Par
GriZZly
Elle cherchait l'inspiration, elle a trouvé l'amour.
Quoi de plus beau qu'une romance ?
L'inspiration manquait à Ro. Alors, elle a cherché un endroit isolé où se ressourcer. Elle trouvé a un vieux manoir où se remettre à la peinture. On lui a dit qu'il était hanté mais elle n'en avait rien à faire. Alors, elle a décidé d'occuper l'ancienne bâtisse... Alors, elle est venue à moi.
Et moi... Moi, je vais devenir ce qu'elle aime. Je peux être tout ce qu'elle aime. Je suis là dès qu'elle veut de moi. Je la rendrai heureuse.
Elle veut de moi. Elle a besoin d'inspiration. Je serai son inspiration. Elle a besoin de moi. Elle m'a peint, elle m'a donné forme sous ses doigts. Je l'appelle trésor et elle aime ça... Ce que l'on vit est irréel. Elle dit que je suis irréel moi aussi. Mais le réel est un concept fluide.
Elle et moi, nous nous blottissons dans la maison, dans la pénombre, et nous nous aimons... mais après plusieurs semaines de bonheur à être ce qu'elle aime, elle veut aller dehors. Pourquoi ? N'a-t-elle pas tout ce qu'il lui faut auprès de moi, avec moi, en moi ? Je suis ce qui l'aime, je suis ce qu'elle aime. Pourquoi ne suis-je pas suffisant ? Pourquoi veut-elle de la lumière ? Pourquoi veut-elle sortir là où je ne peux être ?
Il faut qu'elle m'aime à nouveau. Je la ferai m'aimer à nouveau.
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Celui que tu aimes dans les ténèbres est la première incursion du duo Skottie Young et Jorge Corona dans le genre horrifique (après la fantasy très légère de Middlewest) et le moins que l'on puisse en dire est que c'est une réussite formelle. Mais, qui plus est, cela s'avère être une réflexion métaphorique pertinente sur les relations toxiques de possessivité que peuvent développer certains êtres qui se vouent entièrement à l'objet de leur amour, ces âmes égarées qui, en couple, finissent par ne plus se voir qu'à travers les yeux de l'autre, par n'être plus vivants que par procuration.
Envoûtant, angoissant puis terrifiant, ce comic, paru dans la collection Indies de Urban, a le bon goût de maîtriser tout autant son ambiance que son sujet, son histoire que son esthétique et son message que sa narration.
Le dessin de Jorge Corona et la mise en couleurs de Jean-François Beaulieu sont des modèles d'adéquation au récit.
La lecture d'une bande dessinée horrifique a cela de particulier qu'elle nous oblige à voir, bien plus qu'un roman ou un film. Impossible ici de sauter un passage qui nous effraie et d'échapper au malaise en sautant les pages sans lire : les dessins s'imposent à nous, nous sautent aux yeux et s'agrippent à notre imagination contre notre gré ; impossible ici de cligner des yeux un peu trop longtemps pour éviter la scène que l'on sent venir et qui dérangera notre petit confort mental : il nous faut lire et tourner les pages, ça ne se fait pas les yeux fermés. Lorsque c'est bien fait, la bande dessinée d'horreur nous semble plus puissante que les autres médias en matière de restitution de cette inéluctable obligation de regarder l'indicible en face. Cet effet, qui nous avait déjà marqué avec Infidel de Pornsack Pichetshote et Aaron Campbell, nous le retrouvons ici encore par d'autres procédés et sous d'autres facettes.
Nous vous préconisons la lecture de Celui que tu aimes dans les ténèbres à une heure avancée de la soirée, lorsque les ténèbres s'emparent de votre foyer et que le moindre objet familier génère depuis sa base une ombre fantomatique glissant sur les murs, tel un amour transi désireux de se pencher sur vous pour vous étreindre de sa noirceur.
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Par
Vance
John Varley est apparu aux yeux des fans de science-fiction en 1977, avec un quasi chef-d’œuvre, le Canal Ophite, qui fit grand bruit lors de sa parution : une imagination débordante et une écriture sensible venaient enjoliver les solides bases scientifiques de ce physicien, qu’on croyait voir s’orienter davantage vers les parages rigoureux de la hard science : de fait, on retrouve davantage chez lui les préoccupations d'un Theodore Sturgeon (cf. cet article sur les Plus qu'humains) plutôt que l'assise scientifique d'un Hal Clement. Car ce qui compte chez cet écrivain singulier, c’est l’humain, l’évolution de ses personnages ainsi que les relations qu’ils entretiennent avec leurs pairs et leur monde, que ce soit sur une Terre d’un proche mais triste futur, sur Mars, Vénus ou encore un satellite de Jupiter. Et peu importent l’âge, le genre ou même les fragiles barrières métaboliques quand la science permet de réparer, remplacer ou modifier des éléments de votre organisme, au point de transcender le corps et de tutoyer l’immortalité : les interactions sociales demeurent et les rapports, physiques ou simplement amicaux, engendrent toujours leur lot de drames et d’incompréhension…
Malgré un accueil enthousiaste pour son roman, Varley s’est dans un premier temps principalement consacré aux récits courts, dans lesquels il excelle, accumulant un nombre invraisemblable de prix avant de faire une longue pause d’écriture. Entre-temps, il proposa un recueil de certaines de ses meilleures nouvelles (novellettes ou novellas suivant les acceptions anglo-saxonnes) qui a été traduit en France en 1979 et édité d’abord en deux volumes : Persistance de la vision est l'un d'eux, qui présente trois nouvelles et un récit un peu plus long dans un ouvrage plus qu'intéressant dont la lecture laisse une sensation étrange, une sorte de gêne aux entournures de la pensée, une gêne pouvant s'avérer… persistante. On ne sait effectivement comment réagir à ces visions très proches de nous, chargées de nombreuses préoccupations - toujours actuelles - sur l'avenir de l'espèce humaine, la manière dont elle va (ou peut) s'adapter pour évoluer ainsi que les travers qu'engendrera la course à l'immortalité promise par la science toute-puissante... Varley sait de quoi il parle lorsqu'il évoque les expériences virtuelles, les banques d'organes et les mutations : son verbiage scientifique est pertinent et clair, il n'apparaît pas dans le but d'obscurcir l'esprit ou d'emberlificoter inutilement ses intrigues. Néanmoins, ce qui l'intéresse avant tout réside dans les sentiments et émotions que ressentent ces êtres lancés dans une quête perdue d'avance, cherchant ailleurs le but d'une vie souvent misérable, parfois futile. Doté d'un humour corrosif mais dénué de tout cynisme, l'auteur explore librement des avenirs possibles au sein de notre système solaire au travers du regard de personnages généralement pathétiques bien que bercés d'illusions.
Une liaison qui ferait s’évanouir les bien-pensants actuels mais qui s’inscrivait plutôt adroitement dans les questionnements identitaires de la fin des années 70.
De quoi faire jaser les puritains, ce qui n'a pas empêché le récit de remporter les prix les plus prestigieux à la fin des années 70 (prix Hugo, prix Nebula et prix Locus, plus le prix Apollo pour le recueil de nouvelles), ce qui aurait tendance à prouver que les lecteurs, critiques et auteurs de SF savent voir plus loin que les limites de leur société étriquée.
Des textes emplis d'une imagination foisonnante servant des réflexions profondes sur l'individu, l'être et le paraître, et constituant un jalon indispensable dans la science-fiction contemporaine.
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Par
GriZZly
Je suis luminescent, je pète de la radioactivité, j'ai un clébard à deux têtes
et je suis la gardien inlassable d'un espoir bien vain... Je suis, je suis, je suis ?
Le monde a cédé à une violence échevelée et ce qui devait arriver arriva : "Ils l'ont fait, ces fous !"
Oui, on est sur UMAC alors vous avez évidemment tous la référence puisque notre lectorat constitue l'élite du net : une attaque nucléaire globale a ravagé notre planète et seuls les plus rapides ont trouvé le temps de s'en abriter.
Tarik Geiger, lui, a dû se sacrifier pour permettre à sa femme et ses enfants de se protéger juste avant l'impact d'une bombe dont il s'est pris le souffle en pleine face, le gavant généreusement d'une dose de radiations à faire fondre en une seule fois les prothèses mammaires de toutes les candidates de télé réalité du Monde. Pourtant, Tarik s’est relevé. Et Tarik est devenu pour les décennies à venir une véritable légende vivante connue sous le nom de "l'homme qui brille". C'est que son passé médical l'avait quasiment préparé à ce moment, voyez-vous...
L’Homme Atomique au corps phosphorescent est devenu le seul rempart entre l’abri où sa famille s’est réfugiée et la folie d'un monde qui n'a de cesse de s'effondrer.
À la suite d'une incartade avec quelques-uns de ses hommes, il devient la cible numéro un du nouveau roi de Las Vegas, un jeune excité prêt à tout pour démontrer à tous les survivants qu’il est le seul à pouvoir revendiquer le trône de dirigeant de ce nouveau monde irradié…
Au fil de l'histoire, de déception en désillusion, celui qui fut Tarik n'aura bientôt d'autre choix que d'investir l'énergie qu'il lui reste dans des enfants qu'il va choisir de protéger, malgré les menaces qui pèsent sur lui.
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Ce genre de démarche est souvent assez intéressante, en ce qu'elle offre différents points de vue à ce monde original.
Sans la moindre logique chronologique, le scénariste varie donc les époques, les décors et les styles pour nous narrer l'existence (parfois très longue) de divers protagonistes croisés par notre luciole humaine...
Super-héros, super-robots, super-méchants, super-clichés, tout s'y côtoie pour le meilleur comme pour le pire et, malheureusement, c'est un peu trop souvent le pire et le moins intéressant qui domine vers la fin de l'ouvrage où l'on sent poindre une certaine appétence pour le n'importe quoi.
L'ensemble est efficacement servi par le dessin de Gary Frank dont le trait réaliste est assez approprié au récit. Aussi bien le dessin en lui-même que la mise en couleurs sont d'ailleurs à nos yeux les principales raisons pour céder à la relecture de ce volume : c'est objectivement beau, méticuleux, net, précis et soigné. Chaque planche apporte son lot de détails qui accrochent l'œil et l'on se prend à en oublier le scénario au plafond parfois quasiment en contact avec le plancher pour céder à la contemplation du travail de l'artiste.
Au final, nous avons entre les mains une œuvre, parue dans la collection Indies de chez Urban, qui n'a rien de radioactif et qui peut être parfaitement recommandée à qui se satisfera de l'approche un peu pulp du sujet et du côté un peu kitsch de certains aspects du scénario.
Le personnage de L'Homme qui brille est au final assez charismatique et son destin tragique, à bien y regarder, est plus intéressant que ce que l'auteur en fait. L'on regrettera donc essentiellement l'exploitation à petits pieds d'une idée initiale bien plus intéressante que le résultat final. Comme lorsque l'on constate, par exemple, le croisement entre une jument et un zèbre : ça donne un zébrule, magnifique animal à l'apparence incontestablement splendide... mais stérile !
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Par
Nolt
1917. Paul et ses camarades s’engagent dans l’armée impériale du Kaiser, le sourire aux lèvres, heureux de faire leur devoir et de bientôt marcher sur Paris. Lorsqu’ils rejoignent le front occidental, leur enthousiasme est soufflé par la violence des bombardements, la saleté repoussante des tranchées et le hurlement des blessés, déchiquetés par la mitraille.
Pour ces jeunes gens, perdus dans un conflit qui les dépasse, commence alors une longue litanie de combats, d’attente, de privations et de traumatismes. Un an plus tard, l’armée allemande, qui n’a toujours pas pu exploiter la moindre offensive pour briser la ligne de front, doit faire face à l’arrivée toujours plus massive des Américains. De longues négociations s’engagent au plus haut niveau. Mais chaque jour, chaque heure, coûte des vies. Encore plus de vies…
Il est important, dans un premier temps, de s’arrêter un instant sur le roman éponyme d’Erich Maria Remarque (Im Westen nichts Neues), dont ce film est une adaptation. Il s’agit d’un récit s'attachant au destin de soldats allemands mais touchant à l’universalité. Le propos n’est nullement manichéen ou revanchard mais tend à condamner l’absurdité d’un conflit terriblement meurtrier. Et c’est plutôt bien fait. Car si À l’Ouest, rien de nouveau est un roman qui condamne la guerre, il le fait intelligemment et sans recourir aux propos vains et mille fois radotés d’auteurs qui pensent faire un exploit en enfonçant des portes largement ouvertes. De plus, si condamner ce conflit armé et ses responsables de nos jours ne demande aucun courage, il n’en était pas de même en 1929, date de parution du roman.
Ce roman a d’ailleurs été accueilli de manière mitigée à l’époque, certains auteurs reprochant à Remarque l’utilisation de personnages à la psychologie parfois caricaturale (ce qui peut s’admettre, effectivement) mais aussi des erreurs techniques concernant certaines tenues ou quelques armes, ce qui n’a finalement que peu d’importance, le propos de cette fiction ne résidant pas dans ce genre de détails.
Le réalisateur, Edward Berger, partait donc avec sous le bras un matériel de qualité. Restait à le mettre en scène de manière convaincante. Et force est de constater que si Im Westen nichts Neues n’atteint pas la beauté crépusculaire et la maestria visuelle d’un 1917, il en a le souffle épique et désespéré. Les scènes dans les tranchées sont impressionnantes, tout comme les combats au corps à corps, les bombardements ou les charges de blindés. Les moments de la vie quotidienne sont également porteurs de sens et permettent aux acteurs de livrer des prestations hautement honorables.
Alors, certes, l’on ne peut échapper à une certaine caricature, mais c’est le sujet qui veut ça. Difficile en effet d’évoquer les tranchées sans recourir à ce qui pourrait apparaître comme des clichés (le désespoir des soldats, l’inflexibilité des officiers, la peur qui ronge jusqu’à la folie, la puanteur omniprésente…) qui demeurent pourtant des faits bien réels.
L’on peut reprocher au film de passer un peu vite sur certains passages poignants et importants du roman, comme la condamnation de ces maîtres qui envoient les gamins dont ils ont la charge poursuivre une chimère, sans leur faire part des atrocités qu’ils préfèrent taire ou, plus probablement, qu’ils n’imaginent même pas. Mais globalement, le fond est parfaitement rendu. Plus qu’une condamnation de principe du recours parfois inévitable aux armes, il s’agit ici de dénoncer l’acharnement criminel, la transformation d’une société (allemande comme française) en machine à broyer des gamins et l’absurdité d’une guerre qui a consisté pour l’essentiel (sur le front Ouest en tout cas) à sacrifier des millions d’hommes pour quelques rigoles sanglantes, perdues dans un paysage lunaire. C'est un peu plus compliqué que ça, évidemment, mais sur un pur plan factuel, cela revient tout de même à ça.
Voilà un très bon film (qui se suit avec intérêt et même passion malgré ses 2h30) et une adaptation intelligente d’un roman dont la force reste intacte de nos jours. Certes nous ne sommes pas dans de la précision méticuleuse sur le plan technique, mais il s’agit après tout d’une fiction, non d’un documentaire.
Le fait d’être du côté allemand permet en plus (pour les spectateurs français en tout cas) de découvrir un point de vue différent, même si en réalité, les conditions furent les mêmes pour chaque camp. Cette guerre, souvent menée par des bouchers, a été vécue par des mineurs, des ouvriers, des paysans, des artisans, des enfants même, d’un côté comme de l’autre. Ils ont non seulement vécu l’horreur intemporelle de la guerre mais aussi la mécanisation et la démesure d’un conflit qui a, comme rarement, vu les pires saloperies (gaz, bombardements massifs, lance-flammes, chars…) être employées de concert.
Au final, cette histoire (le roman comme le film) ne condamne pas la guerre, ce qui serait aussi vain que de se plaindre de la pluie, mais ses effets les plus monstrueux. En cela, elle demeure indispensable et permet de faire parvenir jusqu’à nous les râles de soldats que la terre a depuis longtemps engloutis.
Plus que réussi, indispensable.
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Par
Tacgnol
Tourmentée par la légitimité de la passation de pouvoir, l’héritière du trône, Ania, décide de vérifier les faits contés dans la légende de son royaume tout en s’opposant au régime mis en place par la Reine, sa mère adoptive. Cette dernière possède la Magie issue d’une source dont elle dissimule l’existence à son peuple qui croit ses capacités innées. Bravant les interdits, Ania récupère la fameuse épée et, poussée par le démon qu’elle renferme, elle part mener à bien une quête : retrouver une trace du héros de l’épopée inscrite sur les murs en ruine, vaincre la créature qui manipule l’arme antique... Face à elle, sa mère, insondable, apparaîtra tour à tour avec elle et contre elle. Car Ania s’enfonce dans une histoire de famille complexe, un passé surprenant et dérangeant.
L’épée offre un récit des plus classiques sur la transmission du pouvoir, l’héritage des ancêtres et la recherche de soi. La légende se détricote et le héros gravé dans la pierre n’en ressort pas glorieux : la vérité a été brodée pour métamorphoser la lâcheté en bravoure, afin de maintenir un pays paisible et un peuple ignorant. La Reine, froide et intransigeante, prend de difficiles décisions pour la prospérité du territoire, quitte à engendrer des guerres.
L’aventure est narrée par la courageuse et indépendante Ania, qui dévoile ses atermoiements. En rébellion, elle critique la vie qu’elle mène, de la scolarité au Palais avec sa fratrie et les enfants méritants, à la manière dont sa parente conduit son existence. Les personnages importants ne croisent ni pauvres, ni malades, ni vieux ou très jeunes. Le peuple est à peine représenté. Point de roi ici : la Reine seule conserve le pouvoir et fait ou récupère des progénitures au hasard de ses nombreuses conquêtes, tout autant féminines que masculines.
Cette Bande dessinée espagnole de Anabel Colazo, dont les éditions çà et là ont sorti deux précédents albums, se termine en un volume. La dessinatrice se concentre sur l’essentiel en omettant que l’imprévu peut surgir d’en dehors du cercle du palais, métaphore d’un cocon familial très replié sur lui-même. Le graphisme est naïf et faussement enfantin, les valeurs de plans se répètent, malgré des teintes captivantes apportant un côté enchanteur aux décors. La représentation des affrontements apparaît comme la plus ratée, ce n’est pas ce que l’artiste préfère mettre en avant, juste un passage obligé. L’histoire tient sur les dialogues. Les attitudes corporelles sont raides, il y a énormément de visages de face et de profil. Les décors ne doivent leurs profondeurs qu’à des superpositions de plans colorés. Par le choix d’une mise en scène lancinante, un découpage assez plat et des scènes d’actions bâclées, l’empathie envers les protagonistes n’existe qu’au travers de la lecture du texte et non de l’image, réduisant cette dernière à de la pure illustration. Un côté très jeu vidéo des années 80-90 se dégage des planches, car les personnages se déplacent souvent entre la gauche et la droite, tels des hiéroglyphes, mais ne pénètrent que rarement dans la profondeur ou les diagonales.
Coincé entre une palette éclatante et la platitude de son découpage, difficile de savoir à qui s’adresse ce titre. Un jeune public ? Des adultes qui apprécient le côté pop, arty, aux influences mangas présentes et dont la mise en scène prend à contre-pied les poncifs du genre ? Dans ce cas, l’album rafraîchit les rétines.
Les éditions çà et là ont réalisé un très joli travail éditorial : le livre moyen format de 180 pages est imprimé sur papier épais, au dos piqué cousu avec une couverture rigide. Les couleurs explosent dans les cases. Mais, L’épée est vendue maladroitement comme un conte féministe sur l’argument d’une majorité de personnages féminins... alors que le propos touche à l’universel.
Bande dessinée au façonnage soigné, L’épée d’Anabel Colazo se concentre sur une quête identitaire et l’émancipation d’un enfant quasi adulte d’un parent autoritaire. Un album à découvrir par curiosité pour ses couleurs, son dessin aux traits naïfs et les choix de mise en scène de l’auteur, mais difficile à conseiller.
L’épée,
Anabel Colazo, çà et là, 20 euros.
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