Hello les Matous !

J'espère que vous avez les patounes au frais en cette période de forte chaleur, ce n'est pas un temps à laisser traîner vos coussinets sur le bitume ! Allez, pour vous soulager un peu, je vous ai concocté un sujet rafraîchissant à base de costumes de super-héros. Un classique donc, mais qui sort un peu des sentiers battus, vous allez voir.

Miaw !

Si vous êtes collectionneur de figurines, vous avez déjà dû voir des versions très différentes du costume du célèbre Dark Knight, notamment dans la gamme de figurines McFarlane : costume classique noir et gris ou bleu et gris ; "armored" ; White Lantern ; Dark Detective ; Dark Knight Returns ; la version dessin animé des années 90, etc. Le protecteur de Gotham dispose d'une garde-robe bien plus étoffée qu'on pourrait le penser. 

L'un de ces accoutrements, cependant, est un peu à part. Il s'agit du fameux et si reconnaissable "pink suit", c'est-à-dire une version rose et vintage, aussi originale que criarde. Cela peut paraître étonnant comme choix vestimentaire de la part de Bruce Wayne, mais en réalité... il n'a jamais porté ce costume !

Ou plutôt... pas vraiment.

Mais revenons aux origines de ce si particulier costume.

Tout commence en 1957, par la publication du Detective Comics #241, écrit par Edmond Hamilton et dessiné par Sheldon Moldoff. Dans ce numéro, pour les besoins d'une enquête, Batman va changer à de nombreuses reprises de tenue. L'on va ainsi le voir porter des costumes rouge, bleu clair, jaune, orange, vert et blanc (cf. illustrations ci-dessous). Et même un costume arc-en-ciel pour le grand final ! Or, si vous avez été attentif, vous aurez noté qu'il n'est nullement question dans ce récit de costume rose. 

Mais alors, d'où sort-il ?

Eh bien, tout bêtement, de la couverture de cet épisode (image d'ouverture, en haut de cette Parenthèse). Bruce Wayne ne porte donc pas cette tenue dans l'histoire intitulée The Rainbow Batman, mais il est bien représenté ainsi sur la cover de cette dernière. D'ailleurs, l'on peut noter aussi la présence d'un costume violet qui n'est pas non plus utilisé dans le récit.

L'on pourrait émettre l'hypothèse d'un problème d'impression, fréquent à l'époque. Le rouge aurait viré au rose sans que cela ne soit volontaire. Mais justement, la présence du costume violet évoqué plus haut, tout comme l'absence des costumes blanc et arc-en-ciel, font plutôt penser à une couverture rendant l'esprit de l'épisode mais n'étant pas strictement basée sur son contenu. Ce serait donc un pur hasard si, de nos jours, cette invention du coloriste (il n'était pas crédité à l'époque, impossible de savoir avec précision qui s'en est chargé ou quelles directives ont été données) a conduit, des décennies plus tard, certains fabricants de figurines (comme Enesco, Funko Pop ou McFarlane, déjà cité plus haut) à populariser cette version. 

Mais on ne va pas s'en plaindre, pas vrai ?

Signalons également, pour être complet, que cet épisode a été réédité par Urban Comics récemment, dans sa gamme Treasury. On vous en avait parlé dans cet Écho. Est-ce intéressant à lire ? Pas du tout ! C'est une vieillerie à la narration désuète, centrée sur une enquête on ne peut plus naze et bâclée. Ce comic vaut surtout pour la valse des costumes qu'il contient, et encore, ils ne sont guère mis en valeur.

M'enfin, maintenant, vous savez d'où sort cette version si iconique !

Hop, le "pink suit mystery" est maintenant résolu ! Batman n'a jamais réellement utilisé ce costume, et les nombreux clins d'œil et hommages le concernant partent en réalité d'une couverture qui a fini par être plus légendaire que les pages qu'elle abritait. 

À la prochaine les Matous, et ne lésinez pas sur la clim et les glaçons ! 

Rapide zoom sur une figurine de la gamme Marvel legends avec cette étrange Cyborg Spider-Woman !

Revenons d'abord sur le personnage. Il s'agit, contre toute attente, de Petra Parker, une héroïne issue d'un monde alternatif où se déclenche, en 2087, une grande guerre opposant des robots. 

Drôle de choix donc, de la part de Marvel, de faire de ce personnage massif une femme, mais admettons.

La figurine est dans une boîte en carton, sans "vitrine" plastique, donc sans possibilité de l'exposer dans des conditions MIB (mint in box). Notons que malgré l'énorme flingue du côté droit, le personnage peut s'équilibrer sans trop de difficultés. Avec vingt centimètres de haut et une belle envergure, la figurine est donc plus grande et massive que les modèles standard et constitue une pièce particulièrement originale au sein de la Spider-Family, avec un look qui n'est pas sans rappeler un petit cousinage avec l'esthétique de Spawn.

À environ 30 euros actuellement, voilà un modèle exotique et impressionnant qui n'exige pas un trop gros investissement. Miaw !

On fait le point sur Kaamelott, volet II partie 1, et ce n'est pas folichon...

Après un premier film décevant, Alexandre Astier a livré il y a quelque temps la deuxième partie de sa "trilogie" finale (qui comportera en fait quatre films...), maintenant disponible en édition collector blu-ray (à 45 balles, faut le vouloir !). Et le moins que l'on puisse dire, c'est que l'on atteint ici des records en matière de médiocrité et de ratage complet. La liste des défauts de ce film semble interminable. Une sorte d'effondrement total qui rend la conclusion de la saga Kaamelott assez pathétique. 

Faut-il s'étonner de ce naufrage ? Pas forcément, Astier ayant déjà montré ses limites avec son premier long-métrage, le prétentieux et vain David et Madame Hansen, ou lors de son exoconférence, succès public qui pourtant était truffé de problèmes importants et indéniables (redites, affirmations fausses bien que soutenues par des scientistes, humour qui tombe à plat, mise en scène désastreuse, ego trip grotesque, bref, les fans hurlaient encore au génie alors que le bateau prenait déjà l'eau). Je précise que je n'ai rien personnellement contre le gars, je l'ai même défendu longuement et en argumentant dans son sens lorsqu'il était attaqué par des connasses sans cervelle (cf. cet article).

Mais voyons précisément tout ce qui est raté dans ce film de 2h20.

Dès les premières minutes, ce qui frappe le spectateur et finit par agacer rapidement, ce sont les hurlements. Tous les personnages passent leur temps à brailler, s'énerver et s'engueuler. Au bout de quarante minutes, cela devient insupportable. C'est assez fou, on dirait qu'Astier ne connaît plus que ce seul ressort scénaristique : des gens qui crient et sont agacés. 

La réalisation, quant à elle, s'avère plate et fainéante. Un plan large et fixe pour planter un changement de décor, puis des scènes sans inspiration et ressemblant à du théâtre filmé (ou à un téléfilm bas de gamme). Aucun effort, aucune ambition de ce côté-là. 

Et ça continue ! Le jeu des acteurs est spectaculairement mauvais. Or, même si les enfants Astier manquent peut-être d'expérience (car le réalisateur a casé toute sa famille), tout le casting ne peut être à ce point nul. C'est donc bien encore Astier et sa direction d'acteurs qui sont à incriminer. Pire, même les personnages historiques finissent par sonner faux à force de redites et d'exagérations.

Bel effet réalisé sous Amstrad 6128.

Niveau intrigue, l'on n'est pas mieux loti. Les nouveaux personnages sont très mal introduits, voire pas du tout présentés ; le récit se perd dans des sous-intrigues fades et mal maîtrisées ; et Arthur est plus antipathique que jamais, enfermé dans son rôle de dépressif démissionnaire. D'ailleurs, il nous refait le coup de l'épée replantée... putain, vraiment ? Il n'y a pas autre chose à faire que ça ? C'est qui le conseiller technique du gars, Kurumada ? 

Et pire que tout, rien n'est drôle. Ce qui fonctionnait avant, dans la série TV, tombe complètement à plat, comme si l'auteur était totalement rincé. On a l'impression régulièrement d'être devant une mauvaise parodie tellement c'est du Kaamelott mais sans inspiration. L'écriture est évidemment le point le plus négatif. Le scénario, les dialogues, les personnages et leur éventuelle évolution, tout est plombé par un surplace narratif et une maladresse aussi étonnante que lourdingue. Rien ne semble évoluer, de Lancelot toujours au bord de la folie à Arthur traînant des pieds, en passant par l'incitation à faire un héritier (avec une potion, encore !), le tavernier qui a absolument besoin de Karadoc pour faire tourner la boutique, Merlin qui se méfie d'un autre druide... chaque minute n'est qu'un recyclage poussif de ce qui a déjà été mille fois mieux traité.

Reste encore à aborder l'absence de Franck Pitiot, alias Perceval. Ce dernier ayant réussi à lire le scénario du second opus avant le tournage (une pratique contraire aux habitudes d'Astier), il a décidé de ne pas rempiler, certainement déçu du premier film et de la direction que prenait celui-ci. Comment ne pas le comprendre ? La réaction d'Astier est alors ahurissante. Il se félicite presque du départ de son ami et acteur phare. "Ça permet d'aller dans d'autres directions." ; "Il est là sans être là." ; "C'est presque une bonne nouvelle."... bref, c'est du "je m'en fous, j'ai pas besoin de lui". Sauf que, en réalité, c'est un énorme coup dur. Et Astier n'est pas suffisamment idiot pour ne pas le savoir. Non seulement Perceval est central dans l'histoire (il est censé avoir une destinée plus importante que celle d'Arthur lui-même), mais c'est en plus le personnage le plus populaire chez les fans. Il ne s'agit pas cette fois de Vanessa Guedj (Angharad, la suivante de la reine), avec qui Astier s'était engueulé, et qui présentait son départ, goguenard, comme une péripétie sans conséquences. Cette fois, c'est l'un des piliers de Kaamelott qui abandonne, déçu par une écriture devenue désastreuse. 

Réédition d'un pan de l'histoire des comics avec Superman vs Spider-Man - La Bataille du Siècle.

En 1976, les deux géants que sont Marvel et DC Comics collaborent pour la première fois afin d'organiser la rencontre de deux de leurs personnages phares. La même année, Sagédition sort la première VF de cette histoire en album souple. Aujourd'hui, c'est Urban Comics qui nous livre une nouvelle version de ce récit, dans son format géant Treasury. 

Voyons déjà le pitch.

Alors que le Docteur Octopus et Lex Luthor se retrouvent tous les deux en prison, ils vont en profiter pour faire équipe et échafauder un plan pour se débarrasser de leurs plus grands ennemis (et faire chanter le gouvernement américain en prime, afin de récupérer un peu de pognon au passage). 

Peter Parker et Clark Kent, présents à la même conférence de presse, réagissent rapidement à l'enlèvement de Mary Jane Watson et Loïs Lane en endossant leurs costumes. Spider-Man et Superman entrent en scène, mais suite à un quiproquo, bien entendu, leur rencontre commence par... une baston.

Le scénario est de Gerry Conway, les dessins de Ross Andru. L'histoire est on ne peut plus simpliste et sacrifie à tous les poncifs du genre : malentendu poussant les héros à se taper dessus sans réfléchir (ce qui les crétinise tout de même pas mal), alliance de deux super-vilains, menace d'ampleur mondiale, les proches des héros qui sont directement impactés, etc. Mais à la rigueur, ça a son charme. Et l'on ne vient pas relire cette vieillerie pour réellement profiter d'un récit inspiré, mais plutôt pour "visiter" une pièce de musée.

Graphiquement, le style "old school" demeure agréable malgré une colorisation flashy et sans nuances. Si certaines scènes de combat deviennent encore plus spectaculaires dans ce format immense, les cases représentant des passages plus calmes n'en profitent guère, au contraire, le manque de décors (souvent remplacés par des fonds unis) supporte mal cet agrandissement. Signalons que le tout est imprimé non sur un papier blanc mais beige, ce qui donne un aspect artificiellement vieilli à l'ensemble.

Niveau adaptation, ce n'est pas très réussi, la version française comportant de nombreuses fautes. Ça commence dès la page 2 avec un "j'aurais tout vu" (c'est le futur qu'il convient d'employer ici), et ça se poursuit tout le long de l'album : "quoiqu'efficace" (l'élision est fautive) ; "boire un c"... (il convient de coller les points de suspension au c et d'ensuite seulement fermer les guillemets) ; "il s'est fabriqué un costume et masque" (où est passé l'article indéfini ?) ; "Dr. Octopus" (en français, "docteur" s'abrège Dr, sans point) ; "en-dessous" (pas de trait d'union, contrairement à "au-dessous"). Ajoutons à cela une ponctuation parfois hasardeuse, et l'on conviendra que cela commence à faire beaucoup pour si peu de texte. 

Voilà donc une BD plutôt moyenne, dotée d'une VF perfectible. Reste le format, impressionnant, qui redonne un certain lustre à ce morceau d'Histoire. 

Retour sur le parcours d'un héros (presque) oublié.

Qui se souvient encore de Benjamin Justice ? Médecin à l'OMS, le Docteur Justice parcourt le monde, de conférences en missions spéciales en tout genre. Charismatique, élancé, doté de hautes valeurs morales et expert en judo, l'homme a tôt fait, lorsqu'il croise margoulins et crapules, de les remettre à leur place à coups d'atemi bien placés (car en fait, il pratique aussi visiblement le ju-jitsu et le karaté).

Voilà le personnage. Un physique à la Michel Vaillant mâtiné d'Alain Delon, des compétences en tabassage de brutes et, de temps à autre, une petite prise de tension. Même Bob Morane, en comparaison, paraîtrait le summum du héros à la psychologie surdéveloppée, c'est dire ! Mais revenons dans un premier temps sur sa création.

C'est en 1970, sous la plume du scénariste Jean Ollivier, que naît celui qui a failli s'appeler Docteur X, Docteur Rush, Docteur Jet ou... Docteur Casse-Cou. Le dessinateur italien Raffaele Carlo Marcello va, lui, donner forme au personnage. Durant 20 ans, Justice (déjà évoqué dans cet entretien avec Maître Habersetzer, qui fut l'une des sources visuelles et techniques d'inspiration pour le dessinateur) va connaître plus de 150 aventures, en général de 12 pages (en couleurs) ou 20 pages (en noir et blanc), même si certaines histoires seront légèrement plus courtes ou plus longues. Preuve que le personnage connaît un certain succès à ses débuts, il aura droit à une adaptation cinématographique en 1975. Il sera interprété par John Phillip Law, un acteur américain déjà connu pour avoir incarné Diabolik (un classique des fumetti transalpins), qui sera accompagné par une certaine Nathalie Delon. Tout se rejoint. Mais revenons à la BD.

Le parcours éditorial du Docteur Benjamin Justice va être relativement mouvementé. Il commence par faire ses débuts dans Pif Gadget. Puis, il aura droit à son propre trimestriel, publié par les éditions Vaillant. Plusieurs maisons vont ensuite sortir des albums : Hachette, les éditions du Kangourou, GP Rouge et Or (un éditeur spécialisé dans les publications jeunesse, dont la collection Rouge et Or visait les moins de 20 ans), puis Messidor-La Farandole (qui appartenait au groupe éditorial du... Parti Communiste Français !).

Des tentatives de regrouper tout cela sous forme d'intégrales vont également avoir lieu. C'est Soleil qui s'y colle en premier en 1996, avec "Tout Docteur Justice", trois tomes d'aventures en couleurs (d'environ 115 pages chacun) plutôt mal nommés puisqu'ils sont loin de "tout" regrouper. En 2006, les éditions Thot prennent la suite, avec un premier volume (de près de 200 planches, cette fois consacrées aux premières aventures en noir & blanc) d'une intégrale qui ne verra jamais la parution du tome 2. Tout cela demeure donc très fragmentaire (et un cauchemar pour les complétistes).

Mais qu'en est-il de la qualité de ces bandes dessinées ? Eh bien, il faut reconnaître que ça ne vole pas très haut. Les défauts sont nombreux et énormes. Tout d'abord, les intrigues sont d'une grande simplicité. En ce qui concerne la narration, il s'agit plus d'un récit illustré que d'une BD moderne classique, dans le sens où l'action est surdécrite par des pavés de texte presque à chaque case. Cela alourdit considérablement l'ensemble et gêne l'immersion. Et on est loin d'avoir fait le tour de ce qui cloche ! Les personnages sont tous transparents et fades, sans aucun développement réel (même le héros en personne !). Quant au texte, il est blindé de fautes. Ah la mule est chargée, aucun doute là-dessus. Et en prime, l'auteur aligne les approximations et les erreurs. Certes, se documenter était plus difficile au début des années 70, sans internet, mais tout de même, de nombreux ouvrages étaient disponibles en bibliothèque. On s'étonne donc de certaines idioties, comme le "kiai" par exemple. À plusieurs reprises, Ollivier le décrit comme un cri presque magique, qui foudroie l'adversaire (une légende qui a certes circulé à une époque, mais qui paraît bien naïve). En réalité, le cri ne s'appelle même pas "kiai" mais "kensei". Il est l'une des conséquences du kiai (que l'on pourrait traduire par "harmonisation des énergies" et qui est traduit, sous la plume d'Ollivier, par un plus ésotérique "union des esprits"), ce dernier étant une sorte de point culminant, une concentration d'énergie physique et mentale, qui accompagne le coup d'un pratiquant. C'est donc bien un coup porté qui a un effet, et non simplement le fait de hurler. D'ailleurs, parfois, le Docteur Justice crie carrément le mot "kiai", ce qui n'a aucun sens. Isolément, c'est anecdotique, mais ces histoires sont pleines de raccourcis, maladresses et erreurs de la sorte. 

Alors quoi ? C'est nul, c'est ça ? Hmm... c'est plus compliqué que ça. La série n'est clairement pas écrite par un virtuose à la Charlier (qui avait, dès les années 50 et 60, une plume largement plus intemporelle et efficace), cependant, elle est tout de même dotée d'un certain charme. La partie graphique est très réussie et fait penser à certains fumetti feuilletonnant. Le côté très expéditif des récits permet de changer rapidement de décor et d'imposer un rythme élevé. Et le style à la fois moderne mais aujourd'hui très désuet des années 70 a un parfum plutôt agréable. Ajoutons que le côté caricatural, les bons sentiments à foison et l'exotisme facile font penser à un OSS 117 (le vrai, pas la parodie) où l'un de ces héros "larger than life" d'antan. Et nul doute que certains titres (Otages au Nicaragua ; Neuf Hommes sur la Banquise ;  Le Secret des Klimaks ; La Folie du Ronin ; Branle-bas aux Bahamas ;  La Nuit d'Amsterdam ; 60 heures à Rio ; Opération Panther ; Dr Justice à Istanbul ; S.O.S. Égypte ; Le Château du Burgrave...) devaient faire rêver à l'époque. Enfin, certaines thématiques, même survolées, ne sont pas inintéressantes (comme les effets psychologiques de l'isolement durable sur un groupe de scientifiques). 

Au final, voilà un personnage trop lisse et des aventures trop convenues et embryonnaires pour avoir véritablement marqué les annales des grandes heures de la BD européenne. Reste toutefois un nom et des titres qui évoquent, comme dans un rêve, la brume diffuse d'une époque révolue et, de ce fait, magnifiée. 

Sortie de la version collector de l'Odyssée.

Nous vous avons déjà parlé à de multiples reprises des éditions Callidor, que ce soit à l'occasion de la sortie de quelques ouvrages (Le Roi en Jaune, Dracula, Les Hauts de Hurlevent...) ou lors d'un article de fond sur le travail exceptionnel de cette maison. L'éditeur revient sur le devant de la scène avec un nouvel ouvrage magnifique consacré cette fois à l'une des épopées d'Homère, chef-d'œuvre incontesté de la littérature et fondation même des lettres occidentales. Autant vous dire que cette Odyssée mythique méritait évidemment un écrin à la hauteur de sa légende, ce qui est aujourd'hui chose faite, et de fort belle manière.

Mais commençons par rappeler en gros de quoi il retourne.

Ce poème épique, comprenant 24 chants, conte le retour tumultueux d'Ulysse dans son foyer, après la guerre de Troie. À Ithaque, sa femme Pénélope est pressée par de nombreux prétendants qui convoitent trône et richesses. Il est donc urgent qu'Ulysse réapparaisse, mais celui-ci est retardé par la colère du dieu Poséidon (son fils, le cyclope, ayant subi une sévère défaite face au héros), qui a mis bien des embûches sur sa route.

Ulysse va ainsi rencontrer tout au long de son voyage les Lotophages et leurs dangereuses fleurs de lotus ; le grand Éole lui-même ; les Lestrygons, géants anthropophages peu sympathiques ; les Sirènes et leur chant irresistible ; ou encore les monstres Scylla et Charybde, sans parler d'une descente au sein des Enfers, carrément ! Ah ben, les voyages, ça ne se passe pas toujours bien...

Maintenant que tes souvenirs sont rafraîchis, ô noble lecteur, passons à l'analyse du fond et de la forme de cette version du célèbre récit. La traduction utilisée par Callidor est celle de Victor Bérard et date de 1924. Cela donne un texte classique, élégant et forcément très littéraire, dans le sens le plus strict. Bérard est non seulement un homme de Lettres, mais un homme de Lettres de la Belle Époque, de surcroît. Aussi, il est juste de préciser que certaines traductions, plus modernes, sont plus proches des attentes d'un lecteur contemporain, même si l'on y perd sans doute une partie du souffle épique rendu parfaitement en ces pages.

En ce qui concerne la forme, là, tout le monde sera probablement d'accord : c'est beau. Fichtrement beau et soigné. Dos toilé, couverture en dur avec vernis sélectif, magnifiques illustrations d'Aurélien Police, mise en page et travail typographique inspirés permettent de profiter pleinement de la lecture et de faire de ce livre un magnifique objet de collection. Notons que l'éditeur a également ajouté une préface (de Victor Hugo), une introduction du traducteur, et divers compléments, sous forme de notes et addendum. Difficile de faire plus exhaustif. 

Au final, voilà une version somptueuse d'un classique incontournable qui aura belle allure dans votre bibliothèque et vous emportera dans un mélange subtil de réalisme, de merveilleux et de réflexion sur la condition humaine.