanmoins ami Edmond Tourriol (auteur et traducteur), nous en sommes venus à considérer que le minimum requis se situait entre 500 et 1000 romans. Ça a l'air énorme, mais pas tant que ça.
Admettons que vous lisiez un roman par semaine (ce qui n'est donc pas un rythme de fou) à partir de 15 ans (ce qui est assez tard), à 25 ans, vous avez déjà englouti plus de 500 romans et vous avez donc un niveau qui, sur le marché actuel, vous place parmi l'élite. Et je ne plaisante pas.
Ceci dit, il reste tout de même un point épineux à aborder. Quoi lire ?
Eh bien d'abord et avant tout ce que vous aimez et ce qui vous fait plaisir. Encore heureux !
Mais, ce n'est pas toujours suffisant. Il faut introduire un peu de variété pour bien faire. Et c'est justement ce que l'on va aborder. Bien entendu, ce qui suit n'est pas forcément à suivre à la lettre, si vous faites l'impasse sur un auteur ou un genre, vous n'allez pas pour autant être nul ou entretenir de coupables faiblesses. Mais le principe, lui, reste valable : un seul genre ou quelques auteurs contemporains ne sont pas suffisants.
Ce qui suit n'est donc pas un "programme" à suivre scrupuleusement, mais un exemple de "cocktail", permettant de s'abreuver à toutes les sources essentielles. Vous pouvez fort bien remplacer un auteur classique par un autre, ou un trou du cul écrivant de l'autofiction par un autre (ça se voit que je n'aime pas ça, hein ? Ben, pourtant, il m'arrive d'en lire).
Comme j'aime bien les listes et les trucs bien nets, on va séparer ce qui suit en sept étapes (leur ordre est interchangeable, le tout est, à un moment donné, de les avoir toutes passées).
1. Les Friandises
Dans un premier temps, déterminez ce qui vous intéresse vraiment, ce qui vous attire, vous fait vibrer. Cela peut être un genre, une époque, un auteur en particulier, une collection, peu importe. C'est cela, ce que vous aimez, qui va vous fournir le gros des bataillons de livres dont vous allez vous délecter.
Perso, étant jeune, j'étais très attiré par l'épouvante. Le côté effrayant, surnaturel, transgressif me faisait sans doute vibrer. Puis, j'ai remarqué que dans le lot (quand je dis "dans le lot", à l'époque, je me tapais même la collection Gore, qui très honnêtement n'a pas brillé par sa qualité), il y avait un gars qui se détachait : Stephen King. J'ai donc commencé à acheter ses livres à lui, spécifiquement. Tout en conservant un intérêt pour tout ce qui sortait de l'ordinaire... je me laissais souvent séduire par une illustration ou un résumé de quatrième de couverture. L'important ici, c'est de satisfaire son intérêt, sa propre inclination.
2. Les Poids Lourds Incontournables
Si vous souhaitez demeurer un simple lecteur, ce qui est tout à fait honorable, lire uniquement ce qui vous intéresse est bien suffisant. Mais normalement, si l'édition en général vous attire, vous devriez être suffisamment curieux pour expérimenter un peu.
Et au-delà de l'expérimentation, il existe selon moi trois auteurs classiques incontournables dont tout auteur, traducteur, relecteur ou éditeur devrait avoir lu au moins une œuvre : Shakespeare, Racine et Rousseau.
Pour des raisons différentes.
Shakespeare, c'est presque devenu une expression courante. Lorsque l'on dit "c'est pas du Shakespeare", tout le monde comprend que l'on n'est pas en train de faire un compliment. Pourtant, peu ont la curiosité d'aborder les pièces de l'auteur (ce n'est pas très dur à lire en plus). Quand on bosse dans les bouquins, il faut connaître les légendes des bouquins. Un footeux (ce que je ne suis pas) sait qui sont Maradona ou Platini (enfin, j'imagine). Un homme ou une femme de lettres devrait goûter au moins une fois à cette légende de l'écriture.
Racine, c'est moins une expression, mais c'est selon moi encore plus important. Déjà, les francophones ont la chance de pouvoir le lire "dans le texte", sans une couche de trad par-dessus. Ensuite, c'est écrit en vers. Alors, je sais que le premier réflexe, c'est de se dire "oh, putain, c'est chiant". C'est normal, personne ne parle comme ça, donc, oui, c'est gênant au début. Je ne conseille d'ailleurs pas de lire du Racine à 12 ans, ni même à 16 (encore que, ça dépend des gens). Mais, une fois adulte, une fois acquis un bagage littéraire minimum, je ne puis que conseiller de s'y atteler. Non seulement parce que c'est aussi une légende, mais parce que c'est d'une musicalité, d'une efficacité et d'un lyrisme étourdissants.
C'est un passage obligé, ne serait-ce que pour avoir une idée de la diversité des genres littéraires et pouvoir remettre en perspective les théories de certains fâcheux qui pensent avoir inventé l'eau tiède.
Vous l'aurez compris, j'ai pour Rousseau un amour infini. Mais peut-être ne vous conviendra-t-il pas. L'idée, c'est de trouver votre Rousseau, votre phare dans la nuit, du moins, du point de vue littéraire (car les phares, dans une vie, sont en réalité multiples).
3. La Valse des Genres
La première chose pour varier vos lectures et muscler vos biceps littéraires, c'est d'aller puiser un peu dans tous les genres. Tout ne vous conviendra pas, c'est normal, mais il existe tout de même suffisamment de bons auteurs pour passer un bon moment, même lorsque l'on s'éloigne de sa zone de confort.
Pour ma part, j'éprouve peu d'intérêt pour les polars classiques, du genre "whodunit" [2]. Mais il existe bien des polars qui ne correspondent pas à ce genre très codé et se révèlent intéressants. Je conseille un bon Lindemuth ou un Panowich pour ceux qui aiment le côté rugueux et redneck du polar musclé. Ce ne sont pas des "passages obligés", mais la preuve que l'on peut dénicher des romans bien foutus et qui nous conviennent dans tous les genres.
En ce qui concerne l'heroic fantasy par exemple, sauf de rarissimes exceptions, j'ai un peu de mal avec ce genre. Mais j'apprécie Abercrombie, notamment pour son humour, son côté réaliste et sa narration brillante. L'on peut donc apprendre même d'un genre qui, a priori, ne nous attire pas.
L'idée avant tout ici est d'éviter de se restreindre en inventant des frontières absurdes.
4. Les Merdes Utiles
J'ai évoqué plus haut l'autofiction, ceux qui suivent un peu UMAC savent à quel point "j'apprécie" Christine Angot, une bécasse médiatique sans talent, sans technique et sans pudeur. Eh bien, je conseille de tenter à l'occasion d'aller au bout d'un de ses... trucs. Il ne s'agit pas de se torturer pour autant, bien entendu, mais il est toujours bon de savoir jusqu'où la déchéance peut aller en matière de littérature. C'est aussi, assez logiquement, en lisant des saloperies que l'on prend la mesure du gouffre qui sépare l'écrivain habile du bobo dégénéré.
Je ne suis pas tendre, OK, mais à un moment, il est bon de rappeler qu'il ne suffit pas de chier sur une toile pour devenir peintre.
5. Retour à la Littérature pour Enfants/Ados
Voilà un domaine sur lequel nous, auteurs et professionnels du livre, devrions toujours garder un œil. Même s'il existe des exceptions, la tendance générale en la matière est de tout simplifier. Par exemple en utilisant exclusivement le présent, en ne fonctionnant que par phrases simples et courtes, en réduisant la taille de certains anciens romans à la tronçonneuse, etc.
Or, si l'on se met au niveau (supposé) de l'enfant, le livre ne sert à rien. Pour tirer vers le haut le lectorat, l'auteur et son éditeur doivent toujours viser un "cran" au-dessus du niveau supposé du lecteur, le forcer à franchir une "marche" supplémentaire. Peu importe si un mot est compliqué, c'est comme ça que l'on apprend. Peu importe si l'on utilise l'imparfait du subjonctif, le nivellement par le bas n'est pas une fatalité. D'autant que les éditeurs, en se comportant ainsi, croient satisfaire ceux qui... ne lisent pas (et qui ne liront pas plus ces livres de second choix), alors qu'en réalité, ils privent les rares enfants encore intéressés par la lecture d'un contenu de qualité.
Cela permet aussi de constater que, malgré la grande tendance du moment qui consiste à glorifier tout ce qui est ou a été plus ou moins "populaire", eh bien, tout ne se vaut pas (cf. notamment la comparaison récente entre les Bob Morane à la ramasse techniquement de Vernes et les Langelot d'un Volkoff brillant) !
6. Essais, Bibliographies et Livres apparemment "chiants"
Le titre semble impliquer des lectures bien casse-couilles, mais en réalité, là encore, il suffit de trouver ce qui vous intéresse et le "bon" auteur. Étant jeune, j'étais notamment intéressé par la Seconde Guerre mondiale. J'ai eu la chance de tomber sur La Dernière Guerre (ou histoire controversée de la Deuxième Guerre mondiale), par Eddy Bauer, historien, journaliste et ex-colonel de l'armée suisse. Il s'agissait de l'édition publiée par Atlas, en 40 volumes. J'en garde encore aujourd'hui un souvenir fantastique. L'auteur décrivait machinations diplomatiques et actions militaires avec un grand sens de la narration, au point que cela se lisait comme un roman (même à 13 ou 14 ans). L'œuvre contient en plus des tonnes d'encarts sur les armes employées, des mini-biographies sur les belligérants principaux, des cartes très bien fichues, etc. Et surtout, Bauer a effectué là un travail d'historien, dépassionné, sans tomber toutes les cinq minutes dans le jugement de valeur comme c'est trop souvent le cas aujourd'hui. Ouvrez donc un livre consacré à l'époque, pas moyen de passer un paragraphe sans en venir aux "monstres", aux condamnations de principe et autres avis personnels. On ne demande pas à un historien de juger des actes, mais de les présenter, dans leur contexte, avec le plus de précision possible. C'est au lecteur, ensuite, de juger si c'est ou non monstrueux. On n'est pas débiles, on le verra bien que c'est horrible la guerre, les bombardements, les camps, tout ça.
Bon, c'est un exemple parmi tant d'autres, si vous aimez plutôt l'Antiquité, ou un personnage historique particulier, si vous préférez les traités de philosophie, ou les ouvrages de vulgarisation scientifique, ça marche aussi. C'est même mieux de piocher un peu dans tout si vous souhaitez "muscler" votre jeu et ne pas tomber de votre chaise d'étonnement dès qu'il vous faudra traduire ou corriger quelque chose qui dépasse votre domaine de compétence habituel.
7. Prix et Livres Imposés
Dans cette catégorie, l'on va retrouver les fameux prix littéraires très connus (Gongourt, Femina...). Bien souvent, c'est très sectaire comme sélection, certains ahuris considérant que la littérature de genre ne peut remporter de tels prix. Sans doute parce que ces snobinards n'en ont qu'une connaissance superficielle (car difficile de penser que 1984 ou Des Fleurs pour Algernon ne sont pas des œuvres littéraires majeures).
Je vous encourage à être plus intelligents que ces gens et à vous intéresser à ce qu'ils récompensent, d'autant que parfois, ça vaut le coup, comme par exemple Pierre Lemaitre, décrochant le Goncourt en 2013 pour Au revoir, là-haut. Ah, ils ne lui ont pas donné pour l'un de ses excellents polars hein, faut pas déconner, il fallait un sujet "sérieux" (comme si le polar, la SF, le fantastique, l'épouvante ou n'importe quel genre n'abordaient jamais des thèmes profonds, intelligents et dramatiques...).
Là encore, laissez-vous tenter par ce qui vous plaît. Parfois, même la rigidité intellectuelle et le conformisme peuvent vous faire découvrir un auteur qui était passé sous votre radar personnel.
Voilà, on a fait le tour. Encore une fois, c'est une façon de faire, il en existe d'autres. Mais si vous piochez dans ces sept catégories, tout en passant le cap des 500 romans, vous devriez commencer à avoir un joli bagage intellectuel et technique. Si en plus vous écrivez en parallèle, ça ne peut qu'aider. Et bien entendu, ça ne vous empêche nullement de lire des BD également.
Je vais maintenant vous révéler un secret qui va vous dégoûter mais vous faire économiser un peu d'argent : pour "bien" écrire, il n'y a justement pas de secret. Ceux qui vous vendent des méthodes pour "aller plus vite", "brûler les étapes" ou "réussir à coup sûr" sont des escrocs.
Bien souvent, les commerciaux vous expliquent qu'il faut trois choses pour réussir : le travail, le talent et la chance. La chance, convenons que l'on ne peut guère la provoquer (et si on la provoque, c'est alors une stratégie, pas un "coup de chance"). Occupons-nous donc des deux autres. Le travail, eh bien oui, il faut lire, beaucoup (mais est-ce un travail si pénible lorsque l'on aime ça ?), il faut écrire, analyser, comprendre les aspects techniques et logiques de l'écriture, aiguiser son style. Quant au talent, il y a deux façons de le définir. Soit c'est une simple prédisposition (qui ne suffit pas et qui ne permet aucunement l'économie du travail, simplement, l'on apprend alors plus vite). Soit c'est la capacité à venir à bout rapidement d'un travail complexe et à donner l'illusion de la facilité au profane, grâce à l'expérience accumulée. Dans les deux cas, le talent, c'est en réalité... du travail. Soit sa digestion et son appropriation plus rapide, soit son accumulation et la mise en place même inconsciente des routines et réflexes qui en découlent.
Je vais terminer par une anecdote connue. J'ignore si elle est vraie, mais même si elle est fausse, ce qu'elle dit du métier artistique reste correct et instructif. Je précise que l'on retrouve de nos jours cette anecdote dans de multiples variations sur le net, par exemple avec Picasso dessinant un portrait dans un parc. Je vous livre ici la première dont j'ai eu connaissance.
Un industriel avait commandé à Picasso, déjà très connu et reconnu, un logo pour son entreprise. S'adressant à un artiste renommé, il n'avait pas hésité à payer d'avance 50 000 francs (ce qui est énorme à l'époque). Le chef d'entreprise le rencontre un jour dans un restaurant et lui demande s'il a avancé sur le projet.
Picasso, qui avait totalement oublié cette histoire de logo, arrache une partie de la nappe en papier qui recouvre la table, il griffonne pendant quelques minutes, trois ou quatre, tout au plus, et tend son esquisse à l'industriel. Ce dernier est ravi, le logo est magnifique, élégant, original, encore mieux que ce qu'il aurait pu imaginer. Mais... quelque chose le turlupine.
— Monsieur Picasso, excusez-moi mais... ai-je vraiment payé 50 000 francs pour cinq minutes de votre temps ?
— Non monsieur. Vous avez payé 50 000 francs pour les trente années qu'il m'a fallu pour apprendre à faire ce travail en cinq minutes.
— Non monsieur. Vous avez payé 50 000 francs pour les trente années qu'il m'a fallu pour apprendre à faire ce travail en cinq minutes.
Si vous êtes futé, vous avez déjà compris.
Le talent, ce n'est rien d'autre que le travail, réel mais invisible, qui permet la réalisation exceptionnelle (dans sa rapidité ou son aboutissement) d'une œuvre.
Il n'existe donc pas de raccourcis pour la destination qui est la vôtre. Mais soyez-en heureux, car lire est souvent un bonheur, et si ce n'est parfois pas le cas, ce n'est ni la mine ni l'usine. Alors, faites avec.
Qui ne sait pas supporter un peu de souffrance doit s'attendre à beaucoup souffrir.
Jean-Jacques Rousseau
[1] Ça a l'air contradictoire mais ça ne l'est pas. Un événement statistiquement rare peut survenir très régulièrement. Vous avez par exemple très peu de chances de gagner une grosse somme au loto si vous jouez, mais des gagnants raflent régulièrement, chaque mois, plusieurs millions.
[2] Littéralement "qui a fait ça ?", dans le sens "qui est le coupable ?". Il s'agit de romans proposant une enquête, suivant une construction classique (exposition du crime, fausses pistes, etc.), et dont la résolution de l'énigme est le point d'orgue. Les romans d'Agatha Christie, par exemple, font partie du sous-genre "whodunit".
Par
Nolt
Le début du premier épisode installe tout de suite l'ambiance et la mécanique de cette série, écrite par Bert V. Royal. On retrouve une jeune fille, dans sa chambre, le matin de son anniversaire, trois ans d'affilée.
En 1993, Jeanette Turner fait partie de ces filles qui ne sont pas très populaires au lycée. Elle a des lunettes, un appareil dentaire, un style vestimentaire encore approximatif. Pourtant, elle est souriante, heureuse d'être réveillée par ses parents et son frère lors de ce jour si spécial.
En 1994, Jeanette a bien changé. L'action se déroule toujours dans sa chambre, le matin de son anniversaire. La jeune fille est transformée physiquement, plus jolie, plus sûre d'elle, et c'est cette fois son petit ami qui vient la sortir du lit.
En 1995, nouvelle transformation. Jeanette a les cheveux courts. Elle ne sourit plus. Pour cet anniversaire, son père vient de nouveau la réveiller. Mais il est seul, froid, cassant, et surtout il lui annonce que son avocate est là.
Qu'a-t-il bien pu se passer pour qu'en à peine deux ans, la vie de cette adolescente soit à ce point bouleversée ?
Cette introduction, brillante, fonctionne parfaitement et intrigue suffisamment pour que l'on ait envie d'en savoir plus. Elle permet aussi de présenter le fonctionnement narratif très particulier de la série. Chaque épisode retrace les événements de trois époques distinctes (le personnage, voire même la photographie de la série, sont suffisamment modifiés pour que l'on n'ait aucun problème pour se situer chronologiquement à chaque changement). De plus, à chaque épisode, le point de vue change également. L'on va ainsi alterner entre Jeanette et Kate Wallis, une jeune fille très populaire (mais pas du tout pimbêche), qui va mystérieusement disparaître, permettant indirectement à Jeanette de "prendre sa place" auprès de son petit ami et de ses amies.
Ce sont donc en tout six fils narratifs qui s'entrecroisent, ce qui pourrait sembler pénible, mais c'est orchestré avec suffisamment d'habileté pour demeurer parfaitement compréhensible.
Difficile d'en dire plus sans dévoiler des éléments qui valent la peine d'être découverts à chaque épisode. D'autant que les fausses pistes et les certitudes s'enchaînent, se défont, s'effondrent, reviennent encore plus solides, le tout modifiant sans cesse la vision que l'on peut avoir de l'intrigue et des personnages.
Mention particulière pour les deux jeunes actrices principales, Olivia Holt et Chiara Aurelia, qui rendent à la perfection la candeur puis la noirceur ou le désespoir de leur personnage. Les seconds rôles sont plutôt bons également (avec par exemple une Joy Wallis délicieusement détestable).
Le jeune âge des personnages principaux pourrait faire penser à une série pour ados, mais à partir du moment où c'est bien réalisé et intéressant, difficile de restreindre le public à une seule tranche d'âge. D'autant que les thématiques (le changement, l'apparence, la rumeur, le mensonge...) sont suffisamment universelles pour concerner tout le monde.
La première saison comprend 10 épisodes, une deuxième fournée a d'ores et déjà été commandée.
Divertissant et tendu jusqu'au dénouement, même si certaines scènes demeurent un peu téléphonées.
| + | Les points positifs | - | Les points négatifs |
|
 |
|
Par
Virgul
La bande-annonce de Spider-Man : No Way Home a enfin été dévoilée, et contre toute attente, elle donne plutôt envie.
Le film de Jon Watts, attendu pour décembre 2021, semble pourtant bien souffrir des mêmes tares que ces prédécesseurs : action se voulant spectaculaire mais en réalité soporifique car servant un scénario d'une rare indigence [2] ; vannes attendues peinant à arracher un demi-sourire ; effets spéciaux clinquants que même un amateur de tuning hésiterait à employer, etc.
Ce qui est normal, ce sont des films trop formatés et "produits" pour donner quelque chose de véritablement surprenant et intéressant. Mais... quand même, cette fois, sur le papier, l'idée est franchement excitante. En gros, l'identité de Parker étant connue de tous, ce dernier demande au Docteur Strange de jeter un sort pour remédier à cela et le replonger dans l'anonymat. Il faut cependant parfois se méfier de ce que l'on souhaite. Car un sort mal formulé peut avoir des conséquences catastrophiques.
Outre le fait que certains proches de Peter ne sauront plus qu'il est Spider-Man, le sort aura des effets apparemment désastreux sur le multivers, certaines réalités en venant à se "mélanger".
C'est dans cette percussion d'univers parallèles que se situe la possible bonne idée, notamment parce qu'elle permet de ramener sur le devant de la scène des personnages issus de la première trilogie, de Sam Raimi (qui était nulle, mais bon, l'idée reste sympa), ou des films de Marc Webb (qui étaient un peu mieux), mais aussi parce que cela permet d'unifier, au sein d'un multivers cohérent, les différentes adaptations (films ou séries) ayant été produites ces dernières années.
Encore une fois, en théorie, un tel mélange peut être savoureux. Dans les faits, on sait ce que ça donne, en comics par exemple. La saga Spider-Verse et ses suites (basées sur un principe similaire), même si elles alignaient un nombre phénoménal de Spider-Men et Spider-Women, se sont révélées poussives, mal torchées et sans grande ambition au final. D'un autre côté, Spider-Man : New Generation a tout de même été une belle surprise, ce film d'animation profitant lui aussi d'un mélange de différents personnages arachnéens (mais bénéficiant surtout d'un excellent scénario).
Du coup, à voir. On ne se fait pas trop d'illusions, parce que bon, on va pas nous la faire, mais on gardera tout de même un œil sur le binz à l'approche des fêtes.
[1] Pour un cinéphile adulte, ce sont toutefois de très bons films pour enfants.
[2] À comparer avec l'excellent Defendor, probablement le meilleur film de super-héros à ce jour.
Par
Nolt
En 1977 sort le single Le Temps des Colonies, de Michel Sardou. Titre lui-même issu d'un album riche en chansons polémiques, sorti l'année précédente.
Avec des titres comme Je suis pour, J'accuse, voire Les Ricains ou Les Villes de Solitude, issus d'albums précédents, le chanteur cristallise la haine et l'intolérance de certains extrémistes qui ne supportent pas d'entendre un avis différent du leur [1]. Cela va très loin, des manifestations sont organisées lors de ses concerts, pire encore, une bombe est retrouvée dans la salle de Forest National, en Belgique.
Prêts à tout pour jeter de l'huile sur le feu et empocher un peu de pognon au passage, deux obscurs béotiens vont même pondre un pamphlet intitulé "Faut-il brûler Sardou". Amis du bon goût...
C'est dans cette ambiance tendue et sordide que sort Le Temps des Colonies, titre qui devrait permettre à Sardou de "souffler" un peu, étant donné qu'il s'agit d'une chanson très second degré, se moquant des habitudes et réactions de certains colons.
Mais c'est bien entendu compter sans les professionnels de l'indignation qui, déjà à l'époque, avaient très peu de neurones et beaucoup de temps libre. Mais voyons donc en détail ces paroles censées véhiculer une idéologie pro-coloniale et une nostalgie coupable.
Moi monsieur j'ai fait la colo,
Dakar, Conakry, Bamako.
Moi monsieur, j'ai eu la belle vie,
Au temps béni des colonies.
Les guerriers m'appelaient Grand Chef
Au temps glorieux de l'A.O.F. [2]
J'avais des ficelles au képi,
Au temps béni des colonies.
Passons rapidement sur ce premier couplet qui plante le décor et installe le personnage. L'on comprend que le narrateur (et pas le chanteur) est un ancien colon qui regrette sa vie passée. Pour le moment, ça pourrait effectivement passer pour du premier degré, mais le "moi monsieur", pédant et répété, annonce pourtant déjà la couleur.
On pense encore à toi, oh Bwana. [3]
Dis-nous ce que t'as pas, on en a.
Y a pas d'café, pas de coton, pas d'essence
En France, mais des idées, ça on en a...
Nous, on pense !
On pense encore à toi, oh Bwana.
Dis-nous ce que t'as pas, on en a.
Dès le refrain, le doute n'est plus permis, il s'agit bien d'un titre humoristique, qui égratigne même l'ancienne politique coloniale au passage. Impossible de ne pas déceler la critique dans l'énumération des produits que la Métropole va chercher en Afrique et en Asie, ou encore la moquerie dans l'évocation des "penseurs" français.
Pour moi monsieur, rien n'égalait
Les tirailleurs Sénégalais
Qui mouraient tous pour la patrie,
Au temps béni des colonies.
Autrefois à Colomb-Béchar, [4]
J'avais plein de serviteurs noirs
Et quatre filles dans mon lit,
Au temps béni des colonies.
Le deuxième couplet s'offre le luxe de rappeler le tribut payé par les Africains lors notamment de la Première Guerre mondiale. Sardou ici rappelle un fait historique mais se moque en plus du colon qui, lui, trouve ça "normal" et éprouve une forme d'admiration pour ces gens servant de chair à canon et qui, au fond, ne comptent guère à ses yeux.
En prime, les paroles soulignent la possible débauche de certains, loin du jugement de leurs pairs et de la "bonne société".
Moi monsieur j'ai tué des panthères,
À Tombouctou sur le Niger,
Et des hyppos dans l'Oubangui,
Au temps béni des colonies.
Entre le gin et le tennis,
Les réceptions et le pastis,
On se serait cru au paradis,
Au temps béni des colonies.
Là encore avec ce dernier couplet, pas de soutien au colonialisme mais au contraire une nouvelle moquerie, visant cette fois ce que l'on appelait "l'œuf colonial" [5]. On bouffe, on picole, on bute une pauvre bestiole de temps en temps, et l'on s'encroûte.
Au final, il faut être d'une grande mauvaise foi pour lire (ou écouter) ce texte et en déduire qu'il soutient un quelconque colonialisme. En réalité, il s'en moque. Et il s'en moque en plus assez intelligemment puisqu'il se base sur des faits historiques tragiques et des habitudes peu glorieuses. Si un ancien colon entendait cette chanson, il ne se sentirait nullement flatté mais très probablement insulté tant le portrait qui est délivré ici est acide et à charge.
Eh bien, ça n'empêche pas pourtant certains journalistes d'encore considérer qu'il s'agit là d'un texte carrément "raciste", comme l'écrit en 2018 Alice Dutray dans Ouest-France (cf. l'image ci-dessous).
Ben alors Alice ? Trois conneries dans un paragraphe aussi court ? On en est où au niveau de la déontologie, de la nécessité de faire des recherches, du devoir d'objectivité, tout ça ?
Déjà, non, ce n'est pas la chanson la plus controversée de Sardou. La chanson la plus controversée, c'est Je suis pour. Ça a même failli très mal se terminer.
Ensuite, non, Sardou ne décrit pas une France coloniale "idéalisée", tu as vu ça où Alice ? Au contraire, il s'en moque de la France coloniale, d'une manière très évidente (mais encore faut-il prendre le temps de lire le texte de la chanson... ou avoir les capacités cognitives permettant de le comprendre). Et non, ce texte n'est pas "profondément raciste", c'est hallucinant ! À quel moment il le serait ? Quand il est précisé que le colon avait des serviteurs noirs ? Mais... c'est un fait ça, déjà. Et, si le colon regrette cette époque, Sardou, lui, se moque justement du colon et de ses habitudes.
Ensuite, non, Sardou ne décrit pas une France coloniale "idéalisée", tu as vu ça où Alice ? Au contraire, il s'en moque de la France coloniale, d'une manière très évidente (mais encore faut-il prendre le temps de lire le texte de la chanson... ou avoir les capacités cognitives permettant de le comprendre). Et non, ce texte n'est pas "profondément raciste", c'est hallucinant ! À quel moment il le serait ? Quand il est précisé que le colon avait des serviteurs noirs ? Mais... c'est un fait ça, déjà. Et, si le colon regrette cette époque, Sardou, lui, se moque justement du colon et de ses habitudes.
J'ignore qui s'occupe du recrutement chez Ouest France, mais visiblement, ça a l'air d'être plus proche des "portes ouvertes" que de la sélection minutieuse... car même si la conclusion de l'article est plus nuancée (sans doute pour des raisons judiciaires), le procédé est malhonnête et les affirmations fausses.
L'on peut ou non apprécier Sardou et ses prises de position (changeantes d'ailleurs, car à l'évidence, un individu peut changer d'opinion au cours de sa vie), il s'agit là d'inclination personnelle. Mais pour lui faire des reproches et l'accuser de xénophobie, il faut des faits, des arguments. Et pour que ces arguments soient recevables, encore faut-il comprendre ce qu'on lit (ou ce que l'on entend).
Le Temps des Colonies est une chanson amusante et caustique, qui ne fait nullement l'apologie de cette époque mais en souligne avec férocité les dérives. Le narrateur [6] est une sorte de tire-au-flanc embourgeoisé qui regrette son oisiveté passée et son statut social. L'on peut penser que le trait est trop appuyé, pas assez, que ce n'est pas si drôle que ça, ou au contraire que c'est hilarant, mais les mots, eux, ont un sens précis, qui s'étudie dans un contexte lui aussi précis. Et une chanson qui se moque aussi ouvertement des travers de certains colons et du système en place à l'époque ne peut aucunement être soupçonnée d'en faire l'apologie.
Allez, pour terminer, on va se l'écouter, quand même ! Ah, c'est sûr, c'est pas du Motörhead, mais on devrait revenir à du bon vieux metal d'ici peu de temps. Et puis, le côté rock, c'est pas juste dans les notes, parfois, c'est avoir les couilles de chanter à contre-courant. Et à ce niveau-là, Sardou n'a probablement rien à envier à personne.
[1] Guy Bedos ira jusqu'à dire que lui aussi était "pour... pour la peine de mort pour Michel Sardou". Une déclaration d'une stupidité et d'une violence stupéfiantes, qui reflète bien la fameuse logique des "grands humanistes tolérants", prêts à tout pardonner aux pires criminels (rappelons que la chanson parle d'un père dont on a assassiné l'enfant), mais n'hésitant pas à souhaiter la mort d'innocents qui ont l'audace de ne pas être sur la même ligne de pensée qu'eux.
[2] Afrique Occidentale Française ; gouvernement général regroupant, de 1895 à 1958, la Mauritanie, le Sénégal, une partie du Soudan, la Guinée, la Côte d'Ivoire, le Niger, la Haute-Volta, le Togo et le Dahomey.
[3] Terme swahili signifiant "chef", "patron".
[4] Commune algérienne, aujourd'hui renommée Béchar.
[5] En référence à l'aspect ventripotent de nombreux colons qui, entourés de serviteurs et n'ayant bien souvent qu'une activité physique modérée en regard de leur solide appétit, avaient tendance à emmagasiner les kilos.
[6] Il s'agit donc d'un personnage, que Sardou interprète. De la même manière, lorsqu'il chante "ne m'appelez plus jamais France" (dans Le France), l'on peut légitimement penser que Michel Sardou n'est pas un paquebot. Il se contente de le personnifier le temps d'une chanson. Oui, je sais que ça a l'air con à expliquer comme ça, mais c'est au cas où Alice passerait par là.
Par
Metal Heavydence
Avec les sorties de Hellrock (cf. cet article), Herzel ou Fireforce (qui sont belges, mais le chanteur-guitariste est français), plus celles à venir de ADX, Tentation, Titan, Existance et d'autres que j'oublie ou que j'ai raté, le constat est sans appel : le Heavy français va tout fracasser cette année ! Et il y en a pour tous les goûts : old school, speed, épique, burné. BREF ! Pas la peine de chercher très loin pour trouver du talent.
Cette fois, il sera question des bretons de Herzel. Le groupe formé en 2013 à Quimper est composé de Thomas Guillesser au chant, Gurvan Lardeux et Kévin Le Vern aux guitares, Mordiern Le Dissez à la basse et Ion Philippon à la batterie. Après avoir sorti Unis dans la Gloire, une démo très bien accueillie en 2015, l'attente fut longue avant de se mettre un album sous la dent. Mais voilà qu'en ce début d'année notre patience a été récompensé : Le Dernier Rempart sort le 19 mars 2021 et le verdict est très clair : c'est une tuerie.
La Flamme est un peu plus rentre-dedans, un peu plus "speed" puisqu'elle ne dure que 5 minutes 16. Alors les gars, on a déjà tout donné ? Ah non, du tout. Si le schéma de cette compo est plutôt spéciale puisque les paroles sont répétées deux fois, cela n'empêche pas cet hommage à Jeanne de Flandre d'être très réussi. Thomas nous montre même son talent dans les aigus.
L'Épée des Dieux démarre très fort. Après quelques accords de guitares bien sentis, c'est un "scream" qui nous entraîne à poursuivre l'aventure. Le riff est particulièrement bon ici.
L'Ultime Combat clôt l'album de la plus belle des manières. Les guitares interpellent immédiatement, encore une réussite de mélodie entraînante, encore un chant qui ne demande qu'à être repris par l'auditeur ou le public. La bombarde revient sur la fin de la chanson et termine l'album dans la plus pure tradition bretonne.
Le Dernier Rempart possède cette facilité d'écoute qui fera qu'on accrochera immédiatement. Mais il a aussi et surtout une richesse dans ses compositions qui fait que, petit à petit, on a l'impression de découvrir un nouvel élément auquel l'on prête une oreille plus attentive. L'album est une totale réussite et on ne peut qu'espérer voir un nouvel opus sortir au plus vite.
| + | Les points positifs | - | Les points négatifs |
|
 |
|
Par
Tacgnol
Dans un futur proche, la Terre a été dévastée par une guerre nucléaire. Les tentatives des super-héros pour l’empêcher ont échoué. Des siècles plus tard, les descendants des rescapés se sont organisés pour se maintenir dans un milieu hostile habité par de dangereux mutants.
Lors d’une chasse qui tourne court, une petite escouade découvre un sarcophage de survie et réveille par inadvertance son hôte : Wonder Woman.
La jeune femme de la couverture avec son regard noir et sa tenue rudimentaire annonce une Wonder Woman qui refuse de se faire marcher sur les pieds. La voici prête à en découdre. C’est vrai, elle a des comptes à régler : avec elle-même, mais aussi avec sa mère et l’humanité.
Daniel Warren Johnson, édité chez Delcourt avec Extremity, se charge du dessin et du scénario de cette variation autour de la super-héroïne, au sein du DC Black Label [1]. Il dépeint une Wonder Woman du futur qui va aider une communauté afin de la guider vers une terre d’accueil, Themyscira [2]. Rien de transcendant, l’histoire est somme toute classique. Nombre d’élus, de héros ont ainsi conduit des peuples : symbole d’un chemin vers la liberté, au fil des vicissitudes du trajet, où le temps permet de méditer sur ses peurs, le sentiment de fatalité et ses errances. Dans cet opuscule, l’auteur appuie les notions de pardon, de faute et de rédemption. Le convoi ne sera bien sûr pas épargné par des assauts de créatures terrifiantes. Wonder Woman, Diana, en cheminant avec son clan d’adoption, recouvrera ses souvenirs, alternés par tant de siècles assoupis. Elle devra prouver sa bravoure, son courage et conquérir sa place de guide. Ses pouvoirs, diminués par la guerre, la rabaissent à une presque humaine. Elle ne peut plus s’envoler. Elle doit jouer de sa persuasion et des forces qui lui restent, supérieures à celles que possèdent les locaux. La jeune femme, en quête de sens, reconnaît la portée de ses actes qui ont en partie engendré ce cataclysme. Perturbée par les enjeux politiques d’alors entre les humains et les Amazones (ses compatriotes), elle n’a plus su accorder sa confiance. Pourtant, elle souhaite aider tant l’un que l’autre et, si possible, les réconcilier. En elle s’entrechoquent les paroles haineuses de sa mère, les révélations concernant sa naissance, l’emprisonnement de ses pouvoirs, la rencontre avec un aviateur...
Tel un Golem, Wonder Woman fut façonnée avec de l’argile et du sang subtilisé à chacun des Dieux, Zeus inclus [3] [4]. Ce mélange de nectar divin la rend si puissante qu’elle est capable de surmonter un holocauste nucléaire. Sa "mère" vivait recluse avec les Amazones, car elle n’a pas pu supporter les trahisons des divinités et des humains qu’elle trouve sournois, égoïstes, fourbes. Sa fille est le produit d’une forme de haine et d’une soif de revanche. Mais elle redoutait sa progéniture, à qui elle enjoignit de porter des bracelets, façonnés dans un métal rare qui ne se trouve que sur leurs terres, pour brider ses dons.
Dans ce monde apocalyptique, les Amazones rôdent, métamorphosées en Haedras, des prédateurs sanguinaires, suite aux retombées nucléaires. Combien de temps s’est-il écoulé entre le Grand Feu et le réveil de Diana ? Dur à dire... des siècles, aux dires des autochtones, mais - on touche du doigt un des soucis scénaristiques - cela n’est pas visible. Le groupe de 1000 âmes que va rejoindre la jeune femme habite dans un château fortifié, "Fort Nouvelle Demeure" (camp new hope, en VO), non loin du Vieux Gotham, tout en expliquant qu’il se déplace en caravane et qu’il existe des clans rivaux (absents de l’album). Theyden, le maître des lieux, sévère et cruel, se comporte en tyran colérique condamnant à mort ses subalternes pour le plaisir ou pour faire respecter sa loi (sans penser à l’utilité d’une paire de bras, même enchaînés, en ces temps difficiles...), et s’octroyant l’avantage de prendre plusieurs femmes ; l’archétype d’un "méchant d’opérette" qui va vite s’aplatir devant Diana.
Leur bastion, un décorum digne du Moyen Age, possède des remparts que gardent des soldats en armures pourvus de lances, d’arcs et d’épées. Une taverne sert de salle commune et de réunion. Peu de vestiges des lieux et des objets préapocalyptiques, excepté des seringues pour endormir (avec quel produit ?), quelques canapés, des cadres pourris au mur, et un soupçon de véhicules... L’auteur effleure leur existence sans développer des points importants comme l’émergence de cultes, de pratiques artistiques, de philosophie, de projets de société surtout si des siècles se sont écoulés depuis le Grand Feu ! Brossés en quelques traits, ces éléments apporteraient la consistance et la cohérence à son univers. Comment se vêtent-ils ? Forgent-ils leurs armes ?Ces humains n’ont développé aucune stratégie suite aux assauts répétés des Haedras. Fort nombreux, ils sont bien dociles. Ils ne font que suivre leur chef et, sans hésiter, lorsque celui-ci est vaincu par Diana, ils s’en remettent à elle. Pourtant, ils ont pris le temps de bâtir une arène dédiée à des jeux sanguinaires. Les carences alimentaires et les maladies affectent à peine la population. Ne vivent-ils que de chasse et de cueillette ? Leurs ancêtres se sont-ils tapis sous terre dans des bunkers suite aux bombardements atomiques ? Quid des retombées radioactives sur le long terme... la végétation a tout de même repoussé ! Aucun d’entre eux n’a eu l’idée de cultiver ?
Si l’auteur a tenté une analogie avec des réfugiés de guerre, dans ce cas-ci, elle tombe à plat. Ces personnages ne l’ont pas connu ; les récits liés au Grand Feu se transmettent de bouche à oreille. Son univers apparaît comme un prétexte pour mettre en scène son idée de Wonder Woman, son envie de l’introduire dans un monde qui ne nous est pas contemporain, trouvant une excuse pour tout raser et y poser un contexte médiévalo-fantaisiste. Barbara, croisement entre une Amazone et un morceau de léopard, s’affiche comme un autre exemple : son hybridation est le fruit de scientifiques cruels qui n’ont pas lésiné à la faire souffrir tout en sacrifiant des animaux. Rien de plus qu’une justification pour expliquer son allure différente.
Sans oublier que l’humanité se cantonne uniquement aux États-Unis, son président [5] étant le principal responsable du déploiement des armes nucléaires contre les Amazones. Aborder la géopolitique mondiale aurait sûrement alourdi l’album, mais il existe forcément une manière de caser des enjeux plus complexes et subtils.
Diana se réveille dans une grotte : la Batcave ; le cadavre de Batman gît à l’étage, dans un canapé, toujours dans son costume, une bouteille près de lui ; il a abandonné la partie. Le manoir Wayne, très solide face aux explosions nucléaires, n’a pas été vaporisé. Quant à Superman, dans son palais accessible à dos de Pégase, il occupe son trône, tout aussi moribond. Un superman robot le supplée et refourgue à Diana et sa fine équipe gadgets et armes. La guerrière ira jusqu’à arracher la colonne vertébrale et le crâne de l’homme d’acier pour en revêtir son fouet de vérité (craignait-elle d’entendre des choses déplaisantes ?).
Quel avenir Wonder Woman, a-t-elle à offrir à ces milliers de pauvres hères ? Saura-t-elle endiguer les passions ? Le lecteur ne l’apprendra jamais... l’album se conclut bien avant d’avoir résolu ses questions : il ne se concentre que sur le cheminement intérieur de la super-héroïne.
Les thèmes du pardon, de la rédemption, du salut... courent tout au long de l’aventure. Loin d’être intégrés en finesse, savamment dosés et distillés d’une manière astucieuse dans les dialogues, les protagonistes ont une fâcheuse manie de s’excuser, de pardonner à tout bout de champ, de faire preuve de gentillesse et de bienveillance. Pénible ! L’histoire s’en voit alourdie, les personnages se figent dans ces instants alors que l’ensemble tient sur quatre chapitres. On sent la volonté de l’auteur de transformer Diana en Christ, un aveugle le remarquerait à travers le brouillard. L’écriture balance sa symbolique à la truelle, pour qui serait incapable de décrypter. Trop, c’est trop. L’overdose guette.
Les planches sont aguicheuses, fort belles. Le coloriste Mike Spicer apporte des ambiances (pesantes, oppressantes, désespérées...) à l’encrage parfois bourrin de Johnson. Son trait vivant, tantôt boueux, tantôt dynamique et violent, sied à ce monde ravagé et brutal.
Son graphisme, proche du travail de Paul Pope, est bercé par des influences communes, dont les mangas (Appleseed, Akira...). Cela s’en ressent dans le découpage des scènes d’action, le dessin des onomatopées incluses dans la composition, le choix de la police de caractère. Des plans larges et des pleines pages s’attardent sur les temps forts. Wonder Woman : Dead Earth n’est pas avare en images percutantes : l’extraction de la colonne de Superman, la mère de Diana devenue une Haedra, Diana contre Barbara (digne de figurer dans le manga Devilman, de Go Nagai), Wonder Woman qui chevauche pégase...
L’édition française bénéficie des traditionnels bonus tels qu’une galerie de couvertures, des croquis et la retranscription d’un entretien entre Daniel Warren Johnson et Jim Lee, tout en autocongratulations...
Cet album autoconclusif apparaissait séduisant : une relecture post-apocalyptique de Wonder Woman, des planches au graphisme dynamique appuyées par un découpage efficace ainsi qu’une mise en couleur soignée. Hélas, le scénario s'enlise et n’offre guère de pistes de réflexion ni d’émotions fortes, et les personnages affichent un abyssal vide psychologique. L’univers déployé oublie la vraisemblance... Difficile d’être enthousiaste passé un feuillage rapide.
Si Diana n’était pas Wonder Woman, mais une super-héroïne inventée pour l’occasion, la face du monde n’en serait pas changée. Inutile de connaître l’Amazone, cette histoire est indépendante des autres comics.
Une tentative ambitieuse mais ratée.
[1] DC Black Label est une collection d’albums éditée par Urban comics. Le premier numéro est paru en octobre 2018. Elle réunit des récits courts, censément plus sombres et plus matures que les histoires super-héroïques habituelles.
[2] Une île de fiction dans l’univers DC où ne vivent que des femmes guerrières, les Amazones.
[3] Et on suppose aussi Athéna, Aphrodite.... bien qu’elles ne soient pas représentées sur la case en question dans ce livre.
[4] Diana possède-t-elle une âme ou n’est-elle qu’un pion ? Le mystère reste entier.
[5] Même pas une présidente, dite donc !
| + | Les points positifs | - | Les points négatifs |
|
 |
|
Par
Nolt
Tout d'abord, avant de nous intéresser à cette adaptation particulière, il n'est sans doute pas inutile de revenir sur cette nouvelle de H.P. Lovecraft, qui deviendra l'une des pierres fondatrices du mythe qu'il a inventé et sera même popularisée par le célèbre jeu de rôles qui porte son nom. Écrite dès 1926 et publiée en 1928, cette nouvelle raconte la découverte d'un culte ancien par un anthropologue héritant des biens de son oncle. Après une enquête et diverses rencontres, le brave homme est obligé, non sans effroi, d'admettre l'existence d'épouvantables et gigantesques entités venues des profondeurs de l'espace.
D'un point de vue pratique, le récit est basé sur des éléments épars, comme des coupures de presse, des notes, des carnets, etc. C'est donc peu à peu que le narrateur assemble les éléments du puzzle qui lui dévoile une menace aussi antédiluvienne que sinistre.
Sur le fond, rien de spécial, il s'agit d'un récit d'épouvante plutôt classique, basée sur la peur de l'inconnu et des "choses" cachées, vivant dans les ténèbres. Sur la forme, il y a déjà plus de choses à dire, le texte étant, de l'aveu même de l'auteur, plutôt moyen.
En réalité, la nouvelle souffre surtout du style de Lovecraft. L'auteur a en effet une particularité : il ne développe jamais ses personnages. Ceux-ci sont parfaitement interchangeables et sans âme. Ainsi, contrairement à un Stephen King qui, lui, se sert de ses personnages comme de vecteurs d'émotion, en les installant minutieusement, en les dotant d'un passé, d'un caractère, d'une "épaisseur", ceux de Lovecraft ne sont que des témoins d'événements les dépassant et n'ayant que très peu d'impact sur une vie personnelle dont ils semblent dépourvus. Le personnage lovecraftien raconte, témoigne, décrit, mais il ne vit rien.
Forcément, cela rend l'histoire moins intense (cf. cet article sur la peur dans les romans). D'autant que Lovecraft a aussi la manie de se répéter et d'utiliser des descriptions qui certes sont chargées d'adjectifs et de superlatifs, mais qui demeurent parfois dans un flou poétique qui nuit à l'immersion du lecteur, voire à la compréhension des différents éléments présentés dans l'intrigue. Tout est toujours "incommensurable" ou "vertigineux". L'on va ainsi découvrir des "blocs de pierre imprégnés d'horreur larvée", "quelque chose d'affreusement étranger à l'humanité, qui évoquait des cycles de vie immémoriaux et impies", "une indescriptible horde d'humains monstrueux", "d'horribles légendes", "des ombres immenses et répugnantes", "une géométrie faussée", "une statue malsaine", ou encore "des hiéroglyphes repoussants". Bien entendu, le choix d'un tel lexique contribue à installer une atmosphère inquiétante, mais difficile de savoir ce qu'est exactement une ombre "répugnante" ou des hiéroglyphes "repoussants". Lovecraft, assez maladroitement, impose la conclusion d'une démonstration au lecteur au lieu de justement démontrer en quoi ce qu'il décrit est aussi horrible et monstrueux.
D'autre part, il est très difficile de se représenter, et donc a fortiori d'illustrer, les monstres ou paysages cyclopéens que Lovecraft dépeint. Rappelons que selon l'auteur, la seule vision d'une entité ou d'une géométrie monstrueuse peut faire perdre la raison ou même tuer un homme normal.
Dans cette adaptation, grand format et plutôt luxueuse, c'est donc le défi principal que doit relever François Baranger. Ce dernier, dans un style sombre, minutieux, à la précision parfois photographique, va notamment représenter de fort belle manière les flots déchaînés, une R'lyeh menaçante ou un Cthulhu gigantesque.
Mieux encore, le côté "glacé" et parfois "flou" des descriptions de Lovecraft est lui aussi rendu, pour le meilleur et pour le pire. Certes les dessins sont fort beaux et contribuent à renforcer l'ambiance et l'aura de mystère qui englobe le récit, mais là encore, l'on va demeurer dans l'évocation plus que la démonstration parfaite. Tout ou presque est nimbé d'ombre, d'écume, de brume et de fumée, jetant ainsi un voile pudique sur ce que l'on nous décrit pourtant comme épouvantable et repoussant. Bien sûr, l'on est tout de même bien au-dessus de l'adaptation, par exemple, des Montagnes Hallucinées par Culbard, qui employait un style naïf et plat qui passait complètement à côté de l'ambition lovecraftienne, mais l'on demeure en dessous d'un Neonomicon, œuvre-hommage dans laquelle Moore insufflait de l'humanité et de l'émotion, tandis que le crayon de Burrows parvenait enfin à rendre visuellement ce côté dérangeant et défiant la raison.
Au final, voilà une très belle édition dotée d'illustrations ambitieuses, mais dont l'effet est limité par un flou artistique qui va à l'encontre de l'aspect répugnant et de la folie qui devraient imprégner l'univers des Grands Anciens.
Notons qu'une édition collector, baptisée Édition R'lyeh, est prévue pour octobre. La pagination annoncée est bien supérieure (112 planches eu lieu de 64), l'on peut donc sans doute parier sur des illustrations supplémentaires ou, tout au moins, quelques crayonnés.
| + | Les points positifs | - | Les points négatifs |
|
 |
|