Par
Vance
Toutefois, aborder ses nouvelles a posteriori apparaît déconcertant : on y retrouve certes les principales préoccupations de l'écrivain entré en littérature au début des années 1960 (les panthéons mythologiques, les destins tragiques, une forme d'humanisme lettré abondant en citations) mais sans la trame luxuriante de ses grands récits eschatologiques, sans l'épopée et les décors scintillants d'une fantasy décomplexée. Une lecture déroutante donc, mais qui mérite le détour, tant le talent de l'écrivain est patent.
Une rose pour l'Ecclésiaste, petite compilation de quatre textes traduits en 1980 par Michel Deutsch, est un excellent choix sur le papier : d'une part par sa préface enthousiaste d'un Theodore Sturgeon complètement sous le charme de la plume envoûtante et cultivée d'un auteur déjà fascinant mais encore à l'aube d'une brillante carrière ; d'autre part car elle regroupe plusieurs nouvelles récompensées par un Hugo, un Nebula ou d'autres prix littéraires spécialisés. Nous voilà prévenus : ce sera du lourd. Mais de quoi parlent-elles ?
1. Tout d'abord Les Furies : dans une galaxie conquise par l'Homme, trois individus en marge de la société mais disposant de dons surhumains font cause commune pour traquer et capturer un renégat, ancien soldat désormais voué à la destruction d'un gouvernement qu'il a naguère servi. Le glissement progressif du point de vue, nous amenant sans qu'on s'en aperçoive à comprendre les agissements du rebelle, n'est qu'un des points nodaux d'une histoire qui, dans sa conclusion, devient archétypale. La farouche épopée de Victor Corgo, "l'homme qui n'avait pas de cœur", nous rappelle parfois le récit désabusé et mélancolique du Consul dans l'Hypérion de Dan Simmons (cf. cet article).
2. Le Cœur funéraire nous ramène sur Terre dans une ambiance fin de siècle qui fera écho de manière stupéfiante à la saga The Wicked + The Divine de Gillen & McKelvie (cf. cet article): ici, un jeune homme fera tout pour entrer dans le cercle très fermé d'une communauté décidée à braver l'éternité. Ses membres, triés sur le volet, se font régulièrement cryogéniser pour ne sortir qu'à l'occasion de grandes fêtes célébrant la vie et la beauté : ils semblent ainsi ne pas vieillir tandis que le monde défile devant leurs yeux blasés, que les technologies changent même si les désirs et les pulsions demeurent les mêmes. D'abord par amour, puis par défi, le jeune homme parviendra à ses fins mais n'en tirera pas les profits qu'il espérait.
3. Les Portes de son visage, les lampes de sa bouche... commence d'une manière plus classique, le témoignage à la première personne d'un "homme-appât" travaillant sur les océans de Vénus. Imaginez Matt Hooper dans sa cage de métal face au grand requin blanc des Dents de la Mer et vous aurez une idée de son job dont personne ne veut et pour lequel il lui arrive d'être grassement payé. Il décide de rempiler pour satisfaire la demande pressante d'une star médiatique qui veut à tout prix mettre la main sur une créature géante hantant les eaux vénusiennes. Et ce qui apparaît au départ comme le récit d'une quête perdue d'avance va petit à petit se transfigurer en une romance paradoxale entre deux êtres que tout oppose, un jeu de séduction à rebours où les non-dits pèsent lourds.
4. Enfin Une Rose pour l'Ecclésiaste nous entraîne sur Mars où les dernières tenantes d'une civilisation moribonde invitent un poète de renom pour tenter de traduire (et ainsi de partager) les textes fondateurs de leur culture presque disparue. Cela pourrait constituer un plaidoyer pour la défense et la valorisation d'une société dont on devine la splendeur (rappelant certaines allusions des Chroniques martiennes - cf. cet article) mais cela glisse insensiblement vers une histoire d'amour tragique, où le sens du devoir le dispute à la passion.
Hormis Les Furies, qui sort du lot, les nouvelles de
cette anthologie sont fondées sur des histoires relativement simples, mais
emberlificotées dans une écriture empesée, généreuse, mouvante et abondamment
parsemée de fulgurances littéraires, de références culturelles pointues, d'une
psychologie sinueuse et de personnages malaisés à définir. Par ses allusions,
ses périphrases, ses ellipses et ses digressions exubérantes, Zelazny nous fait
systématiquement perdre l'objectif du récit pour nous emporter sur des
réflexions parfois pertinentes, parfois absconses, variant les points de vue et
occultant la trame de l'histoire. Ce qui fait que la conclusion apparaît
mécaniquement surprenante, nous dévoilant un aspect de la nouvelle qui était
jusque lors masqué sans qu'on détermine avec précision si c'était volontaire
(comme dans Les Furies, qui s'avère plus proche du conte des origines que de la
nouvelle d'anticipation qu'elle semble être) ou un effet indésirable.
On se noie un peu dans les phrases très denses de Zelazny,
et on y perd pied très souvent, d'autant que
les personnages manquent de
caractérisation, parfois archétypaux, parfois désagréables, parfois encore simplement transparents, vecteurs
d'un message obscur. La prose séduit, illumine l'esprit, mais l'intrigue ne
passionne guère et l'émotion se dilue, même quand on découvre une histoire
d'amour désespérée (Une Rose pour l'Ecclésiaste, le Cœur funéraire) ou une
romance qui s'ignore (Les Portes de son visage, les lampes de sa bouche...). Les flamboiements de ces récits ressemblent souvent aux derniers sursauts d'un foyer qui a consumé toutes ses réserves, aux soubresauts d'une étoile mourante.
Quatre textes néanmoins élégants, au style étourdissant, d'une rare
densité, qui préfigurent le Zelazny moins fougueux mais plus méthodique des
grandes œuvres qui suivront (Seigneur de lumière, Le Maître des rêves, Les 9
Princes d'Ambre).
| + | Les points positifs | - | Les points négatifs |
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Par
Vance
Dans cette curieuse année tronquée qu'est 2020, certains des films prévus étaient attendus avec impatience, d’autres suscitaient une certaine curiosité. Vivarium
était de ces derniers.La crise sanitaire ayant eu les effets que l’on sait, beaucoup de films ont donc été annulés ou reportés. Voilà que The Jokers, fascinant éditeur hexagonal (il a à son catalogue des titres comme Brimstone, Bone Tomahawk, le très beau Mademoiselle, Green Room et surtout Parasite), met à disposition du public, sur la plupart des supports physiques (Blu-ray et DVD), cette production européenne, écrite et réalisée par Lorcan Finnegan. Ce cinéaste irlandais ne dira pas grand-chose aux profanes, ni même aux cinéphiles en dehors de ceux qui fréquentent les festivals et guettent les pépites en court-métrage, annonciatrices des futurs grands metteurs en scène : or le bonhomme a pourtant déjà glané une tripotée de récompenses pour des réalisations comme Foxes ou Defaced, dans lesquelles il traitait déjà d’un thème qui semble le préoccuper, le turlupiner même : le consumérisme de masse et notamment la frénésie de l’accès à l’immobilier. Son angle d’approche est néanmoins différent de métrages tels 99 Homes en ce sens qu’il s’attaque moins aux fondements du capitalisme qu’à son impact sur la psyché des consommateurs et leur vie sociale.
Droit dans ses bottes, Finnegan continue à explorer ses
obsessions dans un long-métrage, son second après Without name. Le moins que
l’on puisse dire, c’est qu’il a su captiver son audience et, sinon convaincre,
du moins intriguer au point d’être encore récompensé, à Cannes cette fois (avec
le Prix de la Fondation Gan). Il a su surtout trouver les partenaires
financiers pour monter son projet avec des sociétés tant irlandaises (Fantastic
Films) que belges (Frakas Productions),
américaines (XYZ Films) ou danoises (Pingpong Films) ; le long défilé des
logos animés introduisant le film en dit long sur le parcours du combattant
qu’a dû traverser le cinéaste. Ce n’est pourtant pas cela qui aura fait venir
les spectateurs au cinéma, ou qui feront acheter le disque : l’affiche (ou
la jaquette) fortement teintée de surréalisme, et surtout le nom de l’acteur
vedette, Jesse Eisenberg (hypnotique dans The
Social Network, et que vous pouvez retrouver aussi dans The Art of Self-Defense) devraient convaincre ceux qui n’ont pas été séduits par la
bande-annonce.
Le film est à l’image du projet : court, dense, sincère
et curieux. Nanti d’un budget honnête plombé par certaines exigences
artistiques et le cachet des acteurs principaux, Finnegan ne fait guère dans
l’esbroufe et s’oriente très vite vers ce genre de productions qui plaît
davantage par sa portée, son écriture, son excentricité ou son originalité que
par ses effets, ses décors ou son casting, ces "petits films" pour
lesquels on a souvent beaucoup d’indulgence à partir du moment où ils tiennent
leurs promesses. Rappelez-vous le cas de Moon, qui n’avait pas eu l’heur d’une
sortie en salles et avait tellement épaté les vidéastes qu’il a finalement pu
être projeté par la suite. Les confidences de l’acteur principal et le buzz
autour de sa sortie laissait présager un destin similaire, mais laissaient
craindre aussi un scénario qui peinerait à aboutir, des enjeux confus ou mal
gérés ou des effets spéciaux à la ramasse.
Or, Vivarium s’avère finalement assez réussi et parvient à ne jamais dévier de son sujet de départ (même s'il choisit une narration volontairement ambiguë et donc frustrante) : après un singulier
prologue animalier (qui peut donner une orientation aux interprétations
qu’engendreront le script), le couple de personnages central prend vie à
l’écran. Gemma est une maîtresse d’école britannique, elle est en quête d’un
logement pour elle et son conjoint Tom (une sorte d’architecte paysager – ou
simple élagueur ?). On comprend tout de suite que leur situation
financière n’est pas au beau fixe et que ce ne sera pas une partie de plaisir.
Les voilà dans une agence, en train de regarder les petits pavillons d’un
lotissement nommé Yonder. Guère convaincus, ils acceptent toutefois,
vraisemblablement par jeu, de suivre l’agent immobilier au teint blafard jusqu’à la maison n°9,
sise dans une rue où toutes les habitations arborent ces nuances de vert. Ce
dernier leur fait le tour du propriétaire puis disparaît sans crier gare, les
laissant seuls. C’est au moment de quitter le lotissement que Gemma et Tom vont
s’apercevoir qu’ils sont tout bonnement prisonniers : impossible de trouver la moindre
voie de sortie de ce labyrinthe de maisons toutes identiques (et toutes
inhabitées) ! Contraints de passer la nuit sur place, ils recevront
d’abord de la nourriture (livrée sans qu’ils puissent en déterminer la provenance)
puis… un bébé. Les instructions sont simples : il leur est demandé de
l’élever en échange de leur libération. Mais le bébé, l’environnement, les
aliments, tout est trop étrange pour que la santé mentale de nos héros ne soit
pas affectée. Ainsi que la solidité de leur couple…
Dans ce décor restreint (quelques pièces de la maison, un
jardinet, une rue), la caméra ne lâche pas les trois comédiens de cette famille
artificielle avec un enfant qui communique par mimétisme et des parents qui
refusent le rôle qu’on les oblige à endosser. La mise en scène est parfois
ludique mais sobre, concentrée sur son histoire et ne s’attarde pas
outre-mesure sur les surprises et happenings ; le ton est amer, désabusé,
à l’image de cette palette de verts qui semblait si pimpante et devient petit à
petit nauséeuse. Car tout dans cet univers respire l’artifice, l’irréel
singeant la réalité (l’œil averti des spectateurs remarquera très vite le ciel
et son étrangeté). Un monde comme issu des affiches publicitaires scandant les
bienfaits d’un produit, les avantages d’un appareil, les merveilles d’un lieu
de villégiature… On n’est pas très loin de l’appartement recréé de la fin de 2001,
l’Odyssée de l’espace : c’est presque normal, mais trop beau, propre, net
pour être vrai. Ou, du moins, c’est réel (la nourriture est mangeable, les
appareils électriques fonctionnent) mais faussé, gauchi. Le choix est d’y
vivre, ou d’y survivre. Et cette dernière proposition implique d’entrer en
rébellion. Oui, mais contre quoi ? Ou qui ? Et surtout, comment ?
En ce sens, Vivarium fonctionne comme un épisode d’une série
comme La Quatrième Dimension : le tempo est certes lent mais les
péripéties sont nombreuses et ajoutent du piment à une ambiance délétère qui
sape le moral des protagonistes, car si des révélations surviennent parfois, les
mystères sont légion et permettent au cerveau du spectateur exigeant d’alterner
les interprétations et les références. Pas révolutionnaire mais prenant et
surtout cohérent, avec des interprètes convaincants, bien qu’on ait déjà vu Eisenberg
plus inspiré ; heureusement, Imogen Poots, très expressive, campe une Gemma
hésitant constamment sur la conduite à tenir, forte et fragile à la fois.
Le blu-ray est remarquable, proposant une image très précise
et une palette de couleurs bien plus étendue que le DVD, mettant bien en valeur
le travail de la direction artistique et du chef-opérateur qui ont choisi des
éclairages spécifiques et une tonalité adéquate avec des tons pastel faussement
rassurants pour un résultat oppressant ; l’influence des toiles de Magritte
est patente.
La VO comme la VF sont encodés en DTS-HD Master Audio avec une
piste plutôt frontale, assez chiche en effets surround (surtout des
entrées-sorties de champ), mais en revanche bien pourvue en basses fréquences
qui retranscriront encore mieux l’impression d’étrangeté hantant cette maison
qui semblait pourtant idéale. Les bonus sont suffisamment divers et riches pour
continuer à intéresser l’acheteur, avec deux interviews (Jesse Eisenberg,
lui-même producteur exécutif du film donc particulièrement impliqué dans sa
genèse, et le réalisateur), une vidéo sur la remise du prix de la Fondation Gan
et le story-board du métrage, ce qui ravira les cinéphiles qui pourront y trouver
quelques divergences intéressantes avec le résultat final.
Un bon petit film, qui tient en haleine, déconcerte souvent (en ce sens qu'il se refuse à exploiter des trames explicatives, ce que certains trouveront forcément frustrant) et
suscite interrogations et malaise.
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Par
Nolt
Au départ, Polar est un webcomic (muet et essentiellement en noir & blanc, avec quelques aplats de rouge orangé) créé par Victor Santos, qui diffuse alors son récit sur son blog. Il ajoutera par la suite des dialogues à la demande de son éditeur, Dark Horse. L'histoire sera publiée ensuite en VF par Glénat. À cette occasion, l'éditeur comparera l'auteur à Frank Miller et Mike Mignola, deux énormes artistes passés maîtres dans l'utilisation des ombres, des contrastes et des ellipses visuelles. Et clairement, même si la volonté de s'inscrire dans cette mouvance est palpable, Santos est loin, très loin, d'approcher la maîtrise des deux légendes précitées.
Mais revenons-en au film, sorti l'année dernière sur Netflix et mis en scène par le réalisateur suédois Jonas Akerlund.
Sur le fond, l'histoire reste bien entendu identique à la BD. En gros, un ancien tueur professionnel, surnommé Black Kaiser, prend sa retraite et s'ennuie dans un trou paumé. Seulement, son ancien employeur tente de le buter afin de récupérer les 8 millions qu'il lui doit. Cela donne lieu à des scènes bien violentes, entrecoupées par une espèce de love story très tendre et discrète. Rien de très original donc.
Par contre, l'ambiance du film va très clairement s'éloigner du côté minimaliste du comic. Au point de flirter parfois, au moins en partie, avec la parodie.
 |
| Une partie du côté déjanté et presque burlesque d'un film qui s'en serait bien passé. |
C'est peut-être ce qui déroute le plus dans cette adaptation : elle est beaucoup trop déjantée pour être prise au sérieux, et pourtant trop dramatique et touchante (par moments) pour n'être qu'un pur film d'action décérébrée.
Le patron de Damoclès (la société qui employait Kaiser) et les autres tueurs sont des caricatures improbables. Exubérants, survoltés, affublés d'accoutrements aux couleurs vives, on les croirait sortis tout droit de Dick Tracy (le pulp-navet de 1990, avec Madonna). Par contre, Black Kaiser, interprété par un magistral Mads Mikkelsen, est lui bien plus "réel", tout en retenu, en couleurs froides et en longs moments silencieux. Bien entendu, le fait de caractériser ainsi les protagonistes est totalement voulu et permet de séparer les personnages froids et sombres, malmenés par la vie (Kaiser et Camille), des salauds "virevoltants" et déshumanisés (ben... tous les autres). Le problème,
c'est que ça se marie assez mal, un peu comme si on prenait le Clint Eastwood de Créance de Sang pour le plonger dans l'univers du Batman & Robin de Schumacher. Ça ne peut pas fonctionner parce que le registre n'est pas le même. Et c'est ce genre de dichotomie que crée ici Akerlund.Du coup, on a l'impression de voir le résultat de deux films très différents qui auraient fusionnés maladroitement. Le côté "acidulé" est parfois amusant mais clairement aussi très superficiel, alors que le côté "sombre" est bien plus intéressant et profond mais souffre de cette cohabitation étrange.
Les scènes gore et ultra-violentes montrant les membres de Damoclès supprimer divers témoins font clairement dans la surenchère gratuite et frôlent parfois le ridicule (quand elles ne lui rentrent pas dedans de plein fouet), alors que les moments intimistes entre Kaiser et Camille sont subtiles et parfaitement dosés.
Ce fameux Black Kaiser notamment aurait pu n'être qu'un assassin froid et taciturne, alors que le réalisateur, ainsi que Jayson Rothwell au scénario, en font un type complexe, parfois maladroit, mais très humain et éloigné du stéréotype habituel. Lorsqu'il essaie d'adopter un chien, ou lorsqu'il achète un cadeau très "spécial" à Camille, c'est à la fois drôle mais tragique, et ça en dit long sur la solitude du personnage et son manque de pertinence et d'habileté dans les situations "normales", ce qui en fait quelqu'un de "fragile" (toute proportion gardée, ce n'est clairement pas le genre à pleurnicher s'il se coupe en se rasant) et émouvant. Même chose pour Camille, interprétée par Vanessa Hudgens, qui va s'affadir physiquement (tout en restant incroyablement séduisante) pour les besoins du rôle et livrer une composition étonnante et très "juste".
Alors au final, est-ce un chef-d'œuvre ou une grosse bouse ? Eh bien, ni l'un ni l'autre. Le film est déroutant mais agréable à regarder, porté par le charisme de Mikkelsen et quelques scènes sanglantes servant d'exutoire. Il traîne cependant son côté partiellement esthétique et "fun" comme une lourdeur anachronique et dérangeante qui nuit au lyrisme que l'on sent poindre ponctuellement et à la légende qu'aurait pu devenir le Black Kaiser.
On vous le conseille tout de même.
| + | Les points positifs | - | Les points négatifs |
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Par
Vance
Par bien des côtés, Caliban rappelle davantage Event Horizon
qu'Alien, et la paradoxal huis-clos que constitue un vaisseau en perdition dans
l'immensité cosmique dévoile ici un potentiel inexploité.
L'histoire débute par un accident, mais pas un banal carambolage sur une autoroute : alors que le vaisseau Caliban sillonne l'espace pour emplir ses soutes de minerai extraterrestre, un autre vaisseau surgit du néant pour, non pas entrer en collision, mais littéralement se fondre dans le Caliban. Le choc est moins spectaculaire, mais les conséquences sont terribles : avant même de comprendre ce qui est arrivé (comment deux objets
aussi massifs peuvent-ils occuper le même
espace ?), il faut d'abord relever les dégâts, colmater les brèches, s'occuper des
survivants et se préparer au pire. Évidemment, une fois passés l'incompréhension et les réflexes désordonnés liés à une catastrophe imprévue,
les membres d'équipage tentent de s'organiser, en utilisant au mieux les
capacités de chacun. C'est là que l'écriture de Garth Ennis, même si elle
n'atteint pas les sommets de The Boys ou Preacher, s'avère largement supérieure
en terme de pertinence aux infâmes scénarios de Prometheus ou Covenant, dont les
scientifiques étaient incapables d'agir autrement qu'en choisissant systématiquement la
conduite à ne pas tenir en cas de danger. Garth Ennis met un point d'honneur à
développer autant que faire se peut la psychologie de ses protagonistes et les
rapports que chacun entretient avec autrui au sein d'une équipe disparate.
C'est l'un des éléments de base d'une histoire tentant de passionner les lecteurs
en les faisant trembler pour leurs héros.
L'histoire débute par un accident, mais pas un banal carambolage sur une autoroute : alors que le vaisseau Caliban sillonne l'espace pour emplir ses soutes de minerai extraterrestre, un autre vaisseau surgit du néant pour, non pas entrer en collision, mais littéralement se fondre dans le Caliban. Le choc est moins spectaculaire, mais les conséquences sont terribles : avant même de comprendre ce qui est arrivé (comment deux objets
aussi massifs peuvent-ils occuper le même
espace ?), il faut d'abord relever les dégâts, colmater les brèches, s'occuper des
survivants et se préparer au pire. Évidemment, une fois passés l'incompréhension et les réflexes désordonnés liés à une catastrophe imprévue,
les membres d'équipage tentent de s'organiser, en utilisant au mieux les
capacités de chacun. C'est là que l'écriture de Garth Ennis, même si elle
n'atteint pas les sommets de The Boys ou Preacher, s'avère largement supérieure
en terme de pertinence aux infâmes scénarios de Prometheus ou Covenant, dont les
scientifiques étaient incapables d'agir autrement qu'en choisissant systématiquement la
conduite à ne pas tenir en cas de danger. Garth Ennis met un point d'honneur à
développer autant que faire se peut la psychologie de ses protagonistes et les
rapports que chacun entretient avec autrui au sein d'une équipe disparate.
C'est l'un des éléments de base d'une histoire tentant de passionner les lecteurs
en les faisant trembler pour leurs héros.
Du reste, et assez vite, on s'aperçoit qu'on est en terrain
connu : si la peur est engendrée par une situation inhabituelle dans des
contrées hostiles ("Dans l'espace, on ne t'entendra pas crier...", vous voyez ce que je veux dire) et
par une menace tapie dans l'ombre et impossible à détecter - sinon par les traces
qu'elle laisse de ses forfaits - la survie est aussi provoquée par l'ennemi
intérieur, le mouton noir, celui qui, pour une raison ou une autre ne réagira pas
comme il faut et mettra ses propres intérêts en avant plutôt que ceux du
groupe. C'est Ash dans Alien, Burke dans Aliens, le retour : mus par l'appât du gain ou
des ordres contradictoires, ils sapent le peu d'organisation que met en place
l'équipage. Même dans l'espace, l'homme est un loup pour l'homme, et pour peu qu'il n'y mettent pas un terme très vite, les survivants finiront par s’entre-tuer avant même de tomber sous les griffes de l'alien (si alien il y a !).
Cette menace sourde mêlée à un danger interne dont les personnages
ne prennent pas conscience est régulièrement la base des meilleurs récits
horrifiques : c'est sur ce point que Caliban se rapproche davantage d'Event
Horizon, voire même de The Thing dont il reprend une partie de la structure.
Cela dit, l'aspect SF n'est pas qu'un décor et Ennis cherchera tout de même à proposer des pistes de lecture assez intéressantes, en dévoilant un univers futur assez sombre, où les Terriens ont essaimé mais n'ont jamais rencontré de civilisations extraterrestres, se contentant d'exploiter les filons des planètes extérieures pour alimenter leur berceau terrestre devenu presque irrespirable.
119 planètes et lunes, et pas une seule d'habitable. [...] La vie extraterrestre ? Oubliez. Un lichen orange trouvé sur un astéroïde, ou bien une sorte de mollusque pataugeant dans ses propres excréments sur une lune. Stations, vaisseaux et air recyclé pour tous. La lumière ? Artificielle.
Cela dit, l'aspect SF n'est pas qu'un décor et Ennis cherchera tout de même à proposer des pistes de lecture assez intéressantes, en dévoilant un univers futur assez sombre, où les Terriens ont essaimé mais n'ont jamais rencontré de civilisations extraterrestres, se contentant d'exploiter les filons des planètes extérieures pour alimenter leur berceau terrestre devenu presque irrespirable.
119 planètes et lunes, et pas une seule d'habitable. [...] La vie extraterrestre ? Oubliez. Un lichen orange trouvé sur un astéroïde, ou bien une sorte de mollusque pataugeant dans ses propres excréments sur une lune. Stations, vaisseaux et air recyclé pour tous. La lumière ? Artificielle.
Cette rencontre fortuite va bien sûr mettre à bas
toutes leurs croyances, tout en menaçant la survie même de l'espèce entière. Toutefois le point fort du récit est plutôt la mise en avant de ses personnages, et notamment Sanchita et Nomi, deux jeunes femmes bien différentes, aussi modernes que le reste de l'équipage est classique.
Sur ce script bien calibré, presque sans surprise (c'est le principal défaut de ce comic référentiel, reprenant des bases déjà souvent développées par ailleurs), Facundo
Percio construit une bande dessinée agréable, au montage dynamique et à
l'encrage alimentant davantage l'ambiance oppressante des corridors obscurs, évoquant ainsi une menace invisible et meurtrière. Moins survolté que dans Anna Mercury, moins tourné vers l'action pure, il
livre une prestation honnête et parvient souvent à satisfaire les exigences gore
d'Ennis, (il y a quelques machins bien crades quand même) mais il manque aussi souvent de précision dans l'action, qui s'avère
parfois confuse, et les visages ne sont pas toujours reconnaissables.
Komics Initiative a réussi son coup avec une belle édition (sortie en février 2020), nantie de suppléments intéressants (une
préface par le Commis des Comics, une interview, des planches de travail), une
traduction honnête du texte original (paru chez Avatar Press), une impression de qualité et un volume conséquent pour 18 € : d'autre éditeurs ayant pignon sur rue pourraient en prendre de la graine.
| + | Les points positifs | - | Les points négatifs |
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Par
Virgul
Free Guy est un film basé sur un concept a priori original et au fort potentiel : un employé de banque, après un énième braquage, se rend compte un jour qu'il n'est qu'un simple figurant dans un jeu vidéo ! À partir de là, un tas de possibilités s'offrent à lui dans un monde complètement délirant.
Le pitch de ce long métrage, réalisé par Shawn Levy (Real Steel), avec Ryan Reynolds dans le rôle principal, donne plutôt envie... sauf que, lorsqu'on voit la bande annonce (ci-dessous), tout cela a l'air d'une comédie certes bourrée d'action, avec un gros paquet d'effets spéciaux, mais finalement assez prévisible.
On aurait aimé un traitement un peu plus consistant (lorgnant du côté d'un Truman Show par exemple).
M'enfin, on peut se tromper, peut-être qu'après tout Free Guy sera, au moins, un bon divertissement.
À découvrir en décembre.
Par
Nolt
Cet article va être
relativement court vu que, ce que j’ai à dire sur les dérives actuelles
consistant à limiter la liberté des auteurs, condamner des ouvrages ou propos sans les
remettre dans leur contexte ou se transformer en petit bourreau haineux au nom d’une "bonne cause", je l’ai déjà suffisamment développé dans les articles concernant la police de l'écriture, les œuvres anciennes qualifiées de sexistes ou le racisme 2.0.
Je voudrais simplement mais très fermement apporter mon soutien à Astronogeek, un type qui fait de la vulgarisation sur
youtube et est devenu la cible de tarés sous prétexte qu’il a avoué (parfois de
manière un peu maladroite) d’anciennes bêtises de gamin et une habitude sexuelle
qui ne regarde que lui et sa compagne.
Je ne connais pas Arnaud, je
ne l’ai jamais rencontré, je ne l’ai jamais sollicité pour un entretien sur
UMAC. Il fait partie des gens que je suis occasionnellement, parce que l’astronomie
est l’un des domaines qui m’intéressent.
Arnaud a la particularité d’avoir
un ton très… spécial. Son attitude, sa façon de s’exprimer font que, en
général, il a l’air d’être un peu condescendant lorsqu’il explique quelque
chose. En plus, il est vulgaire. Il dit des gros mots, quoi. Ouh, le méchant !
Bon, honnêtement, étant moi-même habitué à entrecouper mon propos de divers
jurons et expressions fleuries, j’avoue que ça ne me choque pas.
Arnaud a, de ce que j’en vois
au travers de ses vidéos, deux autres particularités : il a des neurones
qui fonctionnent bien et des couilles qu’il utilise à bon escient. Alors, pour
prévenir toute éructation stupide de la part de certains demeurés, je précise "qu’avoir des couilles" est une métaphore, et que bien des femmes "ont des couilles" au
sens où elles font preuve de courage.
Bref.
Il y a quelques jours, pour
préparer un sujet sur la cancel culture (j’avoue qu’avant cela, je ne savais
même pas que cette pratique de merde avait un nom), le fondateur de la chaîne Astronogeek
a avoué sur Twitter (ouch, pas une bonne idée) des conneries de jeunesse et un
truc complètement banal qui lui a valu un déchaînement de haine assez
ahurissant, certains allant jusqu’à le dénoncer à ses partenaires
publicitaires, écrire à son ancienne université ou menacer les vidéastes ayant
déjà travaillé avec lui pour qu’ils prennent position et le condamnent. De
jolis moyens de voyous, oui.
Tout ça parce que le gars a
dit qu’il lui arrivait de réveiller sa compagne en lui faisant l’amour
(pratique qui marche dans les deux sens, puisque, elle aussi, se met à le caresser
parfois pendant qu’il dort). Et ce truc totalement normal entre deux adultes
consentants formant un couple complice depuis des années a été qualifié de… viol (sic).
J’avoue que là, je suis outré,
scandalisé et… terrifié du niveau de connerie ambiante. Comment peut-on comparer une habitude sereine, acceptée et complice avec un "viol conjugal" ?
Pour être honnête, précisons
qu’Arnaud termine son post par "certains pensent que c’est un viol, et je
m’en bats les couilles". Ce qui ne veut pas dire "je m’en fiche des
viols", mais bien "je me fiche de ce que vous pensez des pratiques
consenties qui ne regardent que ma compagne et moi-même".
Mais ça, on ne peut le
comprendre que si on est à peu près équilibré, sensé et honnête.
Ce que subit ce youtubeur, à
la base vulgarisateur scientifique, depuis quelques jours est incroyable.
Et c’est nauséabond pour au
moins six raisons :
– il n’a rien commis de
répréhensible ou indigne
– des gens qu’il ne connaît
même pas cherchent pourtant à lui nuire au niveau professionnel et privé
– il ne peut se défendre et ne
bénéficie même pas du doute, il est étiqueté "salaud" directement,
si ce n’est pire
– il est réduit à un
comportement unique (qui ne peut définir un individu dans sa complexité)
– ce comportement est extrait
de tout contexte de manière volontaire et fallacieuse
– certains en viennent même à
mentir en déformant ses propos
Alors, dans le lot des grands
courageux qui hurlent avec les hyènes et sont attirés par l’odeur du sang, il y
a certainement des gens qu’Arnaud a vexé ou qui sont animés par un sentiment de
jalousie, mais le pire, c’est que la grande majorité, sans doute, pensent sincèrement que ce type est une ordure.
Je suis également surpris de
la réaction de certains de ses collègues, qui soit l’enfoncent (car ne "rien
dire" est apparemment prendre son parti), soit le soutiennent du bout de
lèvres tremblantes et glacées par les menaces des fachos fragiles, prompts à s’offusquer
pour tout mais capables d’employer des moyens abjects contre ceux qui seraient
simplement en contact avec les victimes de leur ignoble vindicte. Étonnante pratique de la part de gens qui s'affirment à la pointe de la justice et du progrès social. Et étonnant principe de "contagion" également, puisque être en contact avec une personne victime du sordide jugement de cette foule décérébrée fait d'un individu non un "complice" mais un exact clone de la personne "condamnée". Ah, ouais, c'est spécial.
Je ne suis rien ni personne,
mon "soutien" ne changera donc rien, mais je tenais à publiquement
prendre parti pour un innocent, qui se prend des tonnes de bouses dans la
gueule, de la part de merdeux qui n’ont rien à envier au "fascisme" et à l’oppression
qu’ils pensent combattre.
Je vous conseille d’ailleurs
le visionnage de cette vidéo, puis de celle-ci, qui expliquent la position (et
contiennent les excuses, un comble) d’Arnaud.
Je suis en tant qu’auteur du
côté de celui que l’on tente de museler.
Je suis en tant que citoyen du côté de la justice et des droits qu'elle est censée garantir.
Je suis en tant qu’être humain du côté
de celui que l’on maltraite.
Je suis du côté d’Astronogeek.
Plus les moyens de diffusion
se font merveilleux, plus barbare, atterrant et choquant est leur contenu.
Arthur C. Clarke
Par
Nolt
Cet article est une suite
directe aux trois parties rassemblées dans ce dossier.
L’on va s’intéresser ici à un
sujet très précis qui concerne la manière de susciter la peur lorsque l’on
écrit. Et pour être honnête, il faut même carrément se poser la question de la
possibilité de susciter un tel sentiment, car, comme on va le voir, il n’est
pas aisé d’effrayer un lecteur.
Pourtant, il existe une vaste
littérature d’épouvante. De Lovecraft à King, en passant par Peter Straub,
James Herbert ou Clive Barker, pour ne citer que quelques plumes "horrifiques". Cependant, posons-nous la question, ces livres
suscitent-ils en nous un sentiment réellement proche de la peur ?
Mais avant tout, pour que l’on
parle bien de la même chose, il est nécessaire dans un premier temps de se
demander ce qu’est la peur.
Techniquement, il s’agit d’une
réaction physiologique involontaire (inconsciente en tout cas) face à une
situation perçue comme dangereuse. Elle a pour fonction de préparer l’individu
à la fuite ou au combat. La peur est donc une réaction universelle,
incontrôlable et très utile. L’on ne peut pas, par exemple, supprimer la peur
que l’on éprouve simplement en le décidant. Heureusement d’ailleurs, car c’est
un mécanisme de survie très efficace. Par contre, on peut éviter, grâce à
diverses techniques, la terreur, la tétanie, la panique, etc., qui sont des "désordres" de la peur (celle-ci n’ayant plus alors d’effets
bénéfiques).
Lorsque l’on a peur de manière "raisonnable", l’on éprouve différents effets physiques, notamment
dus à la décharge d’adrénaline : le rythme cardiaque s’accélère, tout
comme le débit ventilatoire (le corps se prépare à courir vite ou à frapper
fort), le flux sanguin est modifié, les yeux s’écarquillent (les pupilles se
dilatent), l’on peut même, histoire de s’alléger, voir notre corps décider de
lui-même d’évacuer urine et excrément ("se faire dessus" a donc un
réel sens pratique, étant donné que l’on se débarrasse alors d’un "excédent de
bagage", et donc de poids).
 |
— Quel est ton roman d'épouvante préféré, Sidney ?
— Heu... je sais pas, je ne lis pas trop, moi. C'est pour un jeu, c'est ça ? Donnez-moi un indice, je l'ai peut-être vu en DVD.
|
Bien, maintenant que l’on a
compris ce qu’était la peur, avez-vous la sensation d’avoir déjà éprouvé ça au
cinéma ? Sans doute que oui, au moins fugitivement. Le fameux "sursaut" du jump scare va, au moins pendant quelques secondes, augmenter
votre rythme cardiaque, vous arracher un cri, etc.
Avez-vous déjà éprouvé ça en
lisant un livre ? A priori, non, jamais.
Et pourtant, bien des gens
vont avouer avoir "eu peur" en lisant tel ou tel ouvrage. Parce
qu’en réalité, les auteurs (les bons en tout cas) sont des petits futés, des
sortes de prestidigitateurs des mots, qui vont vous donner l’illusion d’avoir éprouvé
de la peur, alors qu’en réalité, ils ont recours à d’autres émotions.
Mais si l’auteur ne peut pas
faire peur directement, il peut tenter de susciter des sentiments
qui sont souvent associés à la peur, ou un ensemble de sensations qui va donner
l’illusion de sa présence.
Voilà par exemple trois
éléments très efficaces lorsqu’ils sont combinés :
– l’empathie,
l’identification : si l’on ne peut pas vraiment effrayer en littérature,
il est très simple d’émouvoir et de créer peine et tristesse.
– le suspense, l’attente, la
tension : c’est l’art qui consiste à évoquer quelque chose qui n’a pas
encore eu lieu ou n’est pas encore bien identifié. L’inconnu est toujours
générateur de stress.
– le malaise, la rupture, la
réponse non appropriée : ici il s’agit, alors que le lecteur s’attend à un
enchaînement logique, de s’écarter de ce qui est attendu pour créer un
sentiment de gêne.
C’est ce mélange étonnant qui
produit une fausse "sensation" de peur. Imaginez une recette de
cuisine, nécessitant des ingrédients précis pour reconstituer le goût d’un
aliment pourtant absent, ou un mélange de peintures, pour s’approcher d’une
couleur spécifique.
L’identification (si elle est
bien employée) permet de générer un sentiment violent. Or, une situation
émouvante va être perçue, dans un roman, pratiquement exactement comme dans la
vie réelle, au contraire d’une situation de danger. Vous n’avez pas peur si un
vampire poursuit un personnage (vous n’êtes pas en danger) mais vous êtes
réellement triste (toujours si c’est bien amené) quand Capuchon, le petit chat
du personnage, se fait écraser par un 38 tonnes.
Cette émotion, c’est la glaise
façonnable dont l’auteur va se servir. La "base", neutre, qui va
permettre de construire autre chose.
Le stress va, quant à lui,
permettre de conserver l’émotion dans la durée. En générant une attente, une
tension, l’auteur va diluer l’émotion primaire (la tristesse par exemple) et
lui donner par la suite un "autre goût". Imaginons que, cette fois,
Capuchon soit entre la vie et la mort, le camion ne l’a pas encore écrasé, mais
on le voit venir, se rapprocher, accélérer.
Enfin, la gêne, la rupture, va
permettre d’épicer la scène et, en utilisant une réponse inattendue à une
situation donnée, cela va donner, après coup, l’illusion de la peur.
Imaginons que Capuchon soit sauvé in extremis par une petite fille, qui a vu le camion approcher et s’est ruée sur le chaton. Elle le prend dans ses bras, lui fait un gros câlin, quelques bisous, et elle le ramène chez elle. Elle demande à ses parents si elle peut le garder, ils ronchonnent un peu mais finissent par accepter. Elle a même le droit de dormir avec. Pendant la nuit, la petite fille se réveille et, prise d’une pulsion incontrôlable, elle met ses mains autour de la gorge de Capuchon et serre. Elle serre encore plus fort quand le chaton agite ses pattes et écarquille les yeux. Elle continue de serrer, le chat la griffe et s’échappe, affolé. Il tente de trouver un refuge, mais la chambre est petite, les issues fermées. Un méchant sourire aux lèvres, la petite fille se précipite, elle n’a qu’une envie : sentir le corps fragile et frêle se débattre entre ses mains. Capuchon fait un bond et file en dessous du lit, bientôt délogé par une Barbie lancée violemment. Il tente de grimper sur une armoire, rate son coup, se réfugie derrière un gros coffre à jouets, tremblant, apeuré. Son cœur bat vite et fort, il ne comprend pas, il pensait être en sécurité avec sa nouvelle amie. La fillette apparaît brusquement au-dessus du coffre, Capuchon n’a que le temps de bondir de nouveau, terrifié. Il aimerait tant que sa maman soit là pour le protéger, lui indiquer quoi faire. Mais il est seul, dans un lieu inconnu, en compagnie d’un monstre. Un monstre terrible. Implacable. Avide de sang.
 |
| Le masque ? Ben, c'est pour cette histoire de Covid, là... les gestes barrière, tout ça. La machette ? Ben approche, je vais t'expliquer. |
Imaginons que Capuchon soit sauvé in extremis par une petite fille, qui a vu le camion approcher et s’est ruée sur le chaton. Elle le prend dans ses bras, lui fait un gros câlin, quelques bisous, et elle le ramène chez elle. Elle demande à ses parents si elle peut le garder, ils ronchonnent un peu mais finissent par accepter. Elle a même le droit de dormir avec. Pendant la nuit, la petite fille se réveille et, prise d’une pulsion incontrôlable, elle met ses mains autour de la gorge de Capuchon et serre. Elle serre encore plus fort quand le chaton agite ses pattes et écarquille les yeux. Elle continue de serrer, le chat la griffe et s’échappe, affolé. Il tente de trouver un refuge, mais la chambre est petite, les issues fermées. Un méchant sourire aux lèvres, la petite fille se précipite, elle n’a qu’une envie : sentir le corps fragile et frêle se débattre entre ses mains. Capuchon fait un bond et file en dessous du lit, bientôt délogé par une Barbie lancée violemment. Il tente de grimper sur une armoire, rate son coup, se réfugie derrière un gros coffre à jouets, tremblant, apeuré. Son cœur bat vite et fort, il ne comprend pas, il pensait être en sécurité avec sa nouvelle amie. La fillette apparaît brusquement au-dessus du coffre, Capuchon n’a que le temps de bondir de nouveau, terrifié. Il aimerait tant que sa maman soit là pour le protéger, lui indiquer quoi faire. Mais il est seul, dans un lieu inconnu, en compagnie d’un monstre. Un monstre terrible. Implacable. Avide de sang.
Enfin, après une dernière
course-poursuite, la fillette s’empare de la boule de poils en riant, elle
pousse un cri rauque, mélange de soulagement et de jouissance…
 |
| Ahlàlà, heureusement que c'est fini tout ça. J'ai plus l'âge de hurler et courir comme une hystérique. Bon, c'est pas tout mais, qu'est-ce que je vais bien pouvoir faire à bouffer ce soir ? |
Si l’on demande aux lecteurs
ce qu’ils ont ressenti après une scène de ce genre (c’est ici à peine esquissé
et bien trop rapide, cela demanderait, pour être efficace, une réelle
préparation en amont et une réelle immersion dans un récit construit), beaucoup
diront qu’ils ont eu peur pour le chat.
Alors qu’en réalité, ils n’ont
jamais éprouvé un sentiment se rapprochant de la peur.
Mais un sentiment négatif
violent, ajouté à une tension et une rupture dans la logique de ce que l’on s’attend
à voir… ça donne quelque chose qui, après coup, dans les souvenirs, se
différencie difficilement de la peur. Alors que, quand on le "vit",
ça n’a rien à voir.
Il reste cependant à préciser
quelque chose d’important. S’il est pratiquement impossible pour un auteur de
générer une peur réelle (alors qu’il peut donner l’illusion de la peur sans
aucun problème, cf. par exemple Le Horla, Maupassant jouant dans cette nouvelle sur de nombreux registres très efficaces), cela ne veut pas dire que vous, en tant que lecteur, n’avez
jamais peur en lisant un livre.
Par exemple, étant gamin, j’avais
l’habitude de lire des bouquins ayant pour thèmes les maisons hantées, le
triangle des Bermudes, les vies antérieures, etc. Bref, des "histoires
vraies" sur le thème du paranormal en général. Et je peux vous assurer
que je flippais ma race, mais sévère (je devais avoir 12 ans ou à peine plus).
Sauf que, c’est moi qui générais cette peur, pas une quelconque technique
d’écriture.
Il convient donc de faire la
différence entre ce qui relève de l’auteur et ce qui est propre à votre état
d’esprit. Si vous ressentez réellement de la peur en lisant un livre (rythme
cardiaque accéléré, débit ventilatoire important, sens surexcités, bref, tout
ce que l’on a vu précédemment), il y a de grandes chances pour que cela vienne
de vous. Et, en général, vous verrez que lorsque vous avez peur,
ces trois conditions sont remplies :
– vous êtes seul
– il fait nuit ou au moins
sombre
– vous êtes sorti de
l’histoire (vous ne lisez plus, vous pensez à ce que vous avez lu)
Le troisième point (vous êtes
sorti de l’histoire) est très important. Car, en réalité, même si vous êtes
seul, en train de lire un roman d’épouvante, la nuit, "sous la
couette", tant que vous lisez, vous n’avez pas peur. Vous éprouvez même
en réalité du plaisir. Par contre, vu que le récit vous a conditionné, dès que
vous en sortez, vous risquez de vous effrayer pour des choses a priori banales.
Par exemple, en traversant un couloir sombre pour aller aux toilettes.
Pourtant, là, ce n’est pas lié à une technique d’écriture. Vous étiez bien tant
que vous lisiez, c’est le fait de sortir du récit qui vous fait flipper à
l’idée d’accomplir un acte simple et banal. Même chose si vous entendez un
bruit non identifié. Des bruits de ce genre, vous en percevez des dizaines tous
les jours. Et surtout toutes les nuits. Mais votre cerveau ne vous met pas en
état d’alerte, au contraire, il les ignore, car ils font partie des bruits de
fond quotidiens (vent, craquement du bois qui travaille, robinetterie, animaux,
circulation, voisin qui ferme ses volets…). Si à chaque fois qu’on entend un
truc que l’on ne peut pas parfaitement identifier on devait l’analyser, d’une
part on perdrait un temps fou à ne faire que ça, d’autre part, on deviendrait
fou. Par contre, quand vous lisez un roman d’épouvante, si vous entendez un
bruit, vous aurez plus tendance à vous "arrêter" dessus et à
l’identifier comme "bizarre" (pourquoi ? parce que votre état
d’esprit a été artificiellement modifié, vous êtes stressé,
même légèrement). Mais
là encore, il ne s’agit pas d’une technique d’écriture. Vous êtes juste en
train de vous autosuggestionner. Vous éprouvez de la peur en dehors du récit,
pas parce que le récit vous fait peur directement. Cette peur réelle, ressentie
parfois dans la "vraie vie", va renforcer, par la suite, votre
impression de récit "effrayant".
même légèrement). Mais
là encore, il ne s’agit pas d’une technique d’écriture. Vous êtes juste en
train de vous autosuggestionner. Vous éprouvez de la peur en dehors du récit,
pas parce que le récit vous fait peur directement. Cette peur réelle, ressentie
parfois dans la "vraie vie", va renforcer, par la suite, votre
impression de récit "effrayant".
C’est exactement la même peur
que l’on éprouve, gamin, lors des récits d’Halloween, au coin du feu, quand on
est parti camper. Vous n’êtes pas effrayé par la qualité de la légende que
votre pote raconte, mais parce que vous êtes au milieu de nulle part, en pleine
nuit, et que vous vous projetez en dehors du récit.
Bien entendu, pour en revenir
à la technique d’écriture, nous sommes loin d’avoir fait le tour des moyens techniques à la disposition des auteurs pour générer une impression de peur.
En plus des trois éléments
déjà évoqués, l’on peut renforcer le malaise et le stress grâce à diverses astuces. Par exemple en employant des phrases plus courtes, voire même des mots
sans phrases construites, avec peu de verbes, pour donner un effet saccadé qui
s’associera inconsciemment avec le "souffle court" généré par la
peur : "Mais il est seul, dans un lieu inconnu, en compagnie d’un
monstre. Un monstre terrible. Implacable. Avide de sang."
Le choix du vocabulaire est
lui aussi important, tous les termes négatifs auront sans doute un certain
effet, mais des termes recherchés, rares, peuvent renforcer aussi le côté "malaisant".
L’on n’utilise donc pas la
même construction grammaticale selon que l’on souhaite décrire une scène
romantique, un moment drôle ou un acte odieux. En général du moins, car l’on
peut aussi violer les règles habituelles pour donner un supplément de sens à
une scène. Il ne s’agit donc pas dans ce cas d’ignorer la technique, mais de la
contourner, ou de s’en servir
différemment, dans un but précis.
C’est aussi, dans ce genre
particulier des romans d’épouvante, ou plus généralement appartenant au genre
fantastique (qui regroupe aussi bien la science-fiction que l’heroic fantasy), que
l’on se rend compte que les mots ont un sens, précis, et un effet, réel. Leur
choix est donc crucial. Quand Lovecraft décrit des lieux particuliers, liés aux
Grands Anciens, il va ainsi parler d’abominations, de géométrie répugnante,
d’alignements cyclopéens, de choses tordues, croulantes, poussiéreuses mais néanmoins
vivantes et habitées. Quand, plus récemment, Adam Nevill décrit la forêt
suédoise dans Le Rituel, elle n’a rien d’agréable ou de folklorique : elle
est froide, boueuse, hostile, moche, sinistre, humide, et au final devient un
lieu où l’être humain n’a rien à faire. Mais là encore, on est bien dans le
malaise, pas la peur. Si vous comparez Cthulhu et le gros con qui vous
emmerdait dans la cour, au CM1 ou en sixième, vous verrez qu’en réalité, un
enfant, pas bien menaçant et plutôt stupide, vous a effrayé bien plus que la
pire des entités lovecraftiennes.
Chaque art a ses contraintes,
ses avantages uniques et ses limites réelles. On ne peut pas faire passer
forcément la même chose, en tout cas pas de la même manière, en peinture, dans
une nouvelle, en musique ou en bande dessinée. Le roman, s’il est réputé
permettre une très grande liberté, a lui aussi ces impossibilités. En tout cas,
en apparence. Car, c’est bien là toute la magie de l’écriture, le romancier
peut inventer de nouveaux sorts qui permettront de combler les lacunes
supposées de son domaine.
La peur des livres est une
escroquerie. Mais pour une fois, les escrocs ne vous veulent pas de mal.
Par
Virgul
C'est chez Boom! Studios que l'acteur américain va faire ses débuts en tant que scénariste sur une mini-série intitulée BRZRKR (Berzerker mais sans les "e", parce que comme ça, c'est plus facile à prononcer).
Reeves prêtera également ses traits au protagoniste principal.
Niveau intrigue, il s'agit de l'histoire d'un guerrier, pas tout à fait humain et né il y a 80 000 ans. Pour apprendre la vérité sur son existence (et accessoirement y mettre un terme), ce Berzerker a passé un marché avec le gouvernement américain, pour le compte duquel il accomplit diverses missions.
On nous promet quelque chose de sombre et bourré d'action (attention, c'est parfois sanglant et bien gore !), avec une thématique tournant autour de l'éthique et de la véritable nature de la violence. Grosso modo, du bottage de culs agrémenté d'un soupçon de spiritualité, voilà qui pourrait fort bien être jubilatoire si l'écriture est à la hauteur.
Cette mini-série, coécrite par Matt Kindt et dessinée par Alessandro Vitti, comportera 12 épisodes et débutera en octobre.
Par
Virgul
On revient aujourd'hui sur la toute première version d'Actarus et Goldorak. Souvenez-vous, en 2018, dans ma Parenthèse #4, j'avais un peu plaisanté sur ce dessin animé légendaire. Mais saviez-vous qu'il découlait d'un pilote, et que le robot destiné à devenir une star avait alors un look bien différent ?
Allez, cap sur les années 70 !
Gattaiger, le premier "puissant robot de l'espace"
En 1975, après Mazinger Z, grand ancêtre des séries de mechas, la Toei, géant de l'animation au Japon, décide de surfer sur la mode SF et le phénomène OVNI en créant un nouveau dessin animé mélangeant robots géants et méchants extraterrestres (Mazinger et Alcor se battaient, eux, contre un savant fou bien de chez nous). Cela donnera plus tard le célèbre Goldorak (ou Grendizer). Mais, dans un premier temps, un épisode pilote est produit sous le nom de Uchu Enban Daisenso, ce qui sera traduit par Gattaiger - Battlefield of the Space Saucers.
Ce relativement court métrage raconte l'histoire de Duke Fleed, dernier survivant de la planète... Fleed. Tiens, le mec s'appelle comme sa planète ? C'est un coup à choper le melon, ça. Bref, le gars aboutit sur Terre après avoir volé un robot/vaisseau de combat : le Gattaiger. Mais le gaillard a trouvé le moyen de rameuter derrière lui les salopards d'extraterrestres qui avaient ravagé son monde natal. Ces derniers lancent une vaste offensive contre la Terre à l'aide de soucoupes pouvant se transformer en... tanks ou en dragons. Duke, forcément, file un coup de main pour les repousser (c'est la moindre des choses vu que c'est lui qui les a ramenés).
Il y a donc, dans ce "pilote", les grandes lignes de ce qui deviendra l'histoire d'Actarus, prince d'Euphor. Normal puisque Go Nagai est de la partie. D'ailleurs, si l'on met de côté les couleurs, le look d'Actarus (notamment sa tenue de combat) est très proche du modèle final. Le concept de robot géant et de soucoupe porteuse est déjà là, lui aussi. Par contre, l'aspect visuel du robot est très différent de l'ancien Mazinger ou de ce qui deviendra le futur Grendizer. On peut carrément aller jusqu'à dire que la filiation n'est pas évidente au premier regard. Mais bon, on ne va pas non plus lui faire passer un test de paternité au machin, hein ?
Le mieux, c'est que vous jetiez un œil sur les images qui suivent.
Miaw !
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| Ah oui, il y a aussi une love story dans Battlefield of the Space Saucers. Pour caser les origines de Fleed, l'exposition de la menace, l'histoire d'amour et les inévitables combats en 30 minutes, vous imaginez bien qu'il a fallu y aller au chausse-pied, pas le temps de faire dans la subtilité. |
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| Fleed a déjà tout, ou presque, du look d'Actarus. |
 |
| Le concept de robot géant et de soucoupe porteuse est déjà défini également. |
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| Gattaiger, l'un des rares robots en net surpoids. Un anime "inclusif" avant l'heure. |
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| À droite Mazinger Z, l'ancêtre. À gauche, Grendizer/Goldorak, le rejeton. Au milieu, celui qui est censé faire le lien entre les deux. Un petit test de paternité s'impose peut-être finalement... |